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MAS ARTE

Francesca Leone

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La artista italiana Francesca Leone

octubre de 2018 – PLANET EARTH

Francesca Leone abre la época de otoño en el Patio Andaluz, el espacio de arte moderno del Palacio de Gaviria en la villa de Madrid, con “Domus”, la primera exposición individual de la reconocida artista italiana en España. Comisariada por el crítico de arte y curador Danilo Eccher, va a estar abierta al público del diecisiete de octubre al treinta de noviembre de dos mil dieciocho

Francesca Leone abre la época de otoño en el Patio Andaluz, el espacio de arte moderno del Palacio de Gaviria en la capital de España. Lo hace con “Domus”, la primera exposición individual de la reconocida artista italiana en España, comisariada por el crítico de arte y curador Danilo Eccher, que va a estar abierta al público del diecisiete de octubre al treinta de noviembre de dos mil dieciocho.

La muestra desarrollada en especial para el espacio del Patio Andaluz, incluye su recorrido artístico de los últimos 3 años, que comenzó con la instalación “Our Trash” en la Triennale de Milano en dos mil quince, seguida por la exposición “Giardino” en el Museo MACRO de la ciudad de Roma, hasta llegar a junio dos mil dieciocho con sus “Monaci” al Reale Albergo dei Poveri en Palermo. De esta manera, el Palacio de Gaviria acoge simultáneamente las exposiciones de 2 mujeres, Tamara de Lempicka y Francesca Leone, una artista histórica y una moderna.

Durante las salas que rodean el patio del histórico palacio del siglo XIX, Francesca Leone edifica su “Domus” por medio de veinte obras que crean una ambientación propia para cada estancia. Junto a ellas, 6 piezas de cemento dejan entrever trazas de semblantes ocultos tras unas verjas, que se asoman mediante las grietas.

Las piezas prosiguen la línea de restauración de objetos que ha marcado el trabajo reciente de la artista. Una piel de hierro del veinte metros de largo recorre con elegancia todo el perímetro de una de las salas. Una chapa oxidada de 4 metros pintada, que produce el efecto de un paisaje. Y las salas de la “Domus” virando en torno a un jardín de basura coloreada que invade el espacio central del patio con dieciséis metros cuadrados de redes de metal, donde quedaron atrapados cientos y cientos de colillas de cigarrillo, plástico teñido y pequeños objetos rutinarios de desecho, sobre los que los visitantes pueden merodear.

En palabras del comisario de la muestra, Danilo Eccher, “el cuento que Francesca Leone comenzó a redactar el día de hoy es ya sólido conceptualmente, no tiene temor a ‘ensuciarse las manos’ con los desechos de un consumismo invasivo y prepotente, ni tan siquiera a enfrentarse con la rigidez geométrica de una composición racional, es un cuento que sabe bordar con las alquimias de la pintura pero asimismo influir temáticamente en los inconvenientes de una actualidad que está continuamente en juego al filo de un precipicio desconocido”.

Francesca Leone nació en la ciudad de Roma dentro de una familia de artistas. Comenzó su actividad expositiva en dos mil siete con una muestra colectiva en los Musei Capitolini de la ciudad de Roma, a la que prosiguió su primera exposición individual titulada “Riflessi y también riflessioni” (Reflejos y reflexiones) en el Loggiato di San Bartolomeo de Palermo en el mes de abril de dos mil ocho. Al final del mismo año en el Palazzo Venezia en la ciudad de Roma fue objeto de una exposición individual titulada “Primo Piano” que se contestó en dos mil nueve en el Castel dell’Ovo en Nápoles. Exactamente el mismo año fue invitada a exponer sus obras en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Moscú (MMOMA) y fue nombrada miembro honorario de la Academia Rusa de Preciosas Artes. Participó en la Bienal de Venecia en dos mil once y dos mil trece.

En dos mil catorce fue protagonista de 3 exposiciones individuales en el Museo de Arte De la misma época que S. de Chile (MAC), en el Museo de Arte De la misma época que Buenos Aires (MACBA) y en el Museo de la Academia de Preciosas Artes en la ciudad de San Petersburgo. En exactamente el mismo año estuvo presente en el Palacio de las Artes en Nápoles con la exposición “Corpo Terra”. En dos mil quince empezó con una exposición individual en Singapur y acabó con la monumental “Our Trash” en la Trienal de Milán.

En dos mil diecisiete presentó “Giardino” en el Museo Macro de la ciudad de Roma y en el primer mes del verano dos mil dieciocho vuelve tras diez años a Palermo, capital europea de la cultura, donde expone “Monaci” en el Reale Albergo dei Poveri paralelamente a Manifesta doce. Vive y trabaja entre Roma y Miami.

ANDREA METE

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ANDREA METE – El desarrollo o arte de producir imágenes de elementos en superficies sensibilizadas por la acción química de la luz o de otras maneras de energía radiante, como rayos X, rayos gamma o rayos cósmicos. El estado de ser libre o en independencia en vez de en confinamiento o bajo restricción física. Una aptitud para llevar a cabo descubrimientos deseables por incidente. Algo que atrae poderosamente la atención por su brillantez, interés…

Tiempo menos. Sin comienzo ni final; eterno. Bastante grande o radical para ser expresado o descrito en expresiones. El psicológico. Identificación con, experimentando de, sentimientos de otro…

ARTE PINTURA EN LA VIDA MODERNA

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ARTE PINTURA EN LA VIDA MODERNA – Un espacio dedicado al arte, ubicado en el corazón del Barri Gòtic de Barcelona. Con un siglo de historia ya han pasado por él cuatro generaciones. Desde sus comienzos, Artur Ramon Art ha acogido más de doscientas exposiciones, y se ha experimentado en el dibujo de España y también en el de Italia. De los siglos XVIII al XX. Obras que han sido adquiridas por el Museu Nacional d’Art de Catalunya, por el Museo del Prado o bien por la National Gallery of Canada, entre otras muchas instituciones.

Es esta una de las pocas galerías españolas con presencia regular en las ferias internacionales más importantes dedicadas al dibujo y las antigüedades. Por ejemplo la TEFAF Maastricht.

Una galeria de arte y anticuario de Barcelona llamada Artur Ramon promueve el conocimiento del arte antiguo.

De la misma manera que el término arte ha ido cambiando, nuestra percepción también lo hace con el tiempo. El término de coleccionismo asimismo ha ido evolucionando. Entendemos hoy en día que el coleccionismo es el terreno social y cultural que pisa el arte. En los siglos XIX y XX penetra en lo que es el coleccionismo artístico el hombre de negocios. Surgen grandes coleccionistas contemporáneos como Rockefeller, o Thyssen.

La evolución de la galería de arte ha ido de la mano de la propia historia del arte. De este modo la galería se convierte en un espacio impulsor de las creaciones artísticas contemporáneas. Las casas de subastas fueron las grandes señoras del mercado artístico, por mucho tiempo. El coleccionista halla en ellas una ventana abierta al arte y las antigüedades. Tiene al alcance un enorme abanico de opciones para adquirir todo género de piezas, desde grandes pinturas a joyas, pasando por libros, estatuas, etc.

ARTE PINTURA EN LA VIDA MODERNA

Subastas de Arte y Antiguedades

Gran cantidad de piezas son valoradas y expuestas para colecciones, de todos y cada uno de los estilos y de todos los tiempos. Las casas de subastas son el punto de venta más plural y miden el pulso al mercado del arte.

Artur Ramon es también vanguardia como Anticuario en Barcelona.

Las piezas artísticas son caminos de ideas que nos hacen reaccionar. El coleccionista es el receptor que mejor capta la obra artística, es un cazador de la belleza. Y también trata de adquirir objetos que distingan su hogar. El comprador de antigüedades desea tener objetos del pasado, o una pieza singular bien por su belleza, calidad u otras particularidades. Los anticuarios, expertos, tienen un público leal.

Y como no podía ser menos, hay modas, desde el art decó, a los muebles de los sesenta. O el arte industrial.

El inconveniente del espacio, y del tamaño de las residencias actuales condiciona los gustos, que ahora son más minimalistas. En España se vende mejor la pintura y las artes ornamentales, en menoscabo del mueble. Hay piezas bien interesantes por un bajo coste, como las cosas de la época de Carlos IV. Es buen momento para hacernos con piezas de calidad.

El artista nace y después se perfecciona. Es lo que yo pienso y he pensado siempre. Y no he cambiado de opinión pese a que algún catedrático de Bellas Artes me haya querido convencer de lo contrario.

A los jóvenes que desean ser artistas yo les diría que si no sienten que ya lo son, ni se lo planteen. Es una profesión dura, donde no siempre se ve retribuido el ahínco que uno pone en ella. Pero los artistas son también profesionales. Dirigen su talento de manera previsible. No son unos locos libres que están por ahí y en ocasiones pintan, o cantan, o escriben. Son trabajadores y deben considerarnos como tales.

ARTE PINTURA EN LA VIDA MODERNA

El ‘millenial’ (palabra que no me gusta un pijo) es también coleccionista

Las redes sociales han ayudado a la venta de arte ‘online’. Y los más jóvenes han empezado a interesarse. El cuarenta y dos por ciento reconoce que las redes son fundamentales en su resolución final de comprar arte. Facebook y también Instagram son los reyes del arte. Instagram adquiere cada vez un peso mayor en el arte: el sesenta y cinco por ciento de los compradores jóvenes emplean esta red social con fines relacionados con el arte para buscar de entre los perfiles de museos, galerías, etc.

Volviendo a Artur Ramon, Su nueva tienda seguirá por el camino andado en un tiempo nuevo que presenta grande retos. Preparados para los ‘millenials’ que adquieren arte por cuestiones sensibles, como inversión o por estatus. Si bien los chicos van escalando posiciones en el mercado del arte on-line no hay que olvidar, que los ‘baby boomers’ siguen siendo, en 2017, los que más invierten por año. Y alrededor del ochenta y cinco por ciento de los mayores de sesenta años son los compradores que gastan más en arte comprado on-line.

EXLIBRIS PERSONALIZADOS

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EXLIBRIS PERSONALIZADOS – Sellos Ex- Libris

Para marcar la propiedad de un libro. Suelen estar compuestos de un nombre y un leimotiv o bien un dibujo. Es una forma bien elegante como personal de marcar el dueño de un libro. Y es un regalo ideal.  Cuando lo encargas puedes pedir que te adapten el tipo de letra al dibujo a fin de que el resultado sea acorde a tu idea, de calidad y con un diseño muy elegante.

Ex- libris – Significado: De entre los libros. Se pone esta inscripción en los libros, seguida del nombre o las iniciales del dueño, para marcar nuestra posesión en ellos.

De entre estos, los sellos automáticos trodat tienen unas peculiaridades especiales. El original sello trodat printy es reconocible por ser de muy elegante diseño, y es además totalmente ecológico en sus modelos de serie. Dispone de 2 puntos singulares de unión que permite un cambio de almohadilla fácil, rápido y limpio. Para que no nos llenemos las manos de tinta. Los de trodat de entinaje automáticos son los más ergonómicos. Y efectúan sellados con total precisión. Los sellos adaptados y los Sellos de caucho printy son los más vendidos del planeta.

EX LIBRIS

Si te gustan los libros, hay cientos y cientos de diseños de sellos Ex- Libris. Con montura de madera, básicos, barnizados, de haya, de madera de caoba. También los puedes diseñar tu mismo. Los hay que hacen referencia a algún animal, los astrológicos, femeninos y muchos más de diferentes categorías. Los sellos Ex- Libris son ideales para regalar a cualquier amante de la lectura. Con ellos podemos dar un toque personal a nuestra biblioteca. Nos dejan estampar nuestra marca personal en nuestros libros. Para dejar perseverancia de la propiedad de cada ejemplar.

Ex- libris es una alocución latina que significa literalmente, de entre los libros. Más o menos ‘libro proveniente o de entre los libros de una biblioteca’. Un ex- libris es una marca de propiedad que consiste en una estampa o sello. Suele ponerse en el dorso de la cubierta o en la tapa de un libro. Contiene el nombre del dueño o de la biblioteca. El nombre va antecedido generalmente de la expresión latina ex- libris.

EXLIBRIS PERSONALIZADOS – Peculiaridades de los sellos Ex- Libris

No importa el sello ex- libris que estés buscando, siempre encontrarás el que vaya más con tu personalidad. Aparte de que tenemos siempre la opción de personalizarlos. Podemos seleccionar la montura hasta el contenido. Los sellos ex- libris son un regalo económico.

Pese a que tenían papiros en vez de libros, ya en el Viejo Egipto existían exlibris. Aquellos eran en forma de sellos de barro cocido con inscripciones jeroglíficas. El faraón Amenofis III los usaba para las cajas de los rollos vegetales para apuntar su propiedad. Pero tal y como se conocen actualmente, datan del siglo XV, y aparecieron junto a la imprenta. Por poner ejemplos de exlibris, si nos encontramos con el de un melómano no va a faltar un pentagrama o un instrumento, y si es de un médico, puede que tenga el bastón de Esculapio. Hay verdaderos artistas de esto, como son Hayk Grigoryan y Pietro Paolo Tarasco, pero como puedes imaginar, sus precios no están al alcance de los “símples mortales”. Y tampoco que falta hace tanto…

A pesar de hallar antecedentes en Mesopotamia y a principios de la Edad Media, toda esta revolución del exlibrismo se dio con la aparición de la impresión y la creación tipográfica. Podemos observar en la historia una evolución en los temas tratados, pues se pasa de la heráldica de los principios a las alegorías propias del siglo XVII. Como al final del medievo brota la burguesía, la heráldica, propia de la nobleza y el clero, deja paso a los motivos alegóricos vinculados a las aficiones de la burguesía. Eran los nuevos dueños de los libros y de las bibliotecas. Y de los futuros bancos, y del mundo… pero ese, es otro cantar.

EL ARTE EN LA CIUDAD CONDAL

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EL ARTE EN LA CIUDAD CONDAL – Artur Ramon Art es un conocido espacio barcelonés dedicado al arte. Cuatro generaciones de la misma familia se han dedicado a poner en el escaparate a lo mejorcito del arte clásico y moderno. Hoy en día todo está a cargo de Artur Ramon Picas, así como de sus hijos, Artur y Mònica.

Artur Ramon Art siempre ocupó un sitio relevante entre el anticuariado y entre los galeristas. Así fue durante el siglo veinte y así sigue siendo. Propuestas dirigidas al coleccionismo privado y público, de calidad y rigor. En la última década apostaron por la internacionalización. Su participación en las mejores ferias internacionales lo avalan. Estuvieron en Maastricht, en París, en Nueva York y en Londres.

Se tiene noticia de la primera galería Artur Ramon Art en mil novecientos veintiséis.  Fue cuando el anticuario se anunció en la gaceta vanguardista de Sitges L´Amic de les Arts. Pero ya existía de antes. Desde mil novecientos catorce, en Reus. En los setenta, presentaron exposiciones temáticas de arte moderno.

Se les calculan más de doscientas exposiciones. La edad de oro de la pintura catalana, exposición del dos mil once al dos mil doce tuvo un enorme reconocimiento tanto de público como de crítica.

La galería es de las pocas españolas con una presencia regular en las ferias internacionales dedicadas al dibujo y las antigüedades. Ejemplos de ello el Salon du Dessin de la ciudad de París, la TEFAF Maastricht, y la Master Drawings Week de la ciudad de Nueva York y Londres.

Actualmente apuestan por dibujos de artistas reconocidos como Auguste Rodin. Podría mencionar y destacar su dibujo erótico “Psyché” que ya se expuso en Viena a comienzos de mil novecientos.

Según Leonardo Da Vinci “La belleza muere en la vida, mas es inmortal en el arte”

Hallar y transmitir la belleza, tanto estética como intrínseca de las obras de arte. Esa es la misión de la Galeria internacional Artur Ramón.

Rodeados de tiendas de souvenirs y hordas de turistas tuvieron que cambiar de sitio, forzados por la transformación de la ciudad. Solo las galerías con proyección internacional, como esta, están subsistiendo al envite del descontrol del turismo más salvaje. Estamos viviendo una transición, un cambio de modelo, en todo, y esto afecta también a las Galerías de Arte.

En este cambio, Artur Ramon Art se inspira de Londres y N. York. En estas grandes ciudades hay centros de administración de arte que ofrecen valor añadido y asesoría. No se dedican solo a adquirir y vender producto estándar, sino que hay un trasfondo cultural, y patrimonial. En los próximos años tienen previsto invertir hasta dos millones de euros en piezas de calidad y crecer.

Tienen previsto que en cuatro años puedan duplicar el volumen de ventas, aunque no tanto el número de operaciones.

Si quieres Más información de la Galería de Arte Artur Ramón y de todos sus servicios y actividades no tienes mas que dirigirte a su web oficial, que te facilito. En Barcelona, y en la dirección siguiente:

Contacto

DAVID BOWIE ART COLLECTION

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JULIO 2016 – La colección de arte personal de David Bowie se subasta en £ 10 millones.

DAVID BOWIE ART COLLECTION

En la foto de arriba David Bowie, el tocadiscos y un trozo de trabajo de Damien Hirst

MINIATURAS039-Screenshot-96BLOGSLa colección de arte privada de David Bowie se presenta por primera vez en una exposición la próxima semana, antes de ser subastada por una cantidad que se espera que llegue a más de £ 10 millones.

El músico mantuvo su batalla contra el cáncer en secreto hasta su muerte en enero, días después de haber lanzado su último álbum, Blackstar, en su 69 cumpleaños. Pero cuando daba entrevistas, habló de su pasión por el arte, diciendo que era su “única adicción”.

DAVID BOWIE ART COLLECTION4La casa de subastas Sotheby está organizando una venta de tres partes de 400 piezas de arte, escultura y diseño propiedad de Bowie, en noviembre. Sin embargo, en primer lugar el trabajo será exhibido en todo el mundo, dando a los fans de Bowie y coleccionistas de arte la oportunidad de explorar las fuentes de inspiración del músico “.

La venta más lucrativa puede ser la colección de más de 250 lotes de pintura y escultura de Bowie de algunos de los artistas más valiosos del arte británico moderno y contemporáneo. Las piezas propiedad de Henry Moore, Frank Auerbach y Damien Hirst, podrían alcanzar precios millonarios.

DAVID BOWIE ART COLLECTION3

Sin embargo, es la obra de Jean-Michel Basquiat, el controvertido artista de graffiti de Nueva York convertido a pintor que murió de una sobredosis de heroína a los 27 años, la joya de la colección de Bowie, con un valor estimado de 3.5 millones de £.

También están muy valoradas las piezas del diseñador italiano Ettore Sottsass, incluyendo un reproductor de discos, el favorito de David.

DAVID BOWIE ART COLLECTION2Un portavoz de David Bowie dijo que su familia “mantendrá ciertas piezas de especial importancia personal”, pero que “Ahora es el momento de dar a otros la oportunidad de apreciar – y adquirir – el arte y objetos que Bowie tanto admiraba.

Incluso quienes no tenemos deinero para invertir en arte, que somos la mayoría de los mortales, tendremos la oportunidad de admirar la colección cuando Sotheby de luz verde a las galerías de New Bond Street de la casa de subastas entre el 20 de julio y el 9 de agosto. El trabajo se trasladará también a Los Angeles, Nueva York y Hong Kong

+ en: David Bowie’s personal art collection to be unveiled and auctioned off in £10 million sale

https://www.youtube.com/watch?v=9TQPn-k7DD8

La maternidad en el arte

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albaroma7 / Pixabay

La maternidad en el arte – Muchos artistas han logrado introducir en el arte moderno el término de la maternidad. Entre ellos y ellas algunos como Abel Hernández, Elena Lecuona, Alfonso Alderyz o Rosa Hernández. Y de precisamente de este papel de madres nos hablan también en sitios como blog maternidad, en donde se pone en valor y se nos informa de todo el proceso, del post parto, de como recuperarse, cómo cuidarse…

Se debe tratar el tema de la maternidad desde un punto de vista laico, porque trasciende a todo el hecho natural en sí, y creo que es esto lo que ha de reflejarse en el arte, por encima de otros puntos de vista, que también son respetables, por supuesto. Madre, maternidad, se trat del origen de la vida. Hace poco estuve en una exposición sobre esta cuestión, en La Gomera.

Una nana, es uno de nuestros primeros sonido antes de dormir. Lo suelen cantar las madres y los padres, a sus hijos mientras que mecen la cuna. Como la obra de la artista Ana Casas, que efectúa proyectos personales de las experiencias con sus hijos, y del correr del tiempo. En sus fotografías se ve también la dedicación de la crianza lenta y natural.

La maternidad en el arte
EXPRESIONES ARTÍSTICAS DIVERSAS

Hay muchos ejemplos de expresiones artísticas que reanudan el tema de la maternidad. Recordaré a Anna Maria Maiolino, por su serie Fotopoemação, de mil novecientos setenta y seis. Mujeres conectadas por la boca y a través de un hilo. En medio vemos a la artista sentada al lado de su madre y de su hija. En una de sus fotografías representa la unión entre generaciones. 

Louise Bourgeois jamás superó la muerte de su madre a los 21 años. Esta artista halló una forma de sobreponerse a la agorafobia y también a la claustrofobia que padecía. A sus ochenta años descubrió que las celdas representaban su sentir, el de una prisión interior. Podían ser su cobijo, un nido seguro, lleno de recuerdos. Algo que evocara al vientre de su madre.

Muchas veces las imágenes de la maternidad en el arte eran sublimadas, a menudo idealizadas idolatradas por los autores masculinos: Picasso, Klimt, Chagall, Guayasamín… Podríamos hablar de una obra suave, del art deco de Tamara de Lempicka. De cuando fue madre y muestra su lado más afable y tradicional.

albaroma7 / Pixabay
La maternidad en el arte
LA VISIÓN DE LAS MADRES ARTISTAS
La mayor parte de las visiones de algunas de las artistas se caracterizan por una visión más bien trágica. En pintura, podríamos fijarnos en la obras de Frida Kahlo: “Mi nacimiento” y “La cama volando. Henry Ford Hospital“. Esta artista mexicana no pudo tener un hijo, por culpa de un accidente. y la experiencia del aborto la marcó visiblemente.

En los últimos tiempos, las obras firmadas por madres sobre la maternidad se mueven en un enorme abanico de posibilidades. Nos podemos encontrar con candidez en las imágenes en la obra de Adele Enersen o las exploraciones de la relación madre-hijos, de Ana Casas Broda en Kinderwunsch. O las simples instantáneas de la maternidad de Annie Leibovitz con sus hijas y su pareja.

Ana Alvarez-Errecalde, en sus fotografías, se escapa de versiones idealistas de la vida. Aborda el tema con honestidad y nos ofrece unas imágenes sorprendentes de su maternidad. Ella se autorretrata con su bebé en los brazos y también con el cordón umbilical sin recortar. Fotografías parte de Egología, un álbum familiar muy especial. 

CLASES DE HISTORIA DEL ARTE: ARTE CONTEMPORANEO

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Adrianna Calvo at Pexels

CLASES DE HISTORIA DEL ARTE: ARTE CONTEMPORANEO

¿Deseas saberlo todo del Arte de la Antigüedad, la Edad Media o bien el Renacimiento? Ciertos libros te puedo recomendar, como Las Fuentes De La Historia Del Arte En La Etapa Moderna o bien Genealogías Del Arte Moderno, de Repolles Llaurado. Y asimismo puedes anotarte las Clases de historia del arte en Madrid. No es posible argumentar del arte visual sin introducir la cuestión del tiempo. Exactamente la misma introducción del tiempo natural que fue esencial en la obra de Smithson.

George Kubler influyó a una generación de artistas en los sesenta. La reflexión sobre el tiempo perceptivo fue otra de las formas de recobrar el tiempo perdido. Desde el minimalismo, los artistas fueron conscientes de que la obra no podía ser experimentada de una sola ojeada.

Las fuentes se transforman en instrumentos de trabajo.

El término arte moderno ha sido usado para designar al arte y la arquitectura del S. XX. El cuestionamiento de los principios artísticos se comenzó en las últimas décadas del S. XIX. Esta revolución estética no depende de los arbitrios de una generación de artistas. Son los cambios filosóficos, científicos y políticos los que demandan del arte una forma diferente de encarar la realidad. A fines del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en la inestabilidad social.

Adrianna Calvo at Pexels

CLASES DE HISTORIA DEL ARTE: ARTE CONTEMPORÁNEO

Robert Delaunay, Picasso, y Frantisek Kupka

Son señalados como exponentes del cubismo. Pablo Gargallo y Julio González, de la estatua cubista. Los artistas del futurismo italiano trabajaron un estilo que se ha llamado cubismo activo. Ellos se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad por la reiteración rítmica de líneas y también imágenes. El cubismo asimismo influyó en la aparición del arte no figurativo y abstracto. Artistas rusos como Maliévich, Rodchenko y Vladímir Tatlin, evolucionaron de cara a un arte abstracto construido geométricamente, del que puedes aprender mucho en Clases de historia del arte

Desde mil novecientos sesenta y ocho se genera un nuevo cambio en la sociedad. El siglo arranca con la Revolución Francesa. Se empieza el largo ciclo de revoluciones liberales. Y se convierte radicalmente el mapa político de Europa. Conmocionarán a todo el continente europeo. Se van a sentar las bases de la Europa de las naciones y el Estado Liberal. Se sepulta claramente el Viejo Régimen. La Revolución Industrial, iniciada en Inglaterra se extenderá.

En el último tercio del siglo ciertos artistas van a romper con la tradición. Abren un proceso de búsqueda de un nuevo lenguaje estético. Los impresionistas tratan de encontrar el modo perfecto para mayor rigor científico. Los espíritus más inquietos existen en París. Es la nueva capital artística de Europa. Los impresionistas se desvinculan de las ataduras. Lanzan el reto de una pintura acorde con su tiempo. Lo encararán los pintores de la nueva generación: los Postimpresionistas. Un auténtico acierto para los estudiantes del arte es conocer el trabajo de estos pintores, algunos como Gabino Amaya y otros de similares características.

El arte de Zdzisław Beksiński

in BLOG/COSAS/MAS ARTE/NEWS/PERSONAS

El arte de Zdzisław Beksiński

Zdzislaw Beksiński era un reconocido pintor, fotógrafo y artista de la fantasía polaca.

Nació en la ciudad de Sanok en el sur de Polonia. Después de estudiar arquitectura en Cracovia, regresó a Sanok en 1955.

Con posterioridad a esto pasó varios años como supervisor de obras de construcción, un trabajo que odiaba. En ese momento se interesó por la fotografía artística y el foto-montaje, la escultura y la pintura.

Fue un artista muy innovador, especialmente para desarrollar su trabajo en un país comunista. Hizo sus esculturas de yeso, metal y alambre.

+ en: archatlas: The Art of Zdzisław Beksiński … | THE KHOOLL

DFERIA ENTRADAS – DONOSTIA

in APÚNTATELO EN TU AGENDA/BLOG/MAS ARTE

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dferia entradas – La edición de 2017 fue del 6 al 9 DE MARZO 2017 EN DONOSTIA – En la web oficial anuncian la próxima 

MINIATURAS026-JOHNNY COCHEBLOGSdFERIA, una de las mas importantes citas de los colectivos de las Artes Escénicas. Comenzó en el año 1988 y se ha convertido en un importante referente para los profesionales del sector en España. Es una de las más importantes citas teatrales del momento. dFERIA tiene como objetivo principal la dinamización de este mercado de las artes escénicas. Pone en contacto a los distintos agentes.  Y presenta lo último en creaciones teatrales. Especialmente de las compañías vascas.

Durante la celebración de dFERIA, Donostia pasa a ser un enorme mercado de las artes escénicas. La Feria es una extraordinaria plataforma facilitando el intercambio y la contratación. dFERIA reúne a más de 600 profesionales. De ellos unos 200 son programadores. Casi todos los programadores teatrales del mundo se dan cita aquí.

DFERIA ENTRADAS: Más de 25.000 espectadores

dferia-entradas3Cerca de 25.000 espectadores vienen asistiendo a los eventos de la feria en cada una de las ediciones realizadas. El Premio Victoria Eugenia, en el seno de la feria homenajea cada año a la más importante trayectoria teatral. Cabe destacar también la calidad y cantidad de actividades anexas como los Cursos de Verano que se centran en la teoría del teatro.

ENTRADAS – MAS INFORMACIÓN Y PROGRAMA EN: dFeria

DFERIA ENTRADAS: ¡Una cita que no te puedes perder!

dFERIA comenzó sus andanzas en mil novecientos ochenta y ocho y actualmente se ha transformado en un claro referente para los profesionales de las artes escénicas de toda España. Acontecimiento cultural afianzado como una de las más esenciales citas teatrales, lleva años a la cabeza de las ferias de todo el Estado.

dFERIA se transforma de esta manera a lo largo de 5 días en el primordial foro de discusión de encuentro del campo de las artes escénicas, fomentando intercambios entre sus diferentes agentes y facilitando el desarrollo.

DFERIA ENTRADAS

dferia-entradas2DFERIA ENTRADAS: Más de seiscientos profesionales de la escena

Donostia acoge, merced a dFERIA, a cerca de seiscientos profesionales del campo de las Artes Escénicas. La programación de la Feria es variada, de calidad y tiene como prioridad la presentación de espectáculos renovadores y de reciente creación. La Feria de Donostia apuesta firmemente por la calidad.

dFERIA de Donostia-San Sebastián cuenta con una extensa programación de teatro y danza. Aparte de las últimas producciones vascas y estatales, dFERIA incluye propuestas internacionales. A esta programación, hay que agregar una serie de actividades paralelas organizadas con ocasión de la Feria como un mercado de las artes escénicas, presentaciones, mesas redondas y debates.

Por otro lado, la Feria edita anualmente una publicación de temática teatral y coopera con actividades complementarias promovidas por otras entidades, como los Cursos de Verano.

 

ESCUELAS DE INTERPRETACION, UNA OPCIÓN PARA APRENDER A ACTUAR

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Imaginar y ensayar una Escuela para todos los teatros. Una pedagogía creativa y profesores multidisciplinarios. Estudiantes motivados y con la suficiente experiencia como espectadores y también como operadores escénicos. Es el escenario ideal.

ESCUELAS DE INTERPRETACION, UNA OPCIÓN PARA APRENDER A ACTUAR

Buscando un acercamiento al mayor número de teatralidades posibles, todo es realizable si hay esmero para organizar escuelas de teatro y talleres vocacionales y hasta escolares de teatro. Y si además se fomenta desde las instituciones públicas y otras privadas, con un buen número de encuentros y festivales teatrales, la cosa mejoraría muchísimo.

Y es que el teatro, el actuar, la interpretación, siguen siendo buenas formas de dar trabajo a mucha gente. Persona que, además, necesitan implicarse en este tipo de oficios porque en su ADN no está el trabajo manual. No tienen vocación de funcionarios ni de operarios, son artistas por naturaleza. Tienen un don, crean nutriéndose de la inspiración que les ofrece la sociedad y devuelven a esta sociedad su creatividad, para disfrute de todos.

ESCUELAS DE INTERPRETACION, UNA OPCIÓN PARA APRENDER A ACTUAR – Reflexionando sobre la enseñanza de la actuación.

Josette Féral nos dice que que el primer modelo que imperó fue La escuela de los mayores. Un modelo romántico de aprendizaje basado en la intuición, el talento y la experiencia. Pero incidía más de lo deseado en un resultado que era el de imitar los viejos trucos de actuación. En la escuela de interpretación Landén los actores y actrices que se forman son más de este siglo.

Las posibilidades que ofrece una escuela de interpretación como esta para aprender a actuar la sitúan como una de las opciones mejores para las personas que deseen dedicarse a ello.

ESCUELAS DE INTERPRETACION, UNA OPCIÓN PARA APRENDER A ACTUAR – Landén – Pape Pérez – Escuela de interpretación en la capital de España

La escuela de artes escénicas Landén, es una escuela de interpretación y está en Madrid. Se dedica a la capacitación de actores y actrices para teatro, cine y T.V. Son especialistas en formar actores versátiles. El actor/actriz se familiariza al límite y desde el principio con estos tres medios y aprende a desenvolverse con soltura ante cualquier reto interpretativo.

Dan clases de interpretación de todo tipo: teatro para adolescentes, cursos de interpretación frente de la cámara, preparación al casting, adiestramiento actoral y otras.  Tienen ya más de veinticinco años de experiencia. Ofrecen una capacitación adaptada, y se puede empezar sin tener experiencia. Haces una entrevista y si pasas la prueba se determina exactamente en qué nivel entras.

Hay dos caminos que son la proyección y la contención, para conmover al público. En teatro, la proyección, el cuerpo y voz libres, armónicos, sensoriales, poéticos y vivos. En cámara la contención, ojos vivos, lenguaje oral, voz orgánica, atrayente y seductora, y presencia que enamore a la cámara y al espectador.

Desde el análisis de texto descubrimos las emociones de nuestro personaje. Buscamos en nuestras experiencias emociones semejantes que nos llevan a entender a nuestro personaje. Así intuitivamente y apoyándonos en las técnicas aprendidas sabemos interpretarlo. Cada actor es único. Cuatro años de capacitación son suficientes para sacar al actor o actriz que llevas dentro. Y mucho trabajo sensorial, pensamiento Interno, búsqueda de la verdad, cuerpo y voz libres, expresión y transmisión de energía… Cámara ¡Acción!

LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA

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LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA4LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA – En este post quiero hablaros de un artista sevillano. Juanma Santaella tiene una trayectoria artística y un estilo personal que merece dedicarle un tiempo. Sus obras en pintura, escultura y arquitectura son, como podéis ver en las fotos, absolutamente notables.

Su estilo dentro del mundo de la pintura contemporánea y su apuesta por la acuarela quedan reflejadas en un estilo muy personal. También sus retratos en paisajes pueden calificarse en un alto lugar dentro de la pintura contemporanea.

Juanma Santaella es un artista plástico nacido en Coria del Río (Sevilla). Arquitecto técnico y pintor. Lo segundo de forma autodidacta y ayudado por el Profesor Hans Kraus.

Tiene el Premio Generaciones, el premio de arte moderno de la Fundación Monte la villa de Madrid. Expuso con éxito en ARCO y en otros encuentros de arte destacados, en espacios y galerías de arte de lugares como Berlín, Barcelona y Valencia. Fue maestro en la Escuela Massana de arte y diseño de la capital catalana y actualmente da cursos y talleres.

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LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA: La autosuficiencia energética llevada al arte

En la actualidad investiga artísticamente sobre la autosuficiencia energética del hombre, las máquinas, la vivienda… Incluso ha inventado instrumentos eólicos y tiene una Patente por la OPEM. Este trabajo más experimental contrasta bastante con su pintura al aire libre.

Empezó con las pinturas en acuarela de paisajes futuristas y sus ensayos sobre la ciudad sustentable en dos mil cinco. Comenzó a trabajar en estos paisajes motivado por el impacto visual que los molinos de viento tenían en los paisajes urbanos.

LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA2LA OBRA DE JUANMA SANTAELLA: Paisaje fusión

Paisajes fabulosos que podrían ser realidad en un futuro próximo. Es difícil hacer una clasificación correcta de la obra de Santaella. Por su variedad. Toda ella fruto de un intenso trabajo creativo diario, en que se entrecruzan conscientemente diferentes temas.

Su trabajo de investigación en lo referente a la autosuficiencia energética va más allá de lo audiovisual. Santaella es un artista plastico que toca diversas disciplinas: arquitectura, escultura, y hasta la ingeniería.

En sus pinturas realistas de paisajes naturales y urbanos se nota el puro placer de pintar y el hacerlo al aire libre. Son paisajes plasmados en diferentes técnicas, óleo, acrílico y acuarela. En estas pinturas hay paisajes escogidos de sitios como las Marismas del Guadalquivir, de la Isla Mayor, del mismo Río Guadalquivir a su paso por Coria del Río, y de los parques eólicos en las proximidades de Tarifa.

EL ARTE DEL FLAMENCO

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EL ARTE DEL FLAMENCO – TABLAO FLAMENCO Y RESTAUANTE NERVIÓN – BARCELONA

El flamenco es un baile vivo y en evolución, pero sus características básicas parecen haber cristalizado entre 1869 y 1929, la llamada edad de oro del flamenco. Lo primordial del flamenco es que va indisolublemente relacionado a la guitarra. Y para disfrutar del mejor flamenco, os recomiendo que busquéis tablao flamenco Barcelona y os encontraréis con la información de un buen restaurante en Barcelona donde comer acompañados de buen flamenco. Nervión es ese sitio donde el espectáculo flamenco se une a la gastronomía en Barcelona. Una inmejorable vivencia a través de un mágico espectáculo de arte mezclado con deliciosos platos de distinto carácter.

Desde principios del siglo XX, los bailes andaluces conocieron un éxito importante en la ciudad de París. Varios artistas, hastiados por los lupanares en los que se habían convertido la mayoría de los cafés en ocaso, intentaban labrarse un porvenir en París. La exposición universal de París en 1889 fue el primer acontecimiento en el que se organizaron fiestas españolas. Tuvieron lugar en el Cirque d’Hiver donde no faltaron representaciones de cante y baile flamencos. Estos espectáculos tuvieron tanto éxito que en la segunda exposición universal estructurada en París en 1900 también acudieron otros conjuntos de flamenco.

Fue a raíz de estas exposiciones cuando los cabarets y los music-halls abrieron sus puertas a espectáculos de baile o danza española. Ya desde los años 1860 comenzaron a abrir sus puertas la Gaité Lyrique (1868), Les Folies Bergères (1869), el Moulin Rouge (1889) y el Olympia (1893).

El flamenco en Jaén

Sirvió de puerta para que los gitanos entraran en Andalucía a través de Despeñaperros, en el siglo XV. Desde las primeras civilizaciones hace aparición la minería y la agricultura entre sus ocupaciones más indispensables, hechos que más adelante se reflejarán en sus cantes: La Taranta y los Cantes de Laboreo. Cabe resaltar como profesores taranteros, a finales del s.XIX primer tercio del XX, a Basilio y otros como “El Frutos” o “El Cabrerillo” del que Marchena y Valderrama asumieron matices en su forma de cantar las Tarantas.

Las faenas agrícolas también aportan su reflejo en la música dándonos los CANTES DE LABOREO como la TRILLERA, la GAÑANA, la TEMPORERA, la PAJARONA, etc.

JUANITO VALDERRAMA, GABRIEL MORENO, CARMEN LINARES…

Tomatito aprendió bien la lección. Fue tan apasionado del jazz como de otras músicas y por eso en sus conciertos puede escucharse una rumba encargada de George Benson. La música es así, es abierta a todo.

EL DUENDE DEL ARTE DEL FLAMENCO

Baile, Cante, Toque y “Duende”

El Flamenco es el arte musical y de danza surgido en Andalucía que se sustenta sobre el baile, el cante y las palmas. Sugiere el diccionario de la Real Academia Española que el cante es la acción y efecto de cantar lo habitual andaluz o próximo. El cante flamenco radica en cantar de una manera un tanto agitanada y el cante jondo vendría a ser el cante más genuinamente andaluz, de profundo sentimiento, según la RAE. Los artistas que cantan se conocen con los síncopes de cantaores o cantaoras.

El baile flamenco puede acompañar diferentes variedades habituales del cante flamenco, conocidas como palos del flamenco. Éstos se clasifican según sea su carácter (más o menos festivo), su ritmo o compás, su origen geográfico, su jondura o hondura, etc. El “duende” es sinónimo de un encanto enigmático e inefable. Hablamos de un modismo que utilizaban los eruditos de principios del siglo XX para detallar un espectáculo de flamenco con temperamento, con garra, con carácter.

EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA

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EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA – La pintura del siglo XIX es por donde muchos accedimos al disfrute de la pintura. Primero fue el Romanticismo, con sus paisajes exóticos, lejanos y también inalcanzables, que nos transportaban a un pasado glorioso y a vivir aventuras excitantes. Después el Impresionismo, con esos juegos de luces, esas escenas de cabaret o esos paseos por el río. Pintura agradable, en suma, más atractiva que las fúnebres pinturas religiosas o los insulsos retratos palaciegos.

El romanticismo merece ser considerado como el primer movimiento de vanguardia. Fue un proceso de modernización revolucionaria en el arte. Por lo real y por la naturaleza, abrió un nuevo horizonte para las vanguardias de la época.

La épica de esta radical aventura artística la podemos conocer en Clases de historia del arte en Madrid. Realismo, naturalismo, impresionismo… Y que me dices del postimpresionismo, en donde se reúnen el neoimpresionismo, el simbolismo y la obra de gentes como Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Toulouse-Lautrec.

En Clases de Historia del Arte podemos ver la Historia del Arte de Occidente al completo. Desde la Antigüedad hasta la actualidad. Para personas con curiosidad e interés por el tema.

EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA – La aventura impresionista.

Es exhibida en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, en 2017. Una muestra memora el centenario del fallecimiento del pintor español más internacional de la pintura de finales del siglo XIX y también el que mejor representó al movimiento impresionista.

Mientras que el impresionismo revolucionaba el arte en Europa, en España entraba por la puerta pequeña. Darío de Regoyos se quedó maravillado por el nuevo camino que se abría en Europa. Pese a la incomprensión de una gran parte de la crítica, se sostuvo leal a los postulados impresionistas. Esta rebelión personal no le salió nada gratis. Apenas vendió cuadros en vida. Y se gastó todo lo que había heredado de su padre.

En mil ochocientos setenta y nueve, invitado por su amigo Isaac Albéniz, viajó a Bruselas. Y allí se entrenó en técnicas nuevas para su pintura. Entró en contacto con Pissarro, Seurat y Signac. De sus viajes constantes procuraba continuamente nuevas escenas para sus cuadros. Cientos de lugares de la geografía de España. Darío de Regoyos era un incondicional del paisaje, pero la presencia de la figura humana es frecuente en sus cuadros. Otro de sus puntos fuertes fueron los fenómenos atmosféricos.

El mundo del arte es impresionante y bien merece la pena investigarlo, estudiarlo y disfrutar de él. En  Clases de historia del arte en Madrid tenemos una oportunidad para conocerlo todo.

EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA – Sorolla

La Casa Museo de Joaquín Sorolla en Madrid guarda los recuerdos del pintor valenciano. Fotografías, cerámicas, imaginería y un sinfín de cartas. La personalidad apasionada de este hombre enamorado de la naturaleza, la luz y el color, se refleja en todo lo que creó y tocó. Amaba sobre todo a su mujer Clotilde, su musa. No se olvidaba nunca de mandarle un ramo de flores diario cuando estaba de viaje.

La preciosa Clotilde se comenzó a mustiar, como las plantas, en mil novecientos veintitrés cuando murió su esposo y murió también seis años después.

En sus misivas, Sorolla descargaba su tristeza por estar apartado de Clotilde y de sus hijos. Pocas veces dormía la siesta. Le agradaba aprovechar la luz de las horas de la tarde para pintar. Sorolla era un trabajador incansable, fumador obstinado, ordenado y poco dado a las jaranas.

Marie Peter-Toltz – BOOOOOOOM!

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JUNIO 2016 – Una selección de pinturas que exploran la feminidad y la identidad creativa del artista con sede en la ciudad de Nueva York, Marie-Peter Toltz. La creación de un diálogo entre la poesía y el arte. En la última exposición Peter-Toltz vio su trabajo junto al del poeta estadounidense Michael Bernicchi. Echa un vistazo a más imágenes, así como a las respuestas poéticas de Bernicchi.

+ EN: Artist Spotlight: Marie Peter-Toltz – BOOOOOOOM! – CREATE * INSPIRE * COMMUNITY * ART * DESIGN * MUSIC * FILM * PHOTO * PROJECTS

TATUAJES PARA HOMBRES DE MODA

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Este es un articulo sobre tatuajes en la piel para hombres, una moda y un arte. ¿Por que las personas se tatúan?

MINIATURAS105-56BLOGS¿Por Moda? ¿Rebeldía? ¿Amor? ¿Amistad?

TATUAJES PARA HOMBRES DE MODA: Un poco de historia.

Hagamos un poco de historia. de la historia del arte de los tatuajes. Ya en la prehistoria, los hombres cavernícolas, cuando se convirtieron en guerreros, entendían el tatuaje como un símbolo de fuerza, valentía, y de pertenencia a un “ejercito” o a un grupo. La gente piensa que los tatuajes son cosa reciente. Nada más leos de la realidad.

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Ya había momias tatuadas, descubiertas en el año 1991, en un glaciar. La sacerdotisa egipcia “Amunet” tenía tatuajes muy parecidos a los de la momia del cazador descubierto en el glaciar. Tatuajes de lineas simples, puntos y rayas. ¿Símbolos de nuestros antepasados de otro planeta? ¿Algo indescifrable del más allá? ¿Que secretos ocultos o que mensajes nos llegan desde tan antiguo en forma de tatuajes? Enigmático cuando menos.

¡Caramba! ¿Por que no decirlo? Quiero creer que no estamos solos en este universo.

Con los cristianos los tatuajes casi desaparecen pues estos eran contrarios a ellos. Lo veían como un pecado, pues según aquellos solo Dios manda en el cuerpo del hombre. Sin embargo los guerreros cruzados se tatuaban crucifijos.

TATUAJES PARA HOMBRES DE MODA2TATUAJES PARA HOMBRES DE MODA: Ni los psicólogos saben por que nos hacemos tatuajes.

Los psicólogos estudian el por que la gente se tatúa. Pero siguen sin entenderlo. Parece que quienes se tatúan son más extrovertidos y sienten una necesidad de diferenciarse en algo de los demás. Los famosos han contribuido mucho a que los tatuajes se pongan de moda entre los hombres. Mucha culpa de ello la tiene David Beckham.

Aqui Ideas de Tatuajes grandes y pequeños para Hombres

TATUAJES PARA HOMBRES DE MODATATUAJES PARA HOMBRES DE MODA: Las mentiras del cine sobre los tatuajes y los tatuadores.

Y en el cine, ahora, los tatuajes más famosos son los de Joker en Escuadrón Suicida. Y han sido descifrados por alguien. La Estrella, el pelirrojo muerto y el All- In. Cada uno de los tatuajes del personaje encierra un misterio que ha de ser desvelado para seguridad de la humanidad.

Algún ejemplo: el Damaged de la frente del villano, pudo hacérselo alguien que una vez torturó al Joker. La  J bajo el lacrimal sería su verdadero nombre, Jason. Y la Estrella tendría que ver algo con las cárceles rusas. En ellas una estrella significa poder.

Pero en las películas se miente mucho acerca de los tatuajes. Por ejemplo, se nos cuenta que un tatuaje se hace así, de improviso, te da la vena y vas y te lo haces. Pero no es así, tienes que pedir cita y se aseguran de que estás muy convencido de que lo quieres. También parece que siempre tienes a un tatuador esperándote, cuando lo cierto es que no hay tantos y están muy solicitados.

También se desprende de escenas de películas que puedes ir borracho a tatuarte y al día siguiente no acordarte de nada. Mentira y gorda. Ningún tatuador que no haya salido de un capítulo de los Simpsons te va a tatuar en esas condiciones.

EL EMBARAZO EN EL ARTE

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EL EMBARAZO EN EL ARTE: Las fotos de Jana Romanova

Lo llaman la dulce espera y la fotógrafa Jana Romanova cuando vio que sus amigas comenzaban a quedarse ‘embarazadas’ y dejaron de ser unos jóvenes desentendidos para transformarse en adultos se puso a fotografiar momentos. En el año dos mil nueve prácticamente todos sus amigas estaban ‘esperando’ y todas y cada una sus conversaciones giraban alrededor de la futura paternidad.

Esto, y la casualidad, la llevó a comenzar su proyecto ‘Waiting’, una serie de cuarenta fotografías de cuarenta parejas jóvenes de la ciudad de San Petersburgo y Moscú, capturadas en el instante más natural de cada día, donde las preocupaciones se diluyen con el cansancio, mientras que duermen.

el-embarazo-en-el-arte4Algunas fotos y algunas palabras acerca de el embarazo y el arte ¿Crees que no van de la mano ambas conceptos? Te equivocas.

EL EMBARAZO EN EL ARTE

El post de hoy es un tanto curioso pues vamos a intentar exponer algo de dos cosas que habitualmente se han mezclado poco, fecundación y arte. O de los embarazos más artísticos, como queráis. Contaré algunas cosas y expondré algunas de las mejores fotos de embarazos artísticos.

En todo proceso de fecundación hay belleza, tanto si es “a la antigua” como incluso en los procesos más modernos. Hay también arte ¿por que no? en la fecundación in vitro, pues estamos hablando de vida, y siempre que se habla de vida no podemos pensar en otra cosa que no sea belleza.

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EL EMBARAZO EN EL ARTE: Un Paréntesis. Fecundación In Vitro

A propósito de fecundación in vitro, aprovechamos para aconsejarte un buen precio fecundación in vitro en IVI. Son expertos en fecundación y su labor y trabajo también es todo un arte. Y es lógico que el arte se fijara en todo lo que rodea al proceso de fecundación, para una mujer, esa es quizás la etapa mas tierna de su vida, y cada uno de los momentos de esos nueve meses los vive con una intensidad especial.

el-embarazo-en-el-arte2EL EMBARAZO EN EL ARTE: Fotos artísticas de embarazadas

No hay muchas fotos artísticas de embarazadas pero hemos intentado reunir en este post las mejores, o algunas de ellas. Hay fotógrafos de renombre que se han especializado en fotografiar a mujeres embarazadas. Hay otros que se han especializado en fotografiar a las mamás por una razón comercial, al objeto de la publicidad de productos diversos para ellas.

Especialmente bellas son las fotografías de mujeres embarazadas posando en paisajes preciosos, pues en esas fotografías se mezcla toda la belleza que la naturaleza puede dar al más amplio nivel. Hay famosas que han visto una oportunidad audaz de hacerse publicidad con sus desnudos embarazadas y algunas han conseguido resultados de una belleza espectacular, todo un arte.

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Hay estudios de fotografía que, entre sus servicios, ofertan sesiones de fotos a mujeres embarazadas para que conserven un bello recuerdo. Pero no vamos a contar más, este es de esos post en el que sobran las palabras y veamos las obras de arte.

EL ARTE DEL REPORTAJE FOTOGRAFICO

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¿Que se hace para crear un buen reportaje fotográfico?

EL ARTE DEL REPORTAJE FOTOGRAFICO

Se trata principalmente de organizar bien tus imágenes pero si no sabes bien cómo puede que sea mejor que lo dejes en manos expertas. Sobre todo si tu negocio depende de un buen book fotográfico. Solo así vas a poder presumir de fotografías.

La facilidad que nos ha aportado la fotografía digital ha conllevado también una serie de problemas. Tenemos miles de fotos y nos cuesta bastante seleccionarlas, organizarlas y ubicarlas para una buena presentación. Es lo que llamamos la organización de las imágenes. Y nos resulta complicado, a pesar de los miles y miles de programas, aplicaciones y webs.

Si añadimos el hecho de los cambios de soporte en el tiempo, nos encontramos, también, con el problema de que tenemos nuestras fotos desperdigadas por ahí, en ordenadores, móviles, discos duros, diskettes, cds, y cajones de muebles…

A todos nos gusta tener las fotos bien organizadas. No hay como recordar pasados momentos felices. De ahí la necesidad del reportaje fotográfico. Que no es sino una forma de narrar una historia, la nuestra, por ejemplo, a través de las imágenes. Las fotos, cuentan los hechos, pero sobre todo trasmiten los sentimientos y las emociones.

EL REPORTAJE FOTOGRAFICO: Los pasos

Conviene, si lo hacemos nosotros, seguir una serie de pasos. Planificar la historia. Meditar sobre el contenido. Establecer un límite de hojas y un número máximo de fotos. Entre 20 y 40 páginas está bien. Tomar muchas fotos para después seleccionar las mejores. Las que transmitan emociones. Editar las fotos. Y organizarlas. Es así como se prepara un Reportaje Fotografico. Narrando con imágenes.

Popularmente se cree que las fotos son imágenes objetivas de la realidad. Pero una máquina no garantiza esto. Algunos importantes fotógrafos, como Cartier-Bresson definen a la fotografía como un arte con el poder de recortar un fragmento de la realidad. Le pone límites, pero también le aporta ficción, fantasía, y todo lo que la mente del artista sepa añadirle. Por eso el fotógrafo no es el que conoce las técnicas de la fotografía, sino quien además está dotado de un innato sentido artístico.

EL REPORTAJE FOTOGRAFICO: De un artista

La cámara no deja ser como para el escritor la máquina de escribir o el teclado del ordenador. No es escritor solo el que sabe escribir, como no es artista el que solo sabe cantar. El pintor que sabe copiar a la perfección una obra de Picasso no es un artista, es un profesional. Artista es quien sabe crear una obra original. David Bowie o Freddy Mercury fueron artistas, Chenoa o David Bisbal, son… no se que son, y tampoco me importa mucho.

Buscando cada detalle es como se hace un buen Reportaje Fotografico. Conociendo técnicas también, para saber crear con ellas y a partir de ellas. Seleccionando el momento propicio para hacer las fotos. Es el reto de todo reportero gráfico. Anticipándose. Arropándose de rigor para conseguir una buena imagen. Hay que saber estar en el sitio y el tiempo correctos, y saberles sacar la magia.

EL REPORTAJE FOTOGRAFICO: Robarle al tiempo

El buen ángulo. El momento de tomar las imágenes de manera rápida para robarle al tiempo lo que no tarda en llevarse definitivamente. El fotógrafo detiene al tiempo, juega con él, se ríe de él. El fotógrafo también juega con la luz y se aprovecha de ella o la transforma a su antojo. Para después contarnos una historia. Puede que sea nuestra historia.

EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE

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EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE – Irse a la capital fue el paso lógico que tomaron muchos galeristas después de su éxito en Barcelona. Pero esto no quiere decir que abandonaran Barcelona ni que todos abrieran otra sede en Madrid. En Barcelona hay mucho arte, y muy buenas galerías, aunque, como en todas partes, progresan no sin un gran esfuerzo, porque en este sector no es oro todo lo que reluce y las dificultades son muchas.

La unión de los galeristas

Como otras iniciativas, son factores fundamentales para acercar el arte contemporáneo a una audiencia común que ve el arte como algo inalcanzable. Una galería por sí misma no puede hacer mucho, pero unida a otras galerías si. No tienes que tener mucho dinero o ser millonario para ir a una Galería. El problema es que mucha gente no sabe que los futuros están disponibles, que te explican la exposición y que no necesitan comprar nada.

El principal problema al que se enfrentan las galerías no es tanto por la falta de interés público, sino que el IVA se aplica a las obras de arte. Es un IVA para objetos de lujo en lugar de para la cultura. En la dimensión comercial de una galería, este es un tema crucial para negociar y ofrecer al mercado. La última reducción del impuesto redujo la tasa impositiva en ciertas áreas culturales, pero excluyó, entre otras cosas, la obra de arte, que continúa aplicando un 21% de IVA. Es más barato comprar en Alemania con un 7% de IVA que en España con el 21%. Esto duele. Es una lucha de las Galerías durante muchos años y parece que nadie presta atención.

EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE

ARTUR RAMON

En Barcelona hay verdaderos héroes del negocio del arte, como la galería de arte Artur Ramon, que mes a mes permanece a la vanguardia del sector de las galerías de arte en Barcelona.

La icónica sala de Artur Ramón Art tiene dos áreas diferentes en la planta baja. Y tiene un laboratorio dedicado a las nuevas tendencias del arte contemporáneo. Un espacio en el que se está experimentando e investigando. Artistas contemporáneos exploran antigüedades en busca de una nueva forma de explicar el oficio de anticuario. Artistas como Pam Pereira, un gallego con amplia experiencia que nos ofrece un lenguaje poético único, en el que reflexiona sobre la fragilidad del tiempo y la metamorfosis.. En la galería, muebles, esculturas, artes decorativas, creando una gran variedad de ambientes. Tienes toda la información de esta galería en su web oficial arturamon.com.

En el primer piso está la galería privada. Dedicada al arte clásico, uno de sus puntos fuertes. Aquí se pueden encontrar las primeras firmas de artistas famosos.

EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE

ARCO

Este 2018 catorce galerías catalanas asisten a la Feria Arco de Madrid. Y en colaboración con la Fundación Han Nefkens han puesto en marcha un concurso de vídeo arte. En el programa global ADN Angels Barcelona, ​​Carles Taché, Estrany-de la Mota, etHALL, Marc Domènech, Miguel Marcos, Projectsd, RocíoSantaCruz, Senda, Joan Prats,  y Ana Mayoral, entre otros.  Rosa Lleó explicaba hace unos días que el espacio contaría con la obra de artistas catalanes y abordaba la cuestión del pasado con artistas como Salvador Dalí. También cita otros artistas como Eva Fábregas y Regina Giménez. En la feria, hay obras de otros artistas o residentes en Cataluña como Antoni Tapies, Josep Grau-Garriga y Moisès Villèlia y artistas jóvenes como Núria Güell, Pep Vidal y David Bestué.

Es la Feria Internacional del Libro de Artistas y Edición Contemporánea. En las secciones de foros y reuniones profesionales, asiste el coleccionista Han Nefkens, el director del Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Ferran Barenblit (director de la Fundación Miró), Marko Daniel (conservadora jefa de Macba), Tanya Barson, y Juan Canela y Sonia Fernández Pan, entre otros.

EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE

Galerías provinciales, cómo vivir del arte a duras penas

Begoña M. Deltell abrió su galería a fines de 2001, cuando en España teníamos dinero incluso para comprar arte. Lo hizo en Alicante, donde otros dos o tres se habían atrevido un poco antes. Ahora, 16 años después, está sola en la ciudad. El resto cerró cuando la crisis pasó de los rumores a gritarse en alto. Aural, su galería, quedó como el único espacio privado en toda su ciudad. Tener una galería lejos de la vida y el movimiento en Madrid nunca ha sido fácil. El esfuerzo que hacen no lo entienden ni la mayoría de sus dueños. Begoña ha regresado a ARCO este 2018. La primera vez que lo hizo fue en 2014, pagó 20.000 euros por un sitio que no llega a los 60 metros cuadrados y sabe que dejará Madrid sin haber recuperado más del 50% de su inversión.

Al final, lo importante es la visibilidad. En Alicante, nadie les ve. Traer a sus artistas a Madrid les  hace expandir más el mercado, pero para estar en la feria, algunos tienen que endeudarse. Hay un centralismo y hay una preferencia por las galerías de Madrid porque son más visibles durante todo el año.

EL PASADO INCIERTO DE LA GALERIA DE ARTE

Nadie iba a las exposiciones

Es lo que pensaba Pepa Gómez de Bacelos Gallery Vigo, cuando en 2012, nadie entraba a su Galería después de años. Y decidió llevar a sus artistas al centro de Madrid. No hubo exposiciones, se extendieron en el tiempo y todavía no llegan al público. Nadie va a un pueblo pequeño para ver una galería, pero realmente hay arte que ver en Vigo.

Los galeristas también han pasado años difíciles, pero como todos, confían en la venida de tiempos mejores.

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