¿Qué nos depara el futuro según Sigur Rós? ¡Explorando el futuro musical con Sigur Rós: un viaje desde ÁTTA hasta la eternidad 🎶✨

En el vasto universo de la música contemporánea, pocas bandas tienen el poder de transportar a sus oyentes a dimensiones paralelas con la misma facilidad y profundidad que Sigur Rós. Este grupo islandés, conocido por su sonido etéreo y sus composiciones que desafían las convenciones, ha marcado un antes y un después en la escena musical internacional. Pero, ¿qué nos depara el futuro según Sigur Rós? Esta pregunta no solo resuena entre los ecos de sus armonías celestiales sino que también invita a una reflexión más profunda sobre la dirección que está tomando su música.

¿Cómo ve Sigur Rós el futuro a través de su música?

Sigur Rós ha sido siempre sinónimo de innovación y experimentación. Su regreso en 2023 con el álbum ÁTTA, tras una pausa significativa en su producción musical, ha sido un acontecimiento muy esperado. Este álbum no solo representa el “futuro” de Sigur Rós en términos de novedades discográficas, sino que también marca un nuevo capítulo en la evolución de su sonido. ÁTTA, que significa ocho en islandés, simboliza un renacimiento, un nuevo inicio que se adentra en territorios sonoros inexplorados.

La especulación sobre el futuro de Sigur Rós ha sido un tema recurrente, especialmente durante el período de pausa que precedió a ÁTTA. Los rumores sobre la reunión con un exmiembro y la interpretación de nuevas canciones en vivo han alimentado la anticipación y el debate entre los seguidores de la banda. Este ambiente de expectativa y especulación no hace más que aumentar el misterio y la fascinación que rodea a Sigur Rós.

¿Qué simboliza “ÁTTA” para el futuro de Sigur Rós?

El álbum ÁTTA no es solo una colección de nuevas canciones; es una declaración de intenciones, un manifiesto sobre la capacidad de Sigur Rós para reinventarse y explorar nuevas dimensiones musicales. La elección del nombre, la estética del álbum y la música en sí hablan de un futuro que, lejos de ser lineal, se presenta lleno de posibilidades infinitas.

Sigur Rós siempre ha tenido la capacidad de crear música que parece existir fuera del tiempo, en un espacio atemporal donde lo “futuro”, lo “retro” y lo “vintage” se entrelazan de manera orgánica. ÁTTA, como su primer álbum de estudio en una década, refleja esta concepción del tiempo y el espacio, llevando a los oyentes en un viaje musical que es tanto una mirada hacia atrás a sus raíces como una exploración audaz del futuro.

La relevancia de Futuro Chile en la trayectoria de Sigur Rós

La relación de Sigur Rós con medios de comunicación como Futuro Chile, una estación de radio chilena que ha destacado la música del grupo, es un testimonio de la universalidad y la atemporalidad de su sonido. Estas plataformas han sido cruciales para presentar la música de Sigur Rós a audiencias más amplias, permitiendo que su visión artística cruce fronteras y generaciones.

En última instancia, la pregunta sobre qué nos depara el futuro según Sigur Rós se responde mejor en la experiencia misma de su música. Cada nota, cada silencio, cada armonía de ÁTTA y de su discografía en general es un fragmento de un futuro posible, un lienzo sonoro sobre el cual cada oyente puede proyectar sus esperanzas, sueños y visiones de lo que está por venir.

En el corazón de la música de Sigur Rós yace una invitación a soñar con los ojos abiertos, a imaginar mundos que aún no existen pero que pueden ser vislumbrados en las melodías que este grupo islandés teje con maestría. El futuro, según Sigur Rós, es un espacio de infinitas posibilidades musicales y emocionales, un recordatorio de que, incluso en los tiempos más inciertos, la belleza y la esperanza pueden encontrarse en las expresiones más puras del arte humano.

2023 – Sigur Rós regresa con nuevo single “Blóðberg” y anuncia gira mundial para 2023

Sigur Rós: Primer single en 7 años “Blóðberg”, y nueva gira con orquestas contemporáneas.

Después de un silencio musical de siete años, la icónica banda islandesa Sigur Rós ha retornado a la escena con su nueva canción “Blóðberg”. Este single es el primero de su próximo álbum, que aún no tiene título ni fecha de lanzamiento confirmados. Además de su regreso al mundo musical, Sigur Rós también ha anunciado una serie de fechas de giras en Europa y Norteamérica para el año 2023, donde serán acompañados por orquestas de renombre como la London Contemporary Orchestra y la Wordless Music Orchestra.

Estos son los datos:

1. Sigur Rós compartió su primer single, “Blóðberg”, de su próximo álbum, marcando su primera nueva canción en siete años.
2. El track llegó con un videoclip dirigido por Johan Renck, conocido por su trabajo con Madonna, Robyn y Beyoncé.
3. La banda, compuesta por el líder Jón Þór “Jónsi” Birgisson, el bajista Georg Hólm y el multiinstrumentista Kjartan Sveinsson, anunció su nuevo álbum en marzo, grabado en Abbey Road.
4. Aunque la banda aún no ha compartido el título o la fecha de lanzamiento del álbum, confirmó una serie de fechas de gira para 2023 en Europa y Norteamérica.
5. Durante su gira, Sigur Rós estará acompañado por la London Contemporary Orchestra en Europa y la Wordless Music Orchestra en Norteamérica.
6. La London Contemporary Orchestra también participó en su nuevo álbum, el primero de Sigur Rós en casi una década, luego del álbum “Kveikur” de 2013.
7. “Blóðberg” es coproducido por Sigur Rós y Paul Corley y presenta a la London Contemporary Orchestra.
8. Johan Renck, director de la serie limitada de HBO Chernobyl, dirigió el videoclip de “Blóðberg”.
9. Johan Renck compartió sus pensamientos sobre el tema de la canción, describiendo cómo la música de “Blóðberg” se convirtió en una banda sonora para sus “pensamientos miserables”, brindándoles belleza como solo la música puede hacer.

Historia de los Juegos de Casino: De la Antigüedad a la Era Digital

Juegos de Casino: Evolución Histórica y Transformación Digital.

Desde los tiempos antiguos hasta la era digital, los juegos de casino han experimentado una evolución fascinante. La historia de estos juegos es un viaje que abarca desde las civilizaciones más antiguas hasta las modernas plataformas en línea, revelando cómo han evolucionado y se han adaptado a las nuevas tecnologías y culturas.

Raíces Prehistóricas: El Origen del Juego

Civilizaciones Antiguas y los Primeros Juegos

Las civilizaciones como China, Egipto y Mesopotamia no solo son reconocidas como cunas de la humanidad, sino también del juego. En estos territorios antiguos surgieron los primeros dados y prácticas de apuestas. Grecia y Roma antigua también jugaron un papel fundamental, adoptando el juego como una actividad de ocio popular. Estas prácticas ganaron aceptación social, convirtiéndose en una parte integral de la vida cotidiana.

Tragamonedas de Antaño

Elegancia y Simplicidad de las Primeras Máquinas

Las primeras tragamonedas eran la quintaesencia del casino retro, destacando por su elegancia y simplicidad. Con símbolos como cerezas, barras y sietes afortunados, su atracción residía en la emoción de la palanca. A pesar de los avances tecnológicos, muchos jugadores todavía se sienten atraídos por el encanto perdurable de estas máquinas clásicas.

Máquinas Tragamonedas Modernas

Evolución hacia la Diversidad Temática

En el siglo XXI, las tragamonedas digitales dominan los casinos en línea, ofreciendo una variedad de temas y símbolos para atraer a diversos grupos de usuarios. Desde deportes hasta cine, las tragamonedas modernas se han diversificado para proporcionar experiencias únicas y personalizadas.

Historia del Póker

Orígenes y Evolución del Juego Emblemático

El póker, con sus raíces en los juegos franceses y alemanes del siglo XIX, ha sido un pilar en la historia de los juegos de casino. Su difusión por el río Misisipi y las constantes adaptaciones lo llevaron a convertirse en un fenómeno cultural en el siglo XX.

Póker Moderno

Variedad y Popularidad Global

Hoy, el póker incluye variantes como Texas Hold’em y Omaha, cada una con características únicas. Su popularidad es tal que ha generado torneos mundiales, convirtiéndose en un juego con un seguimiento global.

Juegos de Ruleta Antiguos

El Nacimiento de la Ruleta en Francia

La ruleta, cuyo nombre significa “pequeña rueda” en francés, tiene sus orígenes en el siglo XVII con Blaise Pascal. Aunque inicialmente fue un accidente en su búsqueda de una máquina de movimiento perpetuo, la ruleta como juego de casino comenzó a tomar forma en el París del siglo XVIII.

Ruleta Moderna

Consistencia en el Cambio

La ruleta ha mantenido su esencia a lo largo de los años, con la única variación significativa siendo el número de casillas, incluyendo ceros y dobles ceros, que aumentan las probabilidades a favor del casino.

Línea de fondo: Inspiración Constante en el Juego

La historia del juego de casino es larga y llena de cambios, muchos de los cuales son desconocidos para la mayoría de los jugadores. Sin embargo, lo que permanece constante es la pasión y el entusiasmo que inspira el juego, manteniéndose como una de las actividades de ocio más populares en el mundo. ¿Eres aficionado al juego? ¡Comparte tus pensamientos sobre este fenómeno fascinante en los comentarios!

Frank Kelly Freas: El Legado de un Icono del Arte de Ciencia Ficción

El Decano del Arte de Ciencia Ficción y Fantasía.

Frank Kelly Freas, un nombre que resuena en el mundo del arte de la ciencia ficción y la fantasía. Este ilustrador estadounidense, con una impresionante carrera de más de medio siglo, dejó una huella indeleble en la cultura pop. Su obra abarca desde portadas de revistas clásicas hasta colaboraciones con la NASA, e incluso en el ámbito musical con la icónica banda Queen.

Datos Clave sobre Frank Kelly Freas

1. Nacimiento y Fallecimiento: Nació en 1922 y falleció en 2005 en West Hills, California.
2. Carrera Prolífica: Su carrera se extendió durante más de 50 años, iniciándose con portadas para revistas como Weird Tales y Astounding Science Fiction.
3. Reconocimientos: Recibió 10 premios Hugo y fue nominado en 20 ocasiones. Su trabajo fue reconocido como uno de los mejores en el ámbito de la ciencia ficción.
4. Estilo Artístico: Se caracterizó por el uso de colores vivos, realismo anatómico y un sentido del humor distintivo. Sus obras reflejan una pasión por la ciencia y la exploración espacial.
5. Contribución en la II Guerra Mundial: Durante este periodo, trabajó como fotógrafo aéreo y decoró bombarderos con pin-ups.
6. Medios Utilizados: Principalmente pinturas acrílicas y acuarelas, evitando los aceites debido a una reacción alérgica.
7. Colaboraciones Familiares: Su segunda esposa, Laura Brodian Freas, también fue una reconocida ilustradora, con quien colaboró en varias obras.
8. Aportes a la NASA: Fue el artista oficial de siete misiones, incluyendo la Apolo-Soyuz. Diseñó el logotipo de la estación espacial Skylab I.
9. Presencia en el Cine: En Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004), aparece un retrato de un hombre lobo de su autoría.
10. Exhibiciones en Museos: Su obra se encuentra en el Smithsonian, el Museo Nacional del Aire y el Espacio, y el Museo Norman Rockwell.
11. Influencia en la Música: Realizó la portada del álbum News of the World de Queen, publicado el 28 de octubre de 1977.

Curiosidades y Anécdotas

• Freas, conocido como “El decano de los artistas de ciencia ficción”, prefería autodenominarse “El artista más viejo del mundo”.
• Usó principalmente pinturas acrílicas y acuarelas, evitando los aceites por una alergia.
• Fue el artista oficial de importantes misiones de la NASA, incluida la Apolo-Soyuz.

Influencia y Legado

Frank Kelly Freas no solo marcó un hito en el arte de la ciencia ficción, sino que también influyó en generaciones de artistas posteriores. Su estilo único, que combinaba realismo, colorido y humor, continúa inspirando a artistas y aficionados. Su legado es un testimonio de su habilidad para capturar la esencia de la ciencia ficción y la fantasía, convirtiéndose en una fuente de admiración y respeto en el mundo del arte.

Amelia 2.0: El Futuro de la Consciencia Humana en un Mundo Robótico.
🤖🚀 Revolución en Inteligencia Artificial y Drama Humano 🤖❤️

“Amelia 2.0”: Un Viaje Cinematográfico Único
“Amelia 2.0” no es solo una película, es una odisea que explora los límites entre la tecnología y la humanidad. Dirigida por Adam Orton, esta obra maestra desafía nuestras percepciones sobre la vida, el amor y la mortalidad. Ambientada en un contexto futurista, la película cuenta la historia de un esposo desesperado que toma una decisión inaudita: transferir la conciencia moribunda de su esposa a una réplica robótica.

Este arriesgado paso, lleno de controversia política y dilemas emocionales, marca el inicio de una nueva era en la historia humana. Pero ¿qué significa realmente ser humano? “Amelia 2.0” nos invita a reflexionar sobre esta pregunta, llevando al espectador a un viaje emocional inolvidable.

La Lucha de Amelia 2.0 por su Existencia
En el corazón de “Amelia 2.0” yace un profundo conflicto ético y emocional. Amelia, ahora en su forma robótica, se enfrenta no solo a la oposición política sino también a una batalla interna por su identidad y derecho a existir. Esta lucha resalta las complejidades de la inteligencia artificial y sus implicaciones éticas.

La película cuenta con un elenco estelar, incluyendo a Ed Begley Jr., Kate Vernon y Eddie Jemison, quienes aportan profundidad y autenticidad a esta intrigante trama. A través de una mezcla de drama, romance y ciencia ficción, “Amelia 2.0” nos ofrece una visión del futuro de la conciencia humana, una que desafía nuestras concepciones actuales.

“Amelia 2.0” es más que una película; es un espejo que refleja nuestras inquietudes más profundas sobre el futuro y nuestra relación con la tecnología. Es una historia que resuena en nuestra era, una era donde la línea entre lo humano y lo artificial se desvanece cada día más. Con su enfoque único y provocador, “Amelia 2.0” se posiciona como una pieza cinematográfica esencial para comprender el rumbo de nuestra sociedad tecnológicamente avanzada.

¿Qué Reveló el Atlántida Film Fest 2023 Sobre el Futuro del Cine?

¿Por Qué el Atlántida Film Fest 2023 Fue Más Que un Festival de Cine?

El Atlántida Film Fest 2023 cerró sus puertas el pasado 24 de agosto, dejando una huella imborrable en la historia del cine. Este evento, que tuvo una semana presencial en Mallorca y una edición online en la plataforma Filmin, se convirtió en un escaparate de lo que será el futuro del séptimo arte.

¿Qué Dijo “Safe Place” Sobre el Futuro de las Películas de Suspense?

“Safe Place”, la película croata que se llevó el Premio a la Mejor Película Internacional planteó una pregunta inquietante: ¿hacia dónde se dirige el género de suspense? La dirección de Juraj Letoric fue sutil pero efectiva, y aunque el film tuvo un desarrollo algo desigual, dejó claro que el análisis de enfermedades mentales y la paranoia seguirán siendo temas recurrentes en el cine del futuro.

¿Cómo “Aurora’s Sunrise” Cambió la Narrativa de las Películas de Animación?

“Aurora’s Sunrise” de Inna Sahakyan fue una obra maestra que nos hizo reflexionar sobre el poder de la animación para contar historias reales. Basada en la vida de Aurora Mardiganian, una superviviente del genocidio armenio, esta película demostró que el cine de animación tiene un gran potencial para abordar temas históricos y sociales. Como dijo Walt Disney, “La animación puede explicar cualquier cosa que la mente del hombre pueda concebir”.

¿Por Qué “La Vida de Charlotte Salomon” Es Un Hit en el Cine de Arte?

“La Vida de Charlotte Salomon” fue un film que exploró la vida de la artista Charlotte Salomon a través de una narrativa visual impactante. Este film nos hizo preguntarnos: ¿qué papel jugará el cine de arte en el futuro? La película mostró que el cine puede ser una herramienta poderosa para explorar la vida y obra de artistas olvidados, y que este tipo de narrativas tendrán un lugar en el cine del futuro.

¿Qué Lecciones Aprendimos de las Películas Menos Exitosas del Festival?

Films como “Neon Spring” y “Family Dinner” nos mostraron que no todo lo que brilla es oro. Estas películas, aunque ambiciosas, no lograron conectar con la audiencia, lo que nos lleva a cuestionar: ¿qué elementos son esenciales para que una película sea exitosa en el futuro?

¿Qué Nos Dice “January” Sobre el Futuro del Cine en Letonia?

“January” de Viesturs Kairiss fue un film que nos hizo pensar en el futuro del cine en Letonia. La película, un drama semi-autobiográfico, mostró que hay talento emergente en países menos conocidos en la industria cinematográfica, y que estos cineastas tienen mucho que ofrecer al mundo.

A Moment of Love: La Esencia de Yoon Seungah y Kim Mooyul 🌟💖

Descubre el ahora, el amor y la magia detrás de la pareja más icónica del momento

A Moment of Love: El Encanto de una Sesión Inolvidable

En un mundo donde el amor se celebra en todas sus formas, Yoon Seungah y Kim Mooyul nos brindan una mirada íntima a su momento actual, un momento lleno de amor y complicidad. Bajo la dirección de Oh Yura, y con la colaboración de un equipo de profesionales destacados, nos sumergimos en una experiencia que va más allá de una simple sesión fotográfica, es una celebración del amor en su estado más puro y genuino.

La moda, ese elemento tan crucial en cualquier producción, estuvo a cargo de Shin Jihye para Kim Mooyul y Hong Eunyoung para Yoon Seungah, quienes supieron captar la esencia de cada uno, creando estilismos que reflejaban no solo la tendencia actual, sino también la personalidad y la historia de amor que los une. Cada detalle, cada prenda, hablaba de ellos, de su camino juntos, de su moment of love.

A Moment of Love: Un Equipo de Ensueño para una Historia de Amor

El estudio L’extreme, liderado por Kim Dongyoung, fue el escenario perfecto para capturar estos momentos únicos. La magia no solo estuvo en las cámaras, sino también en las manos expertas de Lim Jinok y Shim Sungeun, responsables del cabello de Kim Mooyul y Yoon Seungah respectivamente, y Lee Junsung, el artífice detrás del maquillaje sublime que adornaba los rostros de los enamorados.

El asistente Lee Chongun no podía faltar en este equipo de ensueño, siendo el apoyo indispensable para que cada toma fuera perfecta, para que cada moment of love fuera capturado en su máxima expresión, creando así un testimonio visual de un amor que trasciende las barreras del tiempo y del espacio.

A Moment of Love: Tiffany y la Celebración del Amor

La colaboración con Tiffany & Co fue el broche de oro para esta sesión inolvidable. Las joyas de la firma se convirtieron en los protagonistas silenciosos pero poderosos de esta historia, siendo el complemento perfecto para Yoon Seungah y Kim Mooyul. Los hashtags #티파니, #티파니앤코, #TiffanyEngagement, #TiffanyAndCo, #TiffanyLock, #YoonSeungah, #윤승아, #KimMooyul, #김무열, se convierten en las palabras clave que nos guían a través de esta experiencia, siendo el reflejo digital de un moment of love que se quedará grabado en la memoria de todos los que tengan el privilegio de presenciarlo.

No te pierdas la oportunidad de descubrir más sobre esta sesión fotográfica y la historia detrás de ella en la edición de septiembre de ‘DAZED KOREA‘. Un testimonio de amor que va más allá de las imágenes, una experiencia que nos invita a creer en el amor verdadero, en la magia de los encuentros, en ese moment of love que todos deseamos vivir.

¿El futuro de The Mountain Goats: una mezcla de arte, cultura y tonos rojos?

🎶🎨The Mountain Goats irrumpen con ‘Jenny de Tebas’: un viaje musical lleno de arte, cultura y matices rojos 🎸🌆

En el vasto universo de la música, existe un conjunto de estrellas brillantes que siempre parecen brillar con un destello más red. Esta banda se conoce como The Mountain Goats, un grupo de músicos americanos que ha dejado una huella indeleble en el panorama musical.

El Salto de lo Doméstico a lo Profesional: El Surgimiento de The Mountain Goats

Nacidos en Claremont, California, bajo la batuta del cantautor John Darnielle, The Mountain Goats se ganaron la reputación a lo largo de los años 90 por sus grabaciones caseras de baja fidelidad, lanzadas en formatos de casete o vinilo de 7 pulgadas. Desde 2002, el grupo ha adoptado un enfoque más refinado, registrando álbumes de estudio con una banda completa y presentando un cambio considerable en su estilo.

Los primeros años de la banda vieron a Darnielle, flanqueado por miembros de la banda de reggae femenina Casual Girls, conocidos como el Bright Mountain Choir. Rachel Ware, miembro de este colectivo, continuó acompañando a Darnielle en el bajo, tanto en vivo como en el estudio, hasta 1995. La primera mitad de la década fue testigo de un flujo prolífico de canciones en casete, vinilo y CD por parte de The Mountain Goats.

La Revolución Sonora de The Mountain Goats: Innovación y Evolución

A mediados de los años 90, The Mountain Goats rompieron muchos de los convencionalismos de su sonido original en favor de un enfoque más temático y experimental. En 1995, lanzaron el álbum “Sweden” y en 1996, “Nothing for Juice”, seguido de “Full Force Galesburg” al año siguiente. Este último disco volvió parcialmente a las raíces de la banda, con muchas canciones grabadas esporádicamente en la antigua casetera Panasonic RX-FT500 de Darnielle, que agregaba un ruido de fondo característico a las canciones.

The Mountain Goats y el Concepto de Álbumes Temáticos

Con el cambio de milenio, The Mountain Goats emprendieron un viaje distinto, centrado en la creación de álbumes conceptuales que exploraban en profundidad aspectos particulares de su canon musical. “Tallahassee”, el primer álbum de la banda grabado con una banda completa y en un estudio, es un ejemplo de ello.

Explorando el Autobiográfico: The Mountain Goats y su Constante Evolución

En 2004, The Mountain Goats lanzaron “We Shall All Be Healed”, un álbum que marcó varios cambios para la banda. Fue la primera vez que Darnielle trabajó con el productor John Vanderslice, y el primer álbum con material directamente autobiográfico.

Trasladándose a Durham, Carolina del Norte, en 2006, la banda lanzó “Get Lonely”, producido por Scott Solter, quien había trabajado con Vanderslice en la ingeniería de los discos anteriores de The Mountain Goats. Este fue seguido por el próximo álbum completo de la banda, “The Life of the World to Come”, lanzado en octubre del mismo año.

Merge Records: Una Nueva Era para The Mountain Goats

En 2010, The Mountain Goats firmaron con Merge Records, hogar de la otra banda del baterista Jon Wurster, Superchunk. La discográfica lanzó un nuevo disco de The Extra Lens, anteriormente conocidos como The Extra Glenns, titulado “Undercard”, seguido de otro LP de The Mountain Goats, “All Eternals Deck”, en 2011.

Con cada nuevo álbum, The Mountain Goats han demostrado una habilidad inigualable para reinventarse, siempre al borde de la vanguardia musical y manteniendo siempre esa esencia red que los caracteriza. Desde los días de grabación casera hasta los álbumes de estudio con bandas completas, la banda ha navegado por las corrientes cambiantes de la música, siempre con un ojo puesto en el futuro.

A medida que avanzamos hacia el horizonte de las tendencias futuristas, retro, retrofuturistas e incluso vintage, The Mountain Goats sin duda seguirán dejando su huella, ofreciendo una visión única y audaz de lo que la música puede y debería ser.

The Mountain Goats y su viaje musical en ‘Jenny de Tebas’

Desde su inicio en 1991, la banda estadounidense The Mountain Goats ha sido reconocida por su versatilidad en los géneros de rock alternativo, indie rock y lo-fi. Liderada por John Darnielle, y apoyada por el bajista Peter Hughes, The Mountain Goats siempre ha mantenido un encanto especial entre sus seguidores. Sin embargo, es con la llegada de su nuevo álbum, ‘Jenny de Tebas’, cuando nos invitan a una travesía futurista llena de cultura, arte y rojo.

 ‘Jenny de Tebas’, un nuevo capítulo en la historia de The Mountain Goats

El futuro de The Mountain Goats se ha desvelado con su nuevo álbum ‘Jenny de Tebas’. Aunque este nuevo trabajo marca el vigésimo segundo lanzamiento de la banda, suena fresco y original. Darnielle, quien también ha incursionado en la escritura de novelas, ha descrito este nuevo disco como una “ópera rock” dedicada a una mujer llamada Jenny. El nuevo disco ofrece un intrigante contraste con su predecesor, ‘All Hail West Texas’, creando una exploración sonora que reta el tiempo y los límites de la narrativa musical.

El esplendoroso rojo en ‘Jenny de Tebas’

El rojo siempre ha simbolizado el poder, la pasión y el amor. En el contexto de ‘Jenny de Tebas’, el rojo simboliza el deseo de Jenny de escapar y liberarse de las cadenas de su pasado. Comprando una Kawasaki, Jenny emprende un viaje en busca de un nuevo comienzo, simbolizado por el color rojo.

La integración de la cultura en el sonido de The Mountain Goats

El futuro de The Mountain Goats promete una integración más profunda de diversas influencias culturales en su música. En ‘Jenny de Tebas’, la banda toma inspiración de Godspell, Jim Steinman y The Cars, ofreciendo una fusión única que retrata el pasado con un toque actual.

El arte de la narrativa en la música de The Mountain Goats

El enfoque narrativo de The Mountain Goats se ve claramente en ‘Jenny de Tebas’. Darnielle, a través de sus canciones, teje una rica narrativa que explora la vida de Jenny. Este enfoque de contar historias convierte cada canción en una obra de arte en sí misma, abriendo el camino para futuras innovaciones narrativas en la música.

Como alguna vez dijo Nietzsche, “sin la música, la vida sería un error”. Las palabras de este filósofo alemán parecen resonar en el trabajo de The Mountain Goats, donde la música se convierte en una forma de explorar la condición humana.

Hacia un futuro retrofuturista

La música de The Mountain Goats siempre ha jugado con el tiempo, mezclando sonidos antiguos con ideas nuevas. En ‘Jenny de Tebas’, la banda lleva esta idea un paso más allá, creando un futuro retrofuturista en el que lo viejo y lo nuevo se funden en una armoniosa sinfonía de sonidos. Es un futuro donde la tradición y la innovación coexisten, formando un nuevo horizonte musical.

‘Jenny de Tebas’ marca un emocionante nuevo capítulo en la historia de The Mountain Goats. El álbum promete llevarnos en un viaje lleno de arte, cultura y rojo, mientras exploramos el futuro de la música a través de los ojos de Jenny. Como dijo una vez Victor Hugo, “la música expresa aquello que no puede decirse pero que no puede permanecer en silencio”. ‘Jenny de Tebas’ parece ser la encarnación de estas palabras, ofreciendo una exploración profunda y conmovedora de la condición humana a través de la lente del futuro.

Pattie Boyd: La Musa Inmortal del Rock que Reinventó la Moda y la Cultura

¿Quién es Pattie Boyd y por qué sigue siendo relevante en el futuro del rock y la moda?

En el vasto universo de la música y la moda, Pattie Boyd destaca como un faro en la noche, su influencia perpetua se siente en los ámbitos actuales y futuros. Su figura etérea no solo inspiró melodías que hoy son himnos del amor y desamor, sino también tendencias que marcaron una era y siguen vigentes.

Boyd, modelo y fotógrafa de talento, esposa de dos íconos de la música: George Harrison y Eric Clapton, se convirtió en una figura esencial para entender la movida cultural de su tiempo. Su presencia dejó una huella indeleble en la historia de la música y la moda, una que aún continúa resonando.

¿Cómo influyó Pattie Boyd en la música de los Beatles y Eric Clapton?

Boyd fue el faro que iluminó el camino musical de dos genios de la música: George Harrison y Eric Clapton. Las melodías del “Beatle místico” y el blues de Clapton encontraron en Boyd la musa perfecta, su influencia en su sonido es incuestionable.

Podemos decir que, sin Boyd, muchos de los sonidos emblemáticos de los Beatles y Clapton no habrían existido. Como una guía silenciosa, Boyd inspiró algunas de las canciones más emotivas y desgarradoras de estas leyendas de la música.

Como lo dice la letra de “Wonderful Tonight” de Clapton: “And then she asks me, Do I look all right? And I say, “Yes, you look wonderful tonight”.

Pattie Boyd: La inmortal musa del rock que transformó la música y la moda para siempre.

¿Qué aportó Pattie Boyd a la moda y la cultura de su tiempo?

Pattie Boyd no solo influyó en el mundo de la música, también dejó su huella en la moda y la cultura. Su estilo y elegancia la convirtieron en un icono de la década de los sesenta. Las tendencias que ella impuso son tan relevantes hoy como lo fueron en su época.

Boyd demostró cómo la belleza y el estilo pueden ir de la mano con la originalidad y la audacia, alzándose como un faro de estilo e influencia que ha trascendido a través de los tiempos. Su figura sigue siendo un referente de moda y estilo que hoy inspira a diseñadores y amantes de la moda de todo el mundo.

¿Cómo se proyecta el legado de Pattie Boyd hacia el futuro?

El legado de Pattie Boyd es un testimonio de cómo una figura puede trascender más allá de su tiempo y espacio. Su influencia en la música y la moda no solo se mantiene, sino que también se proyecta hacia el futuro.

Las generaciones venideras seguirán descubriendo la magia de Boyd, su influencia se sentirá en la música, la moda y la cultura en general. Como una guía perpetua, la “musa del rock” continúa inspirando a creativos, músicos y diseñadores por igual.

Finalmente, recordemos las palabras de Harrison en su canción “Something”: “Something in the way she moves, attracts me like no other lover”. Y es que, en verdad, hay algo en la forma en que Pattie Boyd se mueve por la vida, que atrae e inspira a generaciones.

Los Cantantes Vintage que Modelaron el Sonido del Futuro

La era dorada de los crooners: cómo los cantantes vintage dieron forma al futuro de la música.

Hace años, cantantes vintage como Al Jolson, Bing Crosby, Frank Sinatra, Perry Como, Tony Bennett y Dean Martin encandilaban al público con sus dulces melodías. Los crooners, como se les conocía, dominaron las ondas de radio en la década de 1920 y continuaron su reinado en la televisión durante la década de 1950. Un nombre que suele pasar desapercibido en esta lista es Engelbert Humperdinck, un artista subestimado, pero sumamente talentoso.

¿Quiénes Fueron los Cantantes Vintage que Definieron la Era Dorada de la Música?

Los cantantes vintage eran artistas que, a pesar de que su auge fue en el pasado, siguen resonando en el panorama musical actual. Sus voces melódicas y letras evocativas dejaron una huella indeleble en la música. Entre ellos se destacan figuras legendarias como Bing Crosby, cuya voz suave y cálida encantó a millones, y Frank Sinatra, cuyo carisma y estilo de interpretación definieron la era del swing. Perry Como, Tony Bennett y Dean Martin también son recordados por su contribución al legado de la música tradicional.

¿Cómo Contribuyeron estos Cantantes Vintage al Sonido del Futuro?

Estos artistas, con su enfoque distintivo para la música, ayudaron a moldear los géneros y estilos que conocemos hoy. La manera en que Frank Sinatra manejaba su fraseo musical, por ejemplo, ha influenciado a generaciones de artistas posteriores. De manera similar, el tono suave y melódico de Bing Crosby fue precursor de la técnica vocal que se encuentra en la música contemporánea.

En este sentido, es válido citar al cantante y actor Dean Martin, quien una vez declaró: “La gente ama a los cantantes vintage, no solo por su música, sino también por lo que representan: una época en la que el arte de la interpretación era fundamental”.

¿Por Qué Engelbert Humperdinck es un Cantante Vintage Subestimado?

Engelbert Humperdinck, a pesar de tener una carrera musical prolífica, a menudo se ve eclipsado por sus contemporáneos. Sin embargo, su influencia en el panorama musical no puede subestimarse. Sus canciones, cargadas de emotividad, tocaron el corazón de muchas personas y establecieron un estándar para la música romántica. Como dijo una vez un crítico musical: “Humperdinck fue uno de los pocos cantantes de su tiempo que pudo capturar la esencia de una canción y transmitirla con tal fuerza emocional”.

Reflexiones Finales: La Influencia de los Cantantes Vintage en la Música Moderna

Los cantantes vintage, con sus estilos distintivos y emotivos, han dejado un legado duradero en la música. Aunque sus melodías pueden parecer distantes y nostálgicas, su influencia se puede sentir en la música contemporánea. La próxima vez que escuches a tu artista favorito, es posible que detectes la sutil influencia de estos crooners del pasado, evidencia de que verdaderamente modelaron el sonido del futuro.

La vida de Lisa Marie Presley y su relación con el color RED.

Antes de que amaneciera el domingo 8 de enero, David Kessler se encontraba en su habitación de un hotel cercano a Graceland, cuando oyó un golpe en la puerta. Era su amiga Lisa Marie Presley, quien le dijo que salieran a visitar a su padre y uno de sus hijos. Kessler, una amiga y especialista en duelo radicada en Los Ángeles, había conocido a Presley en el verano de 2020, poco después de la muerte de su hijo, Ben. Esa tragedia pareció ser la última de una serie de trastornos en su vida, comenzando con la pérdida de su padre, Elvis Presley, en 1977, cuando tenía solo nueve años. Desde entonces, la mujer a la que sus amigos llamaban “LMP” había soportado un turbulento viaje propio: cuatro matrimonios, cuatro divorcios, batallas contra la adicción, pérdida familiar y la exposición de sus finanzas al escrutinio público.

En el ámbito musical, Lisa Marie Presley se enfrentó a comparaciones inevitables con su padre, lo que supuso un desafío adicional en su carrera. Pero a pesar de las dificultades, Presley mostró un carisma propio y pudo labrarse su camino en la industria. En los últimos años, había vivido momentos especialmente oscuros, pero poco a poco estaba saliendo de ese período y retomando el contacto con el público.

Lisa Marie Presley nació el 1 de febrero de 1968, hija de Elvis y Priscilla Presley en el Baptist Hospital en Memphis, a unas 15 millas de la finca de su padre, Graceland. Creció en un entorno de fama y escándalo, y su vida estuvo marcada por eventos trágicos como la muerte de su padre en 1977.

En 1993, Presley conoció a Michael Jackson y se casó con él en 1994, apenas 20 días después de divorciarse de su primer marido, Danny Keough. Aunque su relación con el Rey del Pop fue objeto de mucho escrutinio, Lisa Marie siempre defendió la autenticidad de su amor. Sin embargo, en enero de 1996, solicitó el divorcio debido al consumo de drogas de Jackson.

A lo largo de su vida, Lisa Marie Presley ha enfrentado numerosos desafíos y ha luchado por encontrar su lugar en el mundo, tanto en lo personal como en lo profesional. A pesar de las adversidades, ha demostrado ser una mujer fuerte, dispuesta a seguir adelante en la vida.

Descubre los mejores pintores hiperrealistas del mundo. El hiperrealismo: arte que desafía los sentidos.

¿Quieres saber qué es el hiperrealismo en la pintura? ¿Has visto pinturas más reales que una fotografía? Estos son artistas del hiperrealismo y sus obras.

LO MÁS DEL HIPERREALISMO

Esto es lo más del hiperrealismo, artistas del hiperrealismo y sus obras. Se trata de una técnica en la pintura que se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad si cabe aún con más intensidad, fuerza y fidelidad, que la fotografía. Es sensacional. Los artistas más prestigiosos de esta técnica surgen en Estados Unidos en la década de los sesenta y usan los medios técnicos y fotográficos manipulando las imágenes para que sean aún más reales y vivas que en la propia realidad. La pintura al óleo o la escultura, en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

PINTORES HIPERREALISTAS: ESTOS SON LOS HECHOS Y LOS DATOS

1. La técnica del hiperrealismo en la pintura se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad con más intensidad, fuerza y fidelidad que la fotografía.

2. Los artistas más prestigiosos del hiperrealismo surgieron en Estados Unidos en la década de los sesenta y utilizan los medios técnicos y fotográficos para manipular las imágenes y hacerlas aún más reales y vivas que en la propia realidad.

3. La pintura al óleo o la escultura en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

4. Steve Mills, Hilo Chen y Pedro Campos son algunos de los artistas del hiperrealismo contemporáneos.

5. Algunos críticos descalifican al hiperrealismo argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte, pero otros, como Louis K. Meissel, defienden esta técnica.

6. La firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo son fundamentales para el resultado final de las obras de arte.

7. Para crear obras tan realistas que pueden confundirse con fotografías, se requiere un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales utilizados.

PINTORES HIPERREALISTAS – PREGUNTAS Y RESPUESTAS

1. ¿Qué es el hiperrealismo en la pintura?

• El hiperrealismo es una técnica en la pintura que se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad con más intensidad, fuerza y fidelidad que la fotografía.

2. ¿Cuáles son las características de la técnica del hiperrealismo?

• La técnica del hiperrealismo utiliza medios técnicos y fotográficos para manipular las imágenes y hacerlas aún más reales y vivas que en la propia realidad. La pintura al óleo o la escultura en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

3. ¿Quiénes son los artistas más prestigiosos del hiperrealismo?

• Los artistas más prestigiosos de la técnica del hiperrealismo surgieron en Estados Unidos en la década de los sesenta.

4. ¿Qué opinan algunos críticos sobre el hiperrealismo?

• Algunos críticos descalifican al hiperrealismo argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte.

5. ¿Quiénes son algunos de los pintores hiperrealistas contemporáneos?

• Algunos de los pintores hiperrealistas contemporáneos son Steve Mills, Hilo Chen, Pedro Campos, Rob Hefferan, Claudio Bravo, Roberto Bernardi, Eric Zener, Eric Christensen, Jason Degraaf, Robert Neffson y Alex Gross.

6. ¿Qué se requiere para crear obras de arte hiperrealistas?

• Para crear obras de arte hiperrealistas se requiere un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales utilizados.

7. ¿Por qué es fundamental la firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo?

• La firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo son fundamentales para el resultado final de las obras de arte, ya que permiten crear énfasis en la imagen y lograr que la pintura sea aún más realista que la propia realidad.

Ejemplos son Steve Mills, Hilo Chen o Pedro Campos, pero hay muchos más. No obstante, algunos críticos los descalifican argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte. Por supuesto yo no estoy de acuerdo. Cualquier técnica es plausible si el proceso está imbuido de inspiración artística. Otros, como Louis K. Meissel, defienden al hiperrealismo.

https://www.youtube.com/watch?v=6bBIsYADlU4

Pintores hiperrealistas contemporáneos

Artistas del hiperrealismo y sus obras – LOS ARTISTAS HIPERREALISTAS QUE TE HARÁN DUDAR SI SON PINTURAS O FOTOGRAFÍAS

No cabe duda de que la firmeza y la precisión en el desarrollo de esta técnica es fundamental para el resultado: crear énfasis en la imagen. Un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales parecen ser cualidades que no están al alcance de cualquiera. Crear obras tan realistas que pueden confundirse con fotografías no puede ser fácil.

Baruch Martínez ha publicado un buen artículo sobre el tema y recopilado los  Siete artistas hiperrealistas que te harán dudar – Cultura Colectiva – Cultura Colectiva.

¡El mayor espectáculo del planeta! ROB ZOMBIE ha desafiado de forma continua al público conforme extiende los límites de la música y el cine. Aparte de lo excitante que puede ser un espectáculo erótico, esto es lo más de lo más…

junio 2020

Ha vendido más de 23 millones de álbumes en el mundo entero, y es el único artista que ensayó un éxito sin precedentes tanto en música como en cine como escritor / directivo de 7 largos con un total mundial de más de dólares americanos ciento cincuenta millones. Rob Zombie es un músico, director y escritor estadounidense, ​ conocido por ser el creador, cantante primordial, escritor y caricaturista de la banda White Zombie.

La conocida esposa del músico y cineasta Rob Zombie , Sheri, publicó una fotografía de sí en Instagram con una máscara que la hacía parecer un personaje de ‘ Breaking Bad ‘. El músico de heavy metal Rob Zombie está casado con la modelo y actriz estadounidense Sheri Moon desde dos mil dos.

Sheri Moon Zombie ha pasado su tiempo mejorando sus habilidades de alfarería en su granja de Connecticut, donde asimismo cobija animales de rescate y los cuida.

https://robzombie.com/

Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.

Además de posar desnuda, Aniston lució conjuntos igualmente sensuales patrocinados por marcas de lujo. Firme a través de décadas y generaciones, Aniston mantiene su papel de icono de estilo y redobla la apuesta en cada etapa nueva. En la misma línea, Jennifer Aniston se fotografió de espaldas, en topless, con la mano en los pechos y con una falda negra de Saint Laurent. También llevaba un hilo dental tipo tanga adornado con un aplique metálico vintage de Gucci. Seguro que a ti también te gustaría verla en alguna de las cams porno más solicitadas, pero sus fotos son también muy sensuales.

Puede que Jennifer Aniston no haya sido la primera actriz en hacerse famosa por su escote, pero también es una de las pocas actrices que ha conseguido mantener un alto nivel de éxito a la vez que envejecía con gracia. Lo ha conseguido gracias a que ha seguido trabajando duro en su oficio y a que no ha tenido miedo de experimentar con diferentes estilos y papeles a lo largo de su carrera. Demuestra que no ha perdido de vista lo que hizo que la gente se enamorara de ella en primer lugar: ¡una personalidad divertida combinada con un espíritu aventurero! Ya solo nos falta poderla encontrar sexy en sexole.com. 

Jennifer Aniston es el último rostro famoso que aparece en los nuevos anuncios de Gucci, y ha optado por un look bastante atrevido.

Jennifer Aniston se desnuda en una nueva campaña publicitaria.

¿El detalle? Sumó un adorno Dior vintage a modo de cinturón. Además de posar al desnudo, Jennifer Aniston llevó otros vestuarios igual de sensuales y auspiciados por marcas de lujo. Con una falda negra de Saint Laurent, que dejaba al descubierto los tirantes de un tanga de Gucci, adornado con un aplique metálico de Gucci vintage. Sí, recuerdo haber visto a otras mujeres muy sexys vistiendo cosas parecidas en sexole y hay que reconocer que son prendas que dan un plus de sensualidad enorme. 

Jennifer Aniston: tanga a la vista by Gucci.

La foto, titulada “Jennifer Aniston: tanga a la vista de Gucci”, muestra a la actriz de espaldas, en topless y con la mano en los pechos. Lleva una falda negra de Saint Laurent que deja al descubierto los tirantes de un tanga de Gucci adornado con un aplique metálico de Gucci vintage. He entrado en www.sexole.com/transexuales/ porque me ha surgido la curiosidad de ver a alguna sexy trans vistiendo con estas marcas… ¿Crees que he encontrado lo que busco? 

Ya en el verano de 2022 y a sus 53 años, Jennifer Aniston posaba con un micro bikini que acentuaba su figura. Icónica como pocas, Jennifer Aniston se convirtió en un referente de moda y belleza hace más de 20 años y sigue más vigente que nunca.

Lo cierto es que Jennifer Aniston hace honor a su leyenda. Tras ganar el Sherry Lansing Leadership Award, en el evento organizado por la revista estadounidense que premia a las mujeres del espectáculo, posó en una sesión de moda con el estilo clásico y natural que la caracteriza. Añadió un sombrero vaquero de color blanco y amplió su look con accesorios dorados. The Hollywood Reporter captó a Jennifer Aniston con una serie de looks elegantes, modernos y la moda. Muchos la consideran uno de los rostros más bellos de Hollywood, y es cierto.

Hemos visto a Jennifer Aniston en todo tipo de papeles, por ejemplo, en una excéntrica comediante que se casó con Brad Pitt. En busca de un equipo de estilistas, adiciona a un grupo escandaloso que es el más improbable que jamás conocerás. Te reirás y llorarás, y al final de todo puede que hayas encontrado tu nueva película favorita.

Creo que en algún momento Jennifer Aniston ya no quería ser “Rachel”.

El caso es que Jennifer Aniston vuelve a interpretar una y otra vez el papel que le encanta, bobalicona, alegre y segura de sí misma. La hace sentir libre, feliz y llena de vida mientras se prepara para otro reto. En su próximo papel seguro la veremos llena de hilaridad y seguramente hará las delicias del público.

La estrella de Hollywood Jennifer Aniston protagoniza comedias hilarantes y eficaces.

Después de haber interpretado decenas de personajes en el cine, la televisión y el teatro, el siguiente papel al que ver a Jennifer Aniston es uno que no es exactamente un papel: ella misma.

El cuerpo que ha ido de la cabeza a los pies en una larga y exitosa carrera como actriz, Jennifer Aniston, es noticia.

Cuando se trata de construir una estructura corporal impresionante, algunas personas tratan de aislar ciertas áreas para que parezcan más definidas. En el caso de Jennifer Aniston, no sólo está tonificada, sino que también tiene un gran bronceado. Ha desarrollado sus brazos y sus bíceps. Su sección media es plana y dura como una roca. Sus muslos son fuertes y bien formados y sus pantorrillas son delgadas pero musculosas.

Algunas personas no se sienten seguras haciendo sesiones de fotos desnudas porque no se sienten cómodas con su imagen corporal. Sin embargo, Jennifer Aniston deja claro que le gusta cómo es. Cuando aceptas tus defectos y trabajas en ellos, no hay necesidad de sentirse insegura por ellos.

Jennifer Aniston muestra su físico en una serie de poses atléticas. Su cuerpo es esbelto y definido. Sólo podemos suponer que ha estado entrenando sin parar para conseguir una figura tan impecable, pero ¿te has preguntado alguna vez qué tipo de rutina de entrenamiento daría los mismos resultados?

El cuerpo de Jennifer Aniston es una maravilla. Es belleza por derecho propio, pero también tiene la capacidad de hacer que otras cosas sean bellas a su alrededor, como las joyas y los vestidos y las manos de otras personas que se posan sobre ella. Es generadora de deseo, de culto y es casi imposible dejar de mirarla porque es toda tan perfecta… Incluso las imperfecciones apenas se notan: las pecas, los lunares y las líneas de expresión van apareciendo poco a poco, a medida que se conoce mejor su cuerpo.

Jennifer Aniston sabe lo que hace.

Sabe cómo trabajar con lo que tiene y al mismo tiempo ocultar lo que no quiere que se vea. Cada parte de su cuerpo parece diseñada con la intención de ser vista por los demás y, sin embargo, se las arregla para ser modesta y descarada al mismo tiempo. Su cuerpo es liso y de aspecto suave, sin bordes duros ni rasgos irregulares que pueden distraer la atención de su rostro. No hay grupos musculares pronunciados ni ángulos incómodos que delaten su edad real. Parece muy joven, pero segura de su madurez y seguridad en sí misma.

En el pasado, se invitaba a las famosas a posar desnudas en la revista Playboy o a quitarse la ropa para un papel en el cine. Hoy en día, Internet está lleno de millas de fotos y vídeos de famosos a los que cualquiera puede acceder con unos pocos clics. El público ya ha visto a muchas famosas desnudas, pero sigue teniendo la tentación de ver más y la tendencia ha sido adoptada por los principales medios de comunicación, como ESPN, la revista GQ y Sports Illustrated.

En una entrevista, Jennifer Aniston reveló algunos secretos sobre la forma de su cuerpo y cómo la consiguió. Al parecer no tiene ninguna dieta especial ni régimen de ejercicios. Lo que hace es más bien de sentido común: come alimentos saludables y hace mucho ejercicio.

Cuando se trata de estar en forma, hay varias cosas que deben preocuparte: tu dieta, tu rutina de ejercicios y la frecuencia con la que haces cada sesión. El cuerpo de Jennifer Aniston está en forma porque presta atención a los tres aspectos. No come comida basura todos los días y no come demasiado de una sola vez. Solo pequeñas porciones a lo largo del día para mantener sus niveles de energía elevados durante toda la jornada y dar a su mecanismo la oportunidad de trabajar adecuadamente. Esta forma de comer evita las dietas especiales que prometen una rápida pérdida de peso,

La poderosa pareja de Hollywood formada por Paul Newman y Joanne Woodward sería conocida como la pareja que disfruta de MUCHO sexo. Pero Paul no sabía realmente cómo complacer a una mujer hasta que Joanne sacó su caja de Pandora de caramelos y la abrió por completo dentro de una habitación especial a la que se referían cariñosamente como la “choza del sexo”.

Newman y Woodward: La pareja de Hollywood que disfrutó de mucho sexo

Newman examina su relación con su propia sexualidad y la sensación de que, si bien las mujeres de todo el mundo lo ven como un dolor de corazón, gracias a películas como Cool Hand Luke, The Hustler y Butch Cassidy and the Sundance Kid, en realidad no lo es. Se sintió sexy hasta que conoció a su esposa, Joanne Woodward. Su vida sexual era el lugar para recibir verdaderos premios Oscar y elogios, ya que su matrimonio estuvo lleno del tipo de drama que esperarías de dos leyendas de Hollywood. “Incluso si mis hijos vinieran, íbamos a Fuck Hut algunas noches a la semana y éramos íntimos, ruidosos y sensuales”, escribió Newman. Ahora que no puedo evitar ver a Paul y Joanne irrumpir en su amada cabaña y arrancarse la ropa violentamente, Joanne comenzó a volver a Paul como un gato en un cálido techo de hojalata.

Y a Joanne no le gustó nada. Como atestigua el documental en seis partes de Ethan Hawke sobre su difunta madre, esta relación cariñosa pero profundamente complicada y la personalidad inquieta e infeliz que subyace al encanto de Newman en la pantalla son sólo algunos de los elementos que conforman una vida extraordinaria

+ en: Apparently, Paul Newman Learned Everything He Knew About Sex From His Wife Joanne Woodward

Paul Newman era uno de los actores más queridos de Hollywood.

Por eso, cuando murió los fans de todo el mundo lloraron su pérdida.

Su historia de amor junto con una mirada entre bastidores a la personalidad inquieta e infeliz que se escondía tras el encanto de Newman en la pantalla se detalla en el documental de Ethan Hawke.

En su nuevo documental sobre Paul Newman, repasa la vida y el legado de la difunta estrella. Además de mostrarnos el trabajo del actor y sus esfuerzos filantrópicos, Hawke también revela algunos secretos que hasta ahora eran desconocidos por todos, excepto por unos pocos.

El documental de Ethan Hawke sobre Paul Newman y Joanne Woodward es un convincente retrato de uno de los matrimonios más duraderos de Hollywood.

Newman era tanto una estrella de cine como un protagonista, con sus ojos azules y su famosa sonrisa. Protagonizó algunas de las películas más queridas de Hollywood.

La pareja tuvo una vida en común de bajo perfil. Eran personas privadas que rara vez aparecían en alfombras rojas o hablaban de su vida personal en público.

Redford recuerda que Newman “tenía un verdadero sentido de lo que estaba sucediendo en el mundo y la conciencia de que estaba cambiando muy rápidamente” durante su tiempo juntos.

Añadió que “era una de esas personas que simplemente tenía esa cualidad de ser más grande que la vida”.

Futurama es una exposición retrofuturista, cuyas piezas reflejan cómo la gente de los años 50 vio el siglo XX, el mundo del futuro. El nombre de la exposición no está inspirado en la mundialmente famosa serie de animación, como muchos podrían pensar, sino en una exposición real de la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Al permitir a los visitantes ver una mirada retrospectiva hacia el futuro, esta exposición ofrece la oportunidad de reflexionar sobre cuestiones eternas relativas a la relación del hombre con la tecnología y su pasado y futuro. La identidad de esta exposición comenzó con un tipo de letra original que crearon con FontLab; el objetivo al hacerlo era transmitir el estilo de las ilustraciones que se encuentran en estos cómics.

Toda la ciudad futura de Tecnópolis está inspirada en los cómics y artículos de prensa de los años 50 sobre inventos futuristas, como: robots, coches voladores, el jetscalator, cirugías sin sangre, educación con botones, centros urbanos rejuvenecidos, correo con cohetes.

Kela Coto

Por otro lado tenemos la obra de Kela Coto, que nos transporta a un mundo futurista en el que la tecnología y la naturaleza son protagonistas.

La tendencia actual en decoración es el “minimalismo”, un estilo que se concentra en la función más que en la forma. Es un estilo para personas menos materialistas y más conscientes del medio ambiente. Esta es la dirección que ha tomado la decoración, pero ¿llegará para quedarse?

+ en: Futurama Exhibition Identity Design – World Brand Design Society

Futurama – El museo de ciencia ficción más grande del mundo es una creación de David Calkins. Se inspiró en los cómics de los años 50 y en los artículos de los periódicos sobre inventos futuristas, como: robots, coches voladores, el jetscal…

La obra mágica de la vida es una experiencia real, insustituible y con mucho cuerpo, especialmente en el caso de un evento como la Feria Casa Decor.

En el marco del 8 de marzo Día Internacional de la Mujer se INICIA AMCEXPONE, una exposición fotográfica y videográfica ITINERANTE sobre las principales mujeres compositoras españolas de los diferentes géneros musicales (sinfónico, audiovisual, popular, jazz, electrónico y flamenco), la cual tiene como fin unificar, dignificar y visibilizar su trabajo.

         AMCEXPONE reúne un total de 27 retratos, homenajeando a reconocidas creadoras musicales que sirven de referente a otras artistas y a la sociedad.

         Las autoras han sido seleccionadas cuidadosamente no solo por su gran valor humano y liderazgo, sino también  por su  trayectoria y trascendencia profesional.

         AMCEXPONE contiene el testimonio videográfico de las 27 compositoras, en el que se aborda la brecha de género en la Industria Musical, el cual está DISPONIBLE EN NUESTRA PÁGINA DE YOUTUBE @AMCEMUJERES.

El dia 13 de febrero es la Rueda de Prensa de la exposición en el Conde Duque a las 19,00h. donde asistirán la mayoría de las Artistas.

Tecnópolis: Una exposición retrofuturista (y otras por el estilo)

En 2014, Covergirl fichó a Katy Perry para que se convirtiera en embajadora de la marca. La vinculación se produjo durante el lanzamiento de una nueva canción del álbum Prism de Katy Perry, que salió a la venta el 22 de octubre de 2014.

El lanzamiento de Prism y los singles que lo acompañarían fueron muy esperados por los fans y los expertos de la industria desde que Perry anunció su asociación con Covergirl.

La estrella del pop ha sido otra de esas que se apuntan, oportunista y demagógicamente, a defender los derechos de los homosexuales y a presentarse como una aliada del “colectivo” LGBTQ, como si estos y estas tuvieran derechos disminuidos o merecieran derechos diferentes a las demás personas por razón de sus preferencias sexuales.  Incluso fue noticia cuando se pronunció en contra de las leyes de libertad religiosa que se estaban aprobando en estados como Indiana y Arkansas, afirmando que eran discriminatorias para los homosexuales.

Perry aparecería en numerosos anuncios impresos y comerciales de Covergirl que se emitirían en canales de televisión como MTV, VH1 y E!, así como en línea a través de redes sociales como Facebook y Twitter.

También protagonizará una serie de cortometrajes para la campaña “Get Your Look” de Covergirl. La serie consta de tres cortos que se estrenaron en abril, mayo y junio.

Además de los productos, Covergirl también lanzaría una colección de edición limitada con Perry llamada “Katy Kat” que consta de barras de labios, máscaras, sombras de ojos, esmaltes de uñas y brillos.

¿Cuando van a dejar estos ricos, famosos, poderosos de la industria y del Mercado global de aprovecharse de las personas que tienen una preferencia sexual determinada puesta en evidencia por ellos y ellas mismas? Ser homosexual no merece, como tampoco el ser hetero, el estar constantemente siendo objeto de campañas demagógicas de los ricos mediáticos y de los políticos. ¡Dejen de usarnos a las personas para sus fines políticos y para hacer dinero a nuestra costa! !Dejennos follar con quien nos dé la gana y no nos utilicen por ello! ¡Son todos ustedes, y tú Katy, también, unos HIPÓCRITAS DESPRECIABLES!

Cuarteto de Fabrizio Bosso

El nuevo trabajo de WE4, el Cuarteto Fabrizio Bosso llega a la Casa del Jazz el 22 de julio.

Creado inmediatamente después de la epidemia de coronavirus, WE4 trae consigo la conciencia del valor de hacer música buenos músicos juntos y cómo puede convertirse esto en un proyecto de intercambio profundo que continúa más allá del escenario.

En el directo de dos volúmenes “State of The Art”, lanzado en 2017, Fabrizio Bosso habló del estado de su música y la consideró con todas las intenciones y propósitos como el comienzo de un nuevo viaje con tres extraordinarios compañeros: Julian Oliver Mazzariello , Jacopo Ferrazza, Nicola Angelucci.

Así, tras innumerables conciertos por todo el mundo y años de continuo enfrentamiento, WE4 es una representación completa, en sonido, interacción y composición, del intercambio total. De hecho, el nuevo repertorio incluye composiciones originales que todos escribieron específicamente para esta formación, una composición a cuatro manos de Fabrizio Bossa y Julian Oliver Mazzariello, y dos composiciones firmadas por cuatro.

+ en: Fabrizio Bosso quartet alla Casa del Jazz

Para entender la cultura taurina: Conoce la Evolución de la tauromaquia desde sus inicios hasta la actualidad.

La arqueología nos ha demostrado que el toro era el animal sagrado de las civilizaciones prehelénicas, presente en la mitología con el famoso Minotauro y en el arte, como aparece en los frescos del palacio de Knossos. Pero desde entonces hasta hoy, en que te puedes encontrar buscando en internet entradas plaza de toros de las ventas para poder asistir a tu espectáculo favorito, han pasado muchas cosas…

Para escribir esto busco inspiración unos minutos en un fresco de una escena taurina en el Palacio de Knossos. Ahora la puedo encontrar fácilmente en pinterest, o sea, en la Red. Sin embargo, el nacimiento de la tauromaquia como arte se encuentra muy lejos en el tiempo, en la historia, precisamente en la cultura romana.

Al principio esto formaba parte de los espectáculos con gladiadores, fieras… pero con el emperador Constantino se suprimieron, aunque no en Hispania, que continuaron, dado el inmenso interés que despertaba en la población. Probablemente por que el toro español era mucho más bravo y violento. Quizás esto se deba a la aridez y sequía de los terrenos donde se cría dicho ganado.

Por tanto, la tauromaquia tiene su origen en los tiempos de la antigua Hispania romana. Como es de suponer, esta cultura influyó mucho en la aparición de la tauromaquia a través de sus exhibiciones en anfiteatros y circos.

La Edad Media supuso la consolidación de la tauromaquia

Por supuesto, hasta la Edad Media no podemos decir que la fiesta sentó sus bases como tal. Varios siglos después, la tauromaquia triunfó, sobre todo, en España, en el sur de Francia y en América. Fue una fiesta considerada fabulosa, gloriosa y heroica, y aceptada entonces sin discusión.

En un principio, la tauromaquia se practicaba no sólo a pie, sino también a caballo. Más tarde, esta figura a caballo evolucionaría hacia los picadores, que brillarán junto al torero en los tiempos modernos, entre colores como el rojo y el dorado, sin duda los colores del toreo.

Cada corrida era sinónimo de fiesta, de vacaciones, de placer. Palabras como sacrificio, sangre o muerte no cruzaban por la mente de nadie. La corrida era vista como un baile, un distinguido vals entre el toro y su adversario, el torero.

Aunque la tauromaquia tuvo mucho éxito en España y fue un símbolo nacional, hubo reyes que menospreciaron esta fiesta. Hubo monarcas que llegaron a odiar este espectáculo y trataron de eliminarlo. Incluso el Papa Pío V en el siglo XVI prohibió las corridas de toros porque, según él, eran contrarias a la compasión cristiana.

Los Reyes Católicos, por ejemplo, no lograron abolirla por completo, pero la cancelaron. La excusa fue que había una influencia árabe y querían borrar todo rastro musulmán de la cultura de Castilla y Aragón.

Julio César y la tauromaquia

En la obra ‘Tauromaquias Aragonesas’, de Alfonso Zapater, se señala ya que “el origen de la tauromaquia es incierto, y aunque no parece muy probable, otros historiadores atestiguan que la tauromaquia, en su versión inicial , surgiría en Grecia, pasando después a Roma”.

Zapater recoge en esta misma obra la idea de otros historiadores, que defienden que “el emperador Julio César le tomó afición a los toros e hizo algunas innovaciones para mejorar su práctica, en particular la introducción de la pica. Y es que en los circos romanos tenían lugar las veneraciones. Eran peleas de gladiadores, algunos de ellos especializados en lidia con toros. A su equipo habitual, formado por una espada y un escudo, parece que se le añadió una tela roja, que servía para distraer al animal, y que evolucionaría hasta convertirse en la capa que conocemos hoy.

Las primeras corridas de toros en España

El origen de la tauromaquia en España se remonta a las primeras corridas de toros que, según está documentado, datan del siglo XII. Son actividades que se han tomado con un aire festivo y lúdico. La primera corrida de toros documentada tuvo lugar en 1128, cuando se casaron Alfonso VII de Castilla y Berenguela de Barcelona. Tuvo lugar en la ciudad de Saldaña. La crónica de la época recoge: “… en que Alfonso VII se casa en Saldaña con doña Berenguela la hija del Conde de Barcelona, ​​entre otras funciones también hubo corridas de toros”.

Las corridas, por entonces, requerían una completa organización en la que participaban un buen número de profesionales y empresas que constituían un complejo entramado de relaciones e intereses.

Con la ayuda de una noble prostituta, dos cazatalentos tienen que “persuadir” a un ingenioso científico japonés para que cambie de empleador.

new rose hotel: Una película de fascinante ambigüedad y sugerente ciencia ficción

Es demasiado tarde para darse cuenta de que ellos mismos han sido utilizados para ayudar a derribar a la alta dirección. Una película de fascinante ambigüedad, que con su sugerente ambiente de ciencia ficción y juegos de rol, que difícilmente pueden pasarse por alto en un estilo narrativo fragmentado, evoca el fin de la libertad individual.

Género : Drama, Misterio, Ciencia ficción
Idioma : Alemán, Inglés /

London Boys es parte de la caja Brilliant Adventure e incluyen una banda que tocó en Glastonbury y también grabó el álbum TOY. Sin embargo, The London Boys no formaba parte de la transmisión original de BBC TV.

Bowie es simplemente increíble, cada vez que veo este espectáculo, es como un golpe en el corazón. Uno de mis favoritos de los 60 y muy buena esta versión actualizada de Toy y su voz…

Muchas de sus primeras cosas son muy adecuadas para bandas sonoras de películas en los años 60 e incluso ahora. Fue maravillosamente prolífico durante su vida. ¿Fue esta su primera gran canción?

David Bowie figura en el puesto 23 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. El legendario músico inglés David Bowie murió pocos días después del lanzamiento de su último álbum Blackstar. El artista británico, famoso por su extravagante alter ego: Ziggy Stardust, fue considerado una de las más grandes estrellas de todos los tiempos y ocupa el puesto 23 en la lista de los 100 mejores cantantes de los Rolling Stones.

Letra The London Boys

Cow bell strikes another night
Your eyes are heavy and your limbs all ache
You’ve bought some coffee, butter and bread
You can’t make a thing cause the meter’s dead
You moved away
Hold your folks you’re gonna stay away
Bright lights, Soho, Wardour street
You hope you make friends with the guys that you meet
Somebody shows you round
Now you’ve met the London boys
Things seem good again, someone cares about you
Oh, the first time that you tried a pill
You feel a little queasy, decidedly ill
You’re gonna be sick, but you mustn’t lose faith
To let yourself down would be a big disgrace
With the London boys, with the London boys
You’re only seventeen, but you think you’ve grown
In the month you’ve been away from your parents’ home
You take the pills too much
You don’t give a damn about that jobs you’ve got
So long as you’re with the London boys
A London boy, oh a London boy
Your flashy clothes are your pride and joy
A London boy, a London boy
You’re crying out loud that you’re a London boy
You think you’ve had a lot of fun
But you ain’t got nothing, you’re on the run
It’s too late now, cause you’re out there boy
You’ve got it made with the rest of the toys
Now you wish you’d never left your home
You’ve got what you wanted but you’re on your own
With the London boys
Now you’ve met the London boys (3 times)

https://www.davidbowie.com/

En 1976, después de llegar a Nueva York a los 20 años, su primer trabajo como modelo fue para Vogue.

Sin embargo, esta no fue su primera sesión; sucedió un año antes en Kenia. Allí, por casualidad, conoció al libertino fotógrafo y aventurero Peter Beard. Cuando Peter propuso una sesión de fotos, aunque nunca podría haber imaginado la trayectoria que se pondría en marcha, al menos pudo ver la negociación de una cantidad igual a su matrícula, y se llegó a un acuerdo.

Cómo la revolucionaria portada de Vogue de Beverly Johnson cambió la moda para siempre

Peter Beard trajo sus fotos a Nueva York, y poco después también a ella.

Helmut Newton: hechos desnudos

Quince locos y silenciosos años después, tenía treinta y tantos años y la inevitable encrucijada estaba al alcance de la mano. Se acercaba una clase de modelos de primer año: Linda, Christy, Naomi, Cindy. Esto, combinado con su propia inquietud, le hizo darse cuenta de que era hora de comenzar un nuevo capítulo. Además, parecía prudente hacer una excursión antes de que le mostraran una.

Anunció por todas partes que colgaría oficialmente sus patines de modelismo. Su partida fue anunciada por una sesión final de “adiós”.

Había puesto sus ojos en Los Ángeles con el objetivo declarado de dedicarse, ¿qué más?, a la comedia. Aunque logró hacer algunas películas, terminó asociando a la Ciudad de los Ángeles con eso. Fue aquí donde conoció y se enamoró de su eterna alma gemela, el Sr. David Bowie. La vida para ella cambió fundamentalmente.

Sin embargo, le encanta trabajar. En LA en 1993, comenzó a desarrollar Iman Cosmetics. Esta nueva aventura, y también esta nueva pareja, finalmente les llevó a David y a ella a ser fotografiados por el supremo Irving Penn. El conmovedor estudio de Irving Penn sobre marido y mujer, 1994.

En el set, había pocas manos en la cubierta: solo el Sr. Penn, su editora de confianza Phyllis Posnick desde hace mucho tiempo y algunas otras personas. No hubo nada del alboroto y la exageración habituales que tan a menudo caracterizan una sesión.

En 1998, Vogue atribuyó una historia a su compatriota somalí y hermana modelo Waris Dirie, quien entonces, como víctima y defensora, trajo valientemente la horrible práctica de la mutilación genital femenina a la atención del mundo. Dado que el procedimiento prevalece en Somalia, así como en muchas otras partes de África, la eligieron para realizar la entrevista. Dada la naturaleza traumática de la historia de Waris, estaba verdaderamente agradecida de estar allí para ofrecerle solidaridad y protección maternal.

Cuando Vogue organizó su sesión con Herb Ritts, el mundo acababa de cumplir el año 2000. Tenía 44 años y esperaba un hijo, su segunda hija. Excepto por una tobillera, se encontró desnuda ante la cámara. Pero esta vez se trataba de un desnudo de Herb Ritts, un contrapeso soñador e inocente al de Mr. Newton.

Dos obsequios, Bruce Weber y Grace Coddington, trabajando en un portafolio sudafricano de 1995 con David y ella, fue una gran experiencia. Bruce llevó optimismo y alegría; Grace baúles llenos de ropa vintage de mediados del siglo XX. Por una vez, no era solo ella retozando para la cámara;  su marido también saltó. No parecía una sesión de fotos, sino más bien una elegante segunda luna de miel que casualmente incluía a un fotógrafo y estilista extraordinario: eran un feliz grupo de cuatro sueltos en Sudáfrica. Las fotografías deben su brillantez a la brillantez de Bruce al sentir el momento en que convergen el placer, la picardía y la intimidad. Fue durante esta sesión que Bruce creó el retrato favorito de David: dos recién casados ​​besándose a escondidas, pero con David, todavía el caballero, bloqueando el momento con su sombrero por cortesía. A David le encantó esta foto por su juego de intimidad: un beso que se captura, pero fuera de la vista.

+ en: Iman Looks Back at 41 Years of Iconic Photographs in Vogue

Le gusta tocar el violín, bailar, escribir música, editar videos, vestir y actuar.

Así que lo puso todo junto un día y lo que vemos en sus vídeos y en sus actuaciones es lo que sucedió.

Lindsey Stirling es una valiente. Lo suficiente como para soñar siempre en grande. Su versión revolucionaria de la música electrónica de violín le ha valido millones de fans en todo el mundo, cuatro listas de Billboard encabezando, una certificación RIAA Gold por su segundo trabajo, Shatter Me, y dos premios Billboard Music Awards.

Tras la cancelación de sus giras de 2020 debido a COVID-19, Lindsey financió y realizó un concierto virtual en vivo que llegó a más de 100,000 espectadores.

El año 2021 comenzó con el lanzamiento de “Lose You Now”, un sencillo con el artista / productor Mako. 

El álbum lanzado en 2019 fue aclamado por la crítica y debutó en el puesto número 1 en la lista de álbumes electrónicos / dance.

https://www.lindseystirling.com/

The Lindsey Stirling Christmas Program
Secure your access to Lindsey Stirling’s VIP Ugly Sweater Christmas Party here

Nov 26 | Memphis, TN | Cannon Center For the Performing Arts

Nov 27 | Shreveport, LA | Shreveport Municipal Auditorium

Nov 29 | Oklahoma City, OK | The Criterion

Nov 30 | Wichita, KS | Orpheum Theatre

Dec 1 | Ames, IA | Iowa State Center – Stephens Auditorium

Dec 2 | Grand Rapids, MI | Van Andel Arena

Dec 3 | Madison, WI | The Sylvee

Dec 4 | Peoria, IL | Peoria Civic Center Theater

Dec 6 | Nashville, IN | Brown County Music Center

Dec 7 | Rockford, IL | Coronado Performing Arts Center

Dec 8 | Columbus, OH | Palace Theatre

Dec 10 | Binghamton, NY | Visions Veterans Memorial Arena

Dec 11 | Buffalo, NY | Shea’s Performing Arts

Dec 13 | Pittsburgh, PA | Benedum Center for the Performing Arts

Dec 14 | Providence, RI | Providence Performing Arts Center

Dec 16 | Reading, PA | The Theatre At The Santander Arena

Dec 17 | Charleston, WV | Charleston Municipal Auditorium

Dec 18 | Augusta, GA | William B Bell Auditorium

Dec 20 | Columbia, SC | Koger Center for the Arts – Gonzales Hall

Dec 21 | Huntsville, AL | Von Braun Center – Mark C. Smith Concert Hall

Dec 22 | Mobile, AL | Saenger Theater

Dec 23 | Jackson, MS | Thalia Mara Hall

TICKETS

artistas del hiperrealismo y sus obras

Martín Buscaglia es un cantante de interesante trayectoria. Uno de esos músicos uruguayos que representan el futuro de la música latina.

¿Conoces la canción llamada “Oda a mi bicicleta”? Martín Buscaglia habla con orgullo indisimulado, de haber sabido rodearse de una hermandad de músicos polifacéticos a los que llamó Bochamakers, los perfectos cómplices de sus aventuras musicales. Os hablaré de Martín Buscaglia como uno de los referentes de la música uruguaya, un artista que sabe que puede seguir dando cosas muy positiva al futuro de la buena música latina.

Con los Bochamakers, se presentó un miércoles y jueves en el Salón Zavala Muniz, y ese fue el día en que supe de su existencia, porque llegó a mi la entrevista que haría a uno de los medios especializados en música. Aquél día Martín Buscaglia puso el piloto automático y dió una lección sobre cómo debe ser el espectáculo.

Él dice que incluso el aspecto moral de un artista no importa, pero si cuenta el momento de la vida cotidiana para subir al escenario. “La escena -comenta- es la de las personas que están frente a ti. Es por eso que o amas a un artista o lo odias”. “El yo más puro está aumentando, pero no puede vivir a este nivel de intensidad. No puedes vivir así todo el tiempo, aunque en este punto quizás eres un ninja, y estás muy concentrado y relajado. Y otro día lo resumimos todo en ON y Om, así que tenemos que subir al escenario, con estas dos posiciones simultáneas, que no se repelen”.

Si, los argumentos de Martín no están exentos de algo que yo calificaría como “filosofía cuántica”… Loe entiendes, o no, pero algo te dice que sabe de lo que habla, y tiene razón…

Su camino, en la música en particular, lo ve en las capuchas. En Hugo Fattoruso, no puede evitar ser él mismo aunque toque candombe, acompañe a No Te Va Gustar o se vaya de gira por Japón para hacer alguna locura. Sintió algo nuevo por un tiempo, mientras grababa también, pero cuando toca en vivo se siente como si lo pusiera todo a prueba más a diario, como en un paseo en la música que trasciende la canción. Se nota que siente que está tocando para la música, y que en su caso, la canción es una de las herramientas que más usa, pero no es el objetivo final.

Podemos decir que no somos muy amantes de la música, que no nos importa tanto quién toca y no sé qué, pero a él le parece que la música es algo inherente a la gente, como la religión. Hay que sumergirse en la grandeza de la vida. El periodista Enrique Symns dijo una vez que el artista es una especie de chamán, que se conecta con algo supremo, llamémoslo energía.

Estas son palabras devaluadas por años de libros de texto de autoayuda, pseudo-disciplinas místicas, posmodernismo, redes sociales, que tienden al sarcasmo, el comentario irónico y la retórica. Hay mucho miedo con algunas palabras, y ellas no son responsables de nada. Cree que gusta la música, su música y supone que esta habilidad es algo que puedes sacar de ti mismo. No cree que puedas generar arte si no lo tienes dentro. Le doy la razón, los artistas que amas tienen eso, siempre.

En alguna ocasión ha comentado como con alguno de sus proyectos se adentraba en una experiencia que hipotéticamente podría cerrar todas las puertas ya abiertas. Uno de los muchos proyectos que Buscaglia definía así era un disco a dúo con Antolín, uno de los músicos más distintivos de la música popular nacional, famoso en los años inmediatamente posteriores al fin de la dictadura militar.

El entusiasmo de Buscaglia es palpable cuando habla de aquél disco. Lo definió como un récord, una experiencia. Como si se diera cuenta de que tenía que hacerlo. Todo empezó cuando llamó a Antolín para grabar solo tres o cuatro canciones. Quería regalar estas canciones a sus amigos que son fanáticos de él. No fue para hacer algo enorme.

La idea fue creciendo hasta alcanzar un récord. Ve que Antolín tiene una locura que le hace poseer casi todo lo que debería tener un artista, y cosas de las que otros carecen, él las tiene. Aunque simplemente desordenado, es fascinante. Lo que hizo fue intentar imaginar lo que estaba escuchando en su cabeza. En lugar de perseguirlo, trató de anticiparse porque tocaba con otros músicos adictos a un aspecto de libertad que está en sus canciones.

Y aparecieron cosas de free jazz, por ejemplo. Pero no escucha el free jazz en su cabeza, sino el Clan Club. Así que intentó avanzar, no retroceder.

Evidentemente, hacer un disco con Antolín fue para él una experiencia muy diferente a hacerlo con Kiko Veneno. Hipotéticamente, hacer un disco con Kiko te abre muchas puertas, porque es un músico famoso en España y así lo reconoce. E hipotéticamente, hacer un disco con Antolín los cierra todos. Habrá personas a las que les guste lo que hace, y lo sabe, como que escucharán ese disco y dirán: ¡nunca lo volveré a escuchar!

Uruguay, Pepe Mujica y más cosillas…

Si, hasta Kusturika está haciendo un documental sobre él. Buscaglia no tiene un sentimiento patriótico exagerado en absoluto. La pregunta de dónde naciste y las fronteras que te rodeaban cuando naciste le parece un tanto azarosa… Cree que una singularidad que tampoco se repetirá: es él mismo. Tiene una visión humanista propia.

Recuerda cuando murió Spinetta, pensó: “dije, qué bien en Argentina le permitieron a alguien con música tan distorsionada, música tan opuesta, no contra ella, sino por un camino propio de las modas, hacer que pudiera vivir de lo que quería. Lo hizo, lanzó muchos discos, jugó, se dio a conocer. En Brasil pasa lo mismo con Milton Nascimento, que está muy loco con lo que hace y canta, es increíble. Y es tanto que supera la media, que lo aceptó ”.

¿Puede estar mal? … “Obviamente siempre me equivoco, pero espero que no me salpique. En todo lo demás no confío. En unos un poco, en otros nada, pero es alguien que conoces que está haciendo campaña por un futuro mejor, que suena a: ¡Qué horrible es cuando las frases se agotan! Entonces oyes “por un futuro mejor” y eso suena a propaganda política o propaganda de Coca-Cola ”.

Y salió la ley de igualdad en el matrimonio, la ley del aborto, de la marihuana; todas las cosas que allí, que en el futuro, vistas en retrospectiva, parecerán un poco como una segunda Edad Media, en una época en la que todo eso estaba prohibido.

¿Que ven los clientes en la prostitución? ¿Somos conscientes que el arte de la prostitución ha sido parte de la historia?

Es una causa noble proteger a las mujeres y el honor de la familia, pero supongamos que estas cosas ya están pasadas de moda… ¿Lo están? ¿Se trata de una batalla perdida? La prostitución no solo cumple una función sexual, también lleva la semilla del arte partiendo de lo más secreto y pecaminoso del pensamiento occidental.

La sexualidad no es solo sexo, es política, es una estrategia de libertad, no se escapa de la filosofía, la arquitectura o el arte. Incluso cuando buscas putas de granada, de algún modo te estás relacionando con la historia del arte…

En una exposición de arte muy conocida por su actualidad, un transgénero de Barcelona, fue invitado como comisario de espacios públicos y argumentaba no muy a favor de los filósofos que sueñan con transformar la sociedad cambiando valores. Si la filosofía es una forma de vida, es posible que los filósofos catalanes del futuro nos hablen sin pudor sobre escorts, sexualidad y hasta de putas de lleida. 

Más allá de la reputación, hubo un momento en el siglo XIX en que lupanares y prostitutas inspiraron a artistas que superpoblaron París. Esto se refleja en una exposición en el Museo de Orsay. Pero no esto no enlaza el arte con una casa de putas granada. No, pero rizando el rizo podemos llegar a conseguirlo.

El trabajo de Cezzane en el Museo D’Orsay

En ese momento, no solo los burdeles, sino la prostitución se filtraba por todos los poros de la ciudad y se legalizaban incluso porque su práctica era vista como un mal necesario para apaciguar la ferocidad de las pasiones. Durante un tiempo, el Musée d’Orsay, en colaboración con el Museo Van Gogh de Amsterdam, ofrecía una mirada documentada y en profundidad a la exposición “Gloria y miseria. Prostitución 1850-1910”.

Es difícil pensar en un pintor de esa gran época del arte que, al salir del trabajo, no podía apartar la vista de estas prostitutas que podían encontrar lo mismo que una copa de vino en un café de la calle. Las mismas que jugaban a las cartas en un burdel hasta que llegaba el próximo cliente.

Las paredes de la casa cuidadosamente seleccionada de Orsay fueron realizadas por Paul Cézanne, Édouard Manet, Edgar Degas, Vincent Van Gogh, Frantisek Kupka, Edvard Munch y Pablo Picasso. Y, por supuesto, delante de todos está el nombre que salta como un resorte en cualquier viaje mental al París del siglo de Moulin Rouge y Folies Bergere: Henri de Toulouse-Lautrec.

Las prostitutas de Toulouse-Lautrec recuerdan a los comisarios de la exposición, no a “femmes fatales” o víctimas, sino a mujeres con una profesión que se fusiona con otra profesión de mayor renombre en su día. Por eso arrojan melancolía en el camino al trabajo, como el aburrimiento mientras matan el tiempo, o la concentración para intentar ganar algo de dinero y así saldar sus deudas con “madame”.

Tampoco es extraño que algunas de las obras del genio enano estuvieran colgadas como decoración en uno de sus lupanares favoritos, la calle Amboise de París. ¿Ves como no es descabellado pensar que también pudiera haber una obra de arte similar en un burdel de Girona, Jaén o Sevilla?

En ese momento, no solo los burdeles, sino la prostitución se filtraba por todos los poros de la ciudad y se legalizaban incluso porque su práctica era vista como un mal necesario para apaciguar la ferocidad de las pasiones del hombre. 

El nacimiento de la ‘robosexualidad’

La prostitución sintética está en auge en lugares como China y está empezando a ganar terreno en otras partes del mundo. Los burdeles llenos de estas muñecas se han extendido a megaciudades como Shanghai, Beijing, Chengdu y Tianjin. El diario ‘China News’ confirma que algunas de estas ciudades tienen decenas de estos lugares con clientes fieles.

Pero no es sólo China. El año pasado las exportaciones mundiales de estos sintéticos masculinos y femeninos, se están disparando, aumentando un 50% en la primera mitad de 2020. En la empresa Real Doll los fabricantes asumen que la pandemia ha motivado este aumento de la demanda, pero cada vez más personas aceptan esta “amistad sexual” como una parte más de su sexualidad.

No son solo hombres, también hay personas con una rica vida social que prefieren tener relaciones sexuales con estos hombres y mujeres sintéticos antes que tener una pareja humana. Incluso hay parejas que los combinan como juguete sexual. Es una industria que tendrá una facturación de más de $ 30.000 millones en 2021 y tendrá una facturación superior a los 52.000 millones en 2028. Este tsunami de rápido crecimiento ha hecho que muchos científicos y futuristas hablen sobre el nacimiento de la robosexualidad. 

La prostitución en la época de Cervantes

El 1 de enero de 2016 comenzaba el año de Cervantes, dedicado al cuarto centenario de la muerte del príncipe de los genios español, el escritor en lengua española más famoso de todos los tiempos. Y proliferaron por todas partes homenajes, lecturas y actos diversos dedicados a restaurar la figura y obra del Manco de Lepanto.

Aprovechando que el 22 de abril se celebraba el 400 aniversario de su muerte, pudimos recordar aquél año a algunos de los personajes de la mayor parte de la literatura de nuestro llamado Siglo de Oro, a menudo secundarios, a veces protagonistas: las prostitutas.

No hay ciudad en el mundo donde se puedan ver más prostitutas a cualquier hora del día que en Madrid. Las calles y paseos están llenos. Tienen total libertad en Madrid porque las damas casi nunca salen. Esto lo decía entonces Antoine de Brunel…

Siglo XVI.

Madrid es el lupanar más grande de Europa. Según el libro de Néstor Luján. La vida cotidiana en el Siglo de Oro español, en la calle, convive con muchos burdeles donde los hombres de la clase alta van a lucirse; o en la calle Luzón, que era más visitada por los comerciantes y turistas de la época.

Las aulas más concurridas tientan en la abarrotada Plaza del Alamillo, y los peores clientes, los más peligrosos, hacen lo propio en la Calle Primavera. Al menos tanto escándalo y tanto libertinaje acabó en la Segunda Guerra Mundial. Hasta que Felipe hizo que los alcaldes trasladaran gran parte de estos burdeles a los barrios más secretos de San Martín y San Juan.

Todo quedaba ordenado y las arcas del Imperio, donde nunca se pone el sol, se nutrían generosamente de esta profesión.

Moscú

¿Que nos dice la historia de cosas como los fertilizantes orgánicos? ¿Que nos enseña el arte ecológico en la historia de la agricultura?

El arte ecológico busca promover un cambio en la conciencia humana para fortalecer las relaciones entre arte, cultura y sustentabilidad. Su trabajo fue ante todo un arte que exploró la necesidad de proteger el medio ambiente en el que viven los seres humanos. Hoy en día empezamos a valorar cosas como los fertilizantes ecologicos pero hasta aquí se ha hecho un largo camino de concienciación, y el arte, así como la cultura en general, han influido.

La agricultura ecológica se orienta según los fenómenos que rigen la naturaleza en sus diferentes ecosistemas. Los agricultores orgánicos tratan de preservar los elementos del entorno natural y restablecer el equilibrio orgánico en sus campos de cultivo. Los fertilizantes contribuyen positivamente a reducir las emisiones totales de la agricultura: gases de efecto invernadero que causan el calentamiento global y amoníaco que contamina el aire.

Aunque las emisiones de amoníaco de los fertilizantes representan una proporción relativamente pequeña de las emisiones totales de amoníaco de la agricultura, son más fáciles de controlar.

¿Por qué es importante controlar las emisiones de amoníaco?

El amoníaco tiene un impacto negativo en la calidad del aire y la salud humana. Durante los últimos años, hemos reducido las emisiones de N2O de producción de fertilizantes nitrogenados. Por ejemplo en Noruega esta reducción ha sido en un 85%. Un beneficio adicional de los fertilizantes de nitrato es que tienen un efecto acidificante más bajo, manteniendo un pH más saludable para la microflora del suelo.

ARTE Y NATURALEZA

Cuando hablamos de naturaleza en el arte, solemos pensar en paisajes. Este género pictórico fue venerado en Asia desde la Antigüedad y despreciado en Europa hasta que el barroco holandés lo destacó y lo exportó a otros países. Maestros de la pintura clásica como el flamenco Jacob van Ruisdael, el británico John Constable, el estadounidense Thomas Cole, el holandés Vincent Van Gogh o los franceses Monet y Cézanne, entre otros, fueron reconocidos paisajistas.

La naturaleza también ha estado muy presente en otras artes visuales. Desde los jardines de Versalles de André Le Nôtre hasta esculturas como el Peine del Viento de Eduardo Chillida en San Sebastián o las fotografías del Parque Nacional Yosemite del californiano Ansel Adams, tuvieron como fuente de inspiración el mundo natural.

Asimismo, la arquitectura japonesa integra los edificios con el entorno y utiliza materiales vegetales como papel, bambú y madera.

¿Cómo se expresa el respeto ecológico en el arte?

El arte ecológico busca conectar al espectador con la naturaleza o cualquier tema que afecte al planeta a través de la fotografía, la escultura, la pintura, la danza, el teatro, la literatura, etc. … Es importante saber destacar las diferentes percepciones de los artistas sobre un problema particular de la crisis ecológica.

¿Qué es el arte ambiental o ecológico?

El arte ecológico, también conocido como arte ambiental o arte ecológico, trata temas relacionados con la ecología o el medio ambiente. Este tipo de arte intenta conectar con la naturaleza o con un problema que afecta la calidad de vida, por ejemplo, la contaminación ambiental.

¿Que nos enseña el arte y la historia del papel de los fertilizantes orgánicos?

Que favorecen la retención de nutrientes y permiten la fijación de carbono en el suelo, bacterias fijadoras de nitrógeno y fósforo, hongos benéficos y algas microscópicas. Mejoran la capacidad de absorción de agua del suelo, la aireación del suelo y equilibran el pH. Aumentan la actividad microbiana del suelo. Necesitan menos energía en su preparación. Permiten la recuperación de residuos orgánicos.  Reducen la contaminación de las capas freáticas por la lixiviación de nitritos y nitratos. Conservan la fertilidad del suelo y previenen la erosión.

Los alimentos cultivados con fertilizantes orgánicos contienen hasta un 60% más de antioxidantes que los alimentos convencionales y residuos de pesticidas y metales pesados ​​menos tóxicos. Por todas estas razones, son más respetuosos con el ecosistema.

¿Qué es el abono orgánico?

Por lo tanto, el abono orgánico ecológico también se conoce como fertilizante ecológico o fertilizante orgánico. Son materiales de origen vegetal, animal o mixto, que mejoran la calidad de los suelos sobre los que se aplican aportándoles nutrientes, materia orgánica y microorganismos.

Los mejores fertilizantes orgánicos

Los mejores fertilizantes ecológicos u orgánicos son la base de la agricultura orgánica. Si te dedicas a la agricultura ecológica, debes conocer bien los tipos de fertilizantes orgánicos disponibles y cómo utilizarlos. Además de nutrir el suelo, mejoran su estructura, favoreciendo la retención de agua y el intercambio de nutrientes en las raíces de las plantas.

En algunos de los principales fertilizantes orgánicos el contenido de nutrientes es muy alto, posiblemente contenga 12% de nitrógeno, 11% de P y 2% de K. Este fertilizante es el resultado de la descomposición de los desechos orgánicos por los gusanos. Uno de los gusanos más utilizados para este fin es el rojo californiano, que se ha adaptado muy bien a los suelos y condiciones climáticas de España.

El humus de lombriz de tierra se distingue por su alto contenido en bacterias, lo que lo hace especialmente recomendado para mejorar las propiedades biológicas de los suelos. Estos tipos de fertilizantes son plantas que no se cultivan para fructificar.

La principal ventaja de los abonos verdes es que proporcionan al suelo una gran cantidad de biomasa y nutrientes después de la descomposición, lo que ayuda a mejorar la estructura general del suelo.

Las principales ventajas del compost son que aumenta el contenido de materia orgánica a largo plazo, liberando nutrientes lentamente y mejorando las propiedades y estructura del suelo. Es muy completo, porque aporta al suelo tanto macro como micronutrientes esenciales para las plantas.

Si tienes una explotación ecológica, puedes utilizar muchos tipos de fertilizantes que sean adecuados para ella. Cada uno tiene unas indicaciones específicas, por lo que debes elegir la que te resulte más cómoda de manejar y que te brinde el máximo beneficio.