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El Renacimiento de la Laptop Retro: Nostalgia en una Máquina

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El Renacimiento de la Laptop Retro: Nostalgia, Arte y Tecnología en una Sola Máquina

Hubo un tiempo en el que las laptops eran enormes, pesadas y con pantallas de un verde fosforescente que nos hacían sentir como si estuviéramos operando una nave espacial soviética. Hoy, en la era de lo ultrafino y táctil, renace un fenómeno inesperado: el amor por las laptops retro. ¿Estamos ante un capricho nostálgico o hay algo más profundo en este regreso al pasado?

Las tendencias tecnológicas suelen mirar hacia el futuro, pero en los últimos años ha surgido un fenómeno inesperado: el regreso del diseño retro en la informática. La idea de tener una laptop con la estética de los años 80 o 90, pero con la potencia de un equipo moderno, ha conquistado a diseñadores, artistas y nostálgicos del mundo digital. Ya no se trata solo de rendimiento, sino de recuperar una identidad visual que alguna vez definió la computación personal: teclados mecánicos, carcasas robustas y pantallas monocromáticas que, lejos de quedar en el olvido, ahora se reinventan.

El Renacimiento de la Laptop Retro: Nostalgia, Arte y Tecnología en una Sola Máquina
El Renacimiento de la Laptop Retro: Nostalgia, Arte y Tecnología en una Sola Máquina

Más allá de la estética, esta corriente también es una declaración de principios. En una era de dispositivos desechables, donde cada año se lanza un modelo más delgado y efímero, algunos han decidido mirar atrás y darle nueva vida a su laptop con modificaciones inspiradas en el pasado. Desde restauraciones completas hasta fusiones entre lo antiguo y lo nuevo, la tecnología vintage no solo es un guiño a la nostalgia, sino una forma de desafiar la obsolescencia y recuperar el placer de interactuar con máquinas que tienen carácter.

Cuando lo Antiguo Se Convierte en Futuro

En el arte, en el diseño y en el ocio, el concepto de laptop retro está tomando por asalto nuestra percepción de la tecnología. No es solo una cuestión de estética, sino de filosofía: revivir el encanto de lo antiguo mientras se conserva la funcionalidad de lo moderno.

Las laptops de los años 80 y 90 tenían una identidad visual propia. Eran robustas, con teclas gruesas y pantallas monocromáticas que parecían desafiar a nuestros ojos. Sin embargo, en lugar de quedar relegadas al olvido, ahora son objeto de deseo. Y no hablo solo de coleccionistas, sino de creadores que están llevando esta tendencia a nuevos niveles.

El Arte de la Laptop Retro: Entre el Pasado y el Futuro

El diseño retrofuturista es una declaración de principios. Se trata de imaginar cómo la gente del pasado concebía el futuro y materializarlo en el presente. Es por eso que algunos entusiastas están tomando hardware moderno y encapsulándolo en carcasas de laptops clásicas. ¿Una MacBook con el diseño de una Apple PowerBook 1400? ¿Un ultrabook escondido dentro de una IBM ThinkPad 701C con su icónico teclado desplegable? Sí, estas creaciones existen y se ven impresionantes.

Pero no se trata solo de modificar hardware. El diseño gráfico también ha sido seducido por esta tendencia. Colores pastel, tipografía pixelada, acabados metálicos y líneas robustas están volviendo a aparecer en el diseño de interfaces y productos digitales. Los teclados mecánicos con teclas gruesas y sonidos de «clic» satisfacen un anhelo táctil que las pantallas táctiles no pueden ofrecer. La nostalgia vende, pero también inspira.

“El futuro no es lo que solía ser” – Paul Valéry

La frase del poeta francés nunca ha sido tan cierta. En el mundo digital, la carrera por la delgadez extrema y la hiperconectividad ha generado una fatiga tecnológica. La laptop retro se levanta como un acto de rebeldía, un recordatorio de que no todo avance es una mejora.

Ocio y Gaming Retro: Jugar Como en los Viejos Tiempos (O Casi)

Los videojuegos han sido, sin duda, uno de los motores principales del renacimiento de la tecnología retro. Emuladores, monitores CRT y teclados mecánicos son los pilares de una experiencia de juego que evoca tiempos más simples. Para algunos, jugar Doom en una laptop con Windows 95 es un placer casi ritual. Para otros, conectar un mando de Super Nintendo a una laptop moderna y ejecutar un emulador es la manera perfecta de fusionar lo viejo y lo nuevo.

Pero hay quienes llevan la experiencia aún más lejos. Instalar sistemas operativos antiguos en hardware moderno no es tarea sencilla, pero tiene su recompensa: revivir la sensación de usar Windows 98 en una máquina que no se bloquea cada media hora. La nostalgia aquí no es solo un capricho; es una forma de viajar en el tiempo, de recordar cómo trabajábamos, jugábamos y explorábamos la tecnología en otra época.

Más que una Moda: La Filosofía Retro en la Cultura Digital

Detrás de esta fascinación por las laptops retro hay algo más que estética y nostalgia. Es una forma de resistencia al descarte tecnológico. Mientras el mundo se obsesiona con lo último, hay quienes han decidido mirar atrás y darle una segunda vida a dispositivos que parecían obsoletos.

Cada vez más personas rescatan laptops antiguas, las restauran y les instalan Linux ligero para convertirlas en herramientas funcionales. Un IBM ThinkPad de los 90 con un software actualizado puede ser una máquina de escritura perfecta, sin distracciones ni notificaciones constantes. Lo mismo ocurre con las primeras MacBooks, que pueden volver a la vida con algunas modificaciones.

“Lo viejo no muere, se transforma”

En la era de la obsolescencia programada, recuperar y reutilizar tecnología antigua es casi un acto de rebelión. No es solo por romanticismo: es una respuesta a la cultura del desperdicio.

Las Laptops Retro y su Lugar en el Futuro

Podría pensarse que este fenómeno es pasajero, una moda más en la lista de tendencias nostálgicas. Pero lo cierto es que el amor por las laptops retro está lejos de desaparecer. Se ha convertido en un movimiento de diseño, de arte y de filosofía tecnológica que desafía la idea de que el progreso solo significa descartar lo anterior.

Desde restaurar una Toshiba Libretto 70CT hasta diseñar una laptop nueva con estética de los 80, la pasión por lo retro sigue creciendo. ¿Será que en el fondo extrañamos cuando la tecnología era más simple, más tangible y más nuestra?

Tal vez. O tal vez, solo estamos buscando en el pasado lo que el futuro nos ha prometido y aún no nos ha dado.

Francesco Guardi: el último poeta de Venecia

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Francesco Guardi: el último poeta de Venecia que deslumbró en el Thyssen

Venecia es una ciudad que no solo ha dominado el Mediterráneo durante siglos, sino que ha hipnotizado a generaciones con su atmósfera suspendida entre la realidad y el ensueño. Y si algún artista logró capturar ese espíritu en la pintura, ese fue Francesco Guardi, el vedutista que transformó las vistas de la Serenissima en auténticos poemas visuales. Sus lienzos, llegados desde la Fundación Gulbenkian de Lisboa, iluminaron el Museo Thyssen con una colección única que permitió descubrir, una vez más, la belleza melancólica de la ciudad de los canales.

Origen: Guardi, el vedutista más poético, llega al Thyssen – ARS Magazine

¿Por qué Guardi no fue apreciado en su tiempo?

La historia de Guardi es, como la de tantos genios, la de un talento ignorado en su propia época. Mientras que Canaletto, su antecesor, alcanzó fama inmediata con sus vistas detalladas y casi fotográficas de Venecia, Guardi ofreció algo distinto: una interpretación más subjetiva y atmosférica de la ciudad. Su pincelada suelta, rápida y libre, demasiado moderna para su tiempo, le relegó a un segundo plano.

Pero si el siglo XVIII no le entendió, el siglo XX sí lo hizo. Fue entonces cuando su obra empezó a revalorizarse, al punto de que uno de los mayores coleccionistas de arte de la época, Calouste Gulbenkian, adquirió con fervor su producción. Y así, estos cuadros, invisibles por años para el gran público, se convirtieron en piezas clave de la historia del arte.

Del estudio al alma de Venecia

Como en un cuento familiar donde el destino está escrito de antemano, Guardi nació en una saga de pintores. Su hermano Gianantonio y su padre ya dominaban los pinceles, y su hermana se casó con Giovanni Battista Tiepolo, otro de los grandes nombres del arte veneciano. No es de extrañar que Francesco comenzara su carrera bajo la sombra de su hermano mayor, pintando escenas religiosas sin demasiado eco.

Pero Venecia le tenía reservada otra misión. Tras la muerte de Gianantonio, Francesco se atrevió a explorar las vedute, ese género pictórico que capturaba paisajes urbanos con precisión casi arquitectónica. Sin embargo, a diferencia de Canaletto o Bellotto, él no buscaba la exactitud matemática, sino la emoción del instante. Sus cielos turbulentos, su perspectiva inclinada y sus figuras vibrantes convirtieron a sus vistas en estampas cargadas de lirismo.

La rivalidad silenciosa con Canaletto

Hablar de vedutismo sin mencionar a Canaletto es como hablar de sinfonías sin nombrar a Beethoven. Canaletto era el maestro indiscutible del género, un pintor meticuloso cuyas obras eran admiradas y codiciadas por la aristocracia europea. Guardi, en cambio, se alejó de esa perfección matemática y apostó por una interpretación más sensorial.

«Ama los ángulos y las asimetrías», explicaba el comisario Guillermo Solana en la exposición del Thyssen, destacando que las líneas del horizonte en Guardi eran más bajas y sus cielos más dramáticos. En lugar de la Venecia estática y elegante de Canaletto, Guardi nos entregó una Venecia viva, efímera, casi temblorosa, como si se deshiciera ante nuestros ojos.

Las vedute que viajaron de Lisboa a Madrid

La colección del Museo Gulbenkian es, sin duda, uno de los mejores refugios para los amantes de Guardi. Dieciocho de sus óleos más significativos, junto a un dibujo y una obra de su hijo Giacomo, llegaron al Thyssen para dialogar con los Canaletto y Bellotto de la colección madrileña.

Entre las piezas más impactantes se encontraban:

  • «El puente Rialto según el proyecto de Palladio» (c. 1770), donde Guardi no solo representa el monumento, sino también su reflejo en el agua, añadiendo una dimensión casi onírica.
  • «La fiesta de la Ascensión en la Plaza de San Marcos» (c. 1775), que nos sumerge en la grandiosidad veneciana con una pincelada vibrante y figuras en constante movimiento.
  • «El pórtico del Palacio Ducal» (c. 1778), donde la luz y la sombra juegan un papel crucial, adelantando casi un siglo de experimentación pictórica.

Estas pinturas, ubicadas en la segunda planta del Thyssen, permitieron a los visitantes observar de cerca la evolución de la veduta veneciana, desde la precisión arquitectónica de Canaletto hasta la visión melancólica y vibrante de Guardi.

¿El primer impresionista de la historia?

La ironía es evidente: Guardi fue un pintor adelantado a su tiempo, pero precisamente por ello quedó en la sombra. Hoy, muchos le consideran un precursor del impresionismo, un artista que, al igual que Monet o Renoir, no buscaba la fidelidad absoluta, sino la captura de la atmósfera y la emoción.

Su técnica, con toques sueltos y pinceladas rápidas, tiene una frescura que lo aleja del academicismo de la época. Si Canaletto era la fotografía de Venecia, Guardi era su recuerdo fugaz. Y ese recuerdo, hoy más que nunca, sigue fascinando a quienes se pierden entre sus canales de pintura.

Un arte que cierra un capítulo

La Venecia de Guardi no es solo una ciudad, sino un estado de ánimo. Es el fin de una era, el último destello de una Serenissima que, en su época, ya veía desvanecerse su esplendor. Su pincel captura los últimos días de una república que había dominado el comercio mediterráneo, pero que ya no era más que una sombra de su pasado glorioso.

Francesco Guardi, el vedutista olvidado en vida, se convirtió en el testigo poético del crepúsculo veneciano. Sus cuadros no son postales, sino despedidas. Porque si Canaletto nos mostró Venecia con la luz del mediodía, Guardi nos la entregó en la hora dorada del atardecer.

Y como toda despedida, su arte no nos deja indiferentes. Nos recuerda que la belleza, como Venecia, es eterna, pero también efímera.

Deryck Whibley: El último acto de una leyenda del pop punk

Deryck Whibley: El último acto de una leyenda del pop punk en lucha contra el reloj

¿Qué sucede cuando una banda que marcó una generación decide decir adiós, justo cuando su líder enfrenta una de las batallas más importantes de su vida? Este es el escenario que rodea a Deryck Whibley, el carismático vocalista de Sum 41, cuya historia reciente es una montaña rusa de emociones, desde el anuncio de la separación de la banda hasta su hospitalización por neumonía. ¿Es este el cierre que todos imaginaban para los íconos del pop punk?

Origen de la foto: ‘This Is the Final Run’: Deryck Whibley on Sum 41’s Last Chapter

«Heaven :x: Hell»: Un epitafio sonoro lleno de contrastes

El 29 de marzo de 2024, Sum 41 entregó a sus fans lo que será recordado como su testamento musical: «Heaven :x: Hell», un álbum doble que encapsula toda la esencia de la banda. Por un lado, el disco «Heaven» celebra el espíritu desenfadado y melódico del pop punk que los lanzó al estrellato con éxitos como Fat Lip y In Too Deep. Por otro, «Hell» se sumerge en las aguas más oscuras y agresivas del metal, un territorio que Deryck Whibley y compañía comenzaron a explorar en discos como Chuck.

¿El resultado? Un viaje épico que hace eco de sus inicios juveniles pero también de las cicatrices acumuladas tras casi tres décadas en la carretera. Es un álbum que grita: «Gracias, pero también adiós».


«Tour of the Setting Sum»: La gira de despedida que casi no sucede

¿Te imaginas despedirte de tus fans mientras enfrentas el reto más grande de tu vida? Eso es exactamente lo que ha vivido Deryck Whibley en los últimos meses. La gira titulada «Tour of the Setting Sum», que debía llevarlos por todo el mundo, se detuvo abruptamente en septiembre de 2024 cuando el vocalista fue hospitalizado por una neumonía que complicó seriamente su salud cardíaca.

La etapa australiana del tour, incluida su esperada participación en el Good Things Festival, fue cancelada. Pero esta no es la primera vez que la salud de Whibley pone en pausa los planes de la banda. En 2011, problemas similares llevaron a cancelaciones en la misma región.

A pesar de todo, la banda sigue decidida a completar la gira, con un épico cierre programado para enero de 2025 en su ciudad natal, Toronto. ¿Podrá Whibley subirse al escenario una vez más para despedirse como merece?


¿Por qué ahora? El misterio detrás de la separación

¿Qué impulsa a una banda a separarse cuando aún puede llenar estadios? Según Whibley, la decisión de disolver Sum 41 responde a un deseo de cerrar su carrera con dignidad y creatividad intactas. «Queríamos terminar en lo más alto, dejando algo de lo que siempre estemos orgullosos», confesó en entrevistas recientes.

Sin embargo, el telón de fondo incluye factores más prácticos. Las dificultades económicas en la industria musical y el desgaste personal tras años de giras y producción también jugaron un papel crucial. ¿Es este el precio del éxito en una era donde la música se consume más rápido de lo que se crea?


El impacto de Deryck Whibley en la música y más allá

Deryck Whibley no es solo un cantante; es un símbolo de resistencia en un género conocido por su actitud rebelde pero efímera. ¿Cuántas bandas del pop punk sobrevivieron al auge y caída del género con la relevancia que mantuvo Sum 41? Desde su formación en 1996, Whibley llevó a su banda desde los himnos juveniles de All Killer No Filler hasta la experimentación y profundidad de Order in Decline.

Pero su vida fuera del escenario ha sido igualmente intensa. Su lucha contra el abuso de sustancias, que lo llevó al borde de la muerte en 2014, y ahora su batalla contra la neumonía, lo han convertido en un ejemplo vivo de la fragilidad detrás de la fama. «La música me salvó la vida, pero también casi me la quita», dijo en una ocasión, resumiendo un trayecto de éxitos y sacrificios.


Legado: Más que una banda, un movimiento

Sum 41 deja un vacío que no será fácil llenar. Con más de 10 millones de discos vendidos y un lugar asegurado en el panteón del pop punk, su legado trasciende lo musical. «Nos enseñaron a no tomarnos la vida tan en serio, pero también a no rendirnos nunca», escribió un fan en redes sociales tras el anuncio de la separación.

La comunidad de seguidores ya ha empezado a llorar su pérdida, con mensajes de gratitud y nostalgia que van desde lo emotivo hasta lo poético: «Sum 41 no solo creó música; creó recuerdos».

¿Y tú? ¿Qué recuerdos te dejó la banda? ¿Cantaste alguna vez Still Waiting a todo pulmón o te encontraste reflexionando con los acordes más sombríos de Pieces? Quizá su adiós sea un recordatorio de que todo lo bueno debe terminar, pero también de que los mejores momentos no tienen fecha de caducidad.

El Final Épico de Star Wars: Cuando The Clone Wars Desembarcó en Disney+

El Final Épico de Star Wars: The Clone Wars Desembarcó en Disney+

En febrero de 2020, Disney+ trajo de vuelta una de las series animadas más queridas del universo de Star Wars. Con el lanzamiento del nuevo tráiler para la temporada final de «Star Wars: The Clone Wars», los fans finalmente pudieron echar un vistazo más cercano a Ahsoka Tano, Darth Maul y las últimas batallas que llevaron a los eventos de «Star Wars: Revenge of the Sith».

El Asedio de Mandalore: Un Clímax Muy Esperado

El tráiler se centró en gran medida en el Asedio de Mandalore, una confrontación trágica que siempre se planeó como el clímax de la serie animada. Sin embargo, debido a la cancelación anticipada del espectáculo en 2013, los seguidores nunca pudieron ver esta historia culminante. Este enfrentamiento fue mencionado posteriormente cuando Ahsoka Tano y el Capitán Rex reaparecieron en «Star Wars Rebels», ambientada en los años y meses previos a «Episodio IV: A New Hope».

La novela de 2016, «Ahsoka», también exploró parcialmente estos eventos, siguiendo el viaje del personaje entre «The Clone Wars» y «Rebels». Con estas referencias, quedó claro que el Asedio de Mandalore ocurrió durante los eventos de «Revenge of the Sith». Según la novela, la activación de la Orden 66 por parte de Palpatine se dio en medio de esta batalla, sumiendo aún más al mundo en el caos total. En el tráiler, Maul le dice a Ahsoka, «Cada decisión tomada ha llevado a esto».

Conexiones Con Episodio III: Una Historia Conjunta

El tráiler también ofreció pistas clave de que al menos parte de la Temporada 7 de The Clone Wars se desarrolló simultáneamente con «Revenge of the Sith». Se mostró a Anakin Skywalker comunicándose con su esposa Padme mediante un holograma, donde ella acariciaba su vientre embarazado. Como Anakin no se enteró del embarazo de Padme hasta después de rescatar al Canciller Palpatine en «Episodio III», esta escena sirvió como un claro indicador temporal.

La serie profundizó en la caída gradual de Anakin hacia el lado oscuro y su relación con el déspota Tarkin. Se esperaba que la Temporada 7 acelerara este proceso, mostrando a Anakin lidiando con la paternidad y su creciente temor de perder a su familia.

¿Cuánto Tiempo Pasó en Episodio III?

«The Clone Wars» también pudo proporcionar una mejor comprensión del tiempo que transcurrió durante los eventos de «Episodio III», una película en la que el embarazo de Padme parecía avanzar de forma rápida e inexplicable. Es probable que existieran historias cruciales que contar en esos meses perdidos. Una escena del tráiler reflejaba momentos del «Episodio III», con un Anakin serio acercándose a un grupo de líderes separatistas y activando su lightsaber.

Disney+, con esta última temporada, no solo ofreció un cierre esperado, sino que también entrelazó de manera experta las historias y personajes, añadiendo profundidad a la rica narrativa de Star Wars.

 

 

¿Qué nos depara el futuro según Sigur Rós?

¿Qué nos depara el futuro según Sigur Rós? ¡Explorando el futuro musical con Sigur Rós: un viaje desde ÁTTA hasta la eternidad 🎶✨

En el vasto universo de la música contemporánea, pocas bandas tienen el poder de transportar a sus oyentes a dimensiones paralelas con la misma facilidad y profundidad que Sigur Rós. Este grupo islandés, conocido por su sonido etéreo y sus composiciones que desafían las convenciones, ha marcado un antes y un después en la escena musical internacional. Pero, ¿qué nos depara el futuro según Sigur Rós? Esta pregunta no solo resuena entre los ecos de sus armonías celestiales sino que también invita a una reflexión más profunda sobre la dirección que está tomando su música.

¿Cómo ve Sigur Rós el futuro a través de su música?

Sigur Rós ha sido siempre sinónimo de innovación y experimentación. Su regreso en 2023 con el álbum ÁTTA, tras una pausa significativa en su producción musical, ha sido un acontecimiento muy esperado. Este álbum no solo representa el «futuro» de Sigur Rós en términos de novedades discográficas, sino que también marca un nuevo capítulo en la evolución de su sonido. ÁTTA, que significa ocho en islandés, simboliza un renacimiento, un nuevo inicio que se adentra en territorios sonoros inexplorados.

La especulación sobre el futuro de Sigur Rós ha sido un tema recurrente, especialmente durante el período de pausa que precedió a ÁTTA. Los rumores sobre la reunión con un exmiembro y la interpretación de nuevas canciones en vivo han alimentado la anticipación y el debate entre los seguidores de la banda. Este ambiente de expectativa y especulación no hace más que aumentar el misterio y la fascinación que rodea a Sigur Rós.

¿Qué simboliza «ÁTTA» para el futuro de Sigur Rós?

El álbum ÁTTA no es solo una colección de nuevas canciones; es una declaración de intenciones, un manifiesto sobre la capacidad de Sigur Rós para reinventarse y explorar nuevas dimensiones musicales. La elección del nombre, la estética del álbum y la música en sí hablan de un futuro que, lejos de ser lineal, se presenta lleno de posibilidades infinitas.

Sigur Rós siempre ha tenido la capacidad de crear música que parece existir fuera del tiempo, en un espacio atemporal donde lo «futuro», lo «retro» y lo «vintage» se entrelazan de manera orgánica. ÁTTA, como su primer álbum de estudio en una década, refleja esta concepción del tiempo y el espacio, llevando a los oyentes en un viaje musical que es tanto una mirada hacia atrás a sus raíces como una exploración audaz del futuro.

La relevancia de Futuro Chile en la trayectoria de Sigur Rós

La relación de Sigur Rós con medios de comunicación como Futuro Chile, una estación de radio chilena que ha destacado la música del grupo, es un testimonio de la universalidad y la atemporalidad de su sonido. Estas plataformas han sido cruciales para presentar la música de Sigur Rós a audiencias más amplias, permitiendo que su visión artística cruce fronteras y generaciones.

En última instancia, la pregunta sobre qué nos depara el futuro según Sigur Rós se responde mejor en la experiencia misma de su música. Cada nota, cada silencio, cada armonía de ÁTTA y de su discografía en general es un fragmento de un futuro posible, un lienzo sonoro sobre el cual cada oyente puede proyectar sus esperanzas, sueños y visiones de lo que está por venir.

En el corazón de la música de Sigur Rós yace una invitación a soñar con los ojos abiertos, a imaginar mundos que aún no existen pero que pueden ser vislumbrados en las melodías que este grupo islandés teje con maestría. El futuro, según Sigur Rós, es un espacio de infinitas posibilidades musicales y emocionales, un recordatorio de que, incluso en los tiempos más inciertos, la belleza y la esperanza pueden encontrarse en las expresiones más puras del arte humano.

¡Las canciones de Sigur Rós que te harán levitar!

Un artículo de Beto Lagarda en Science of Noise presenta cinco canciones esenciales de Sigur Rós que pueden convertir a cualquier oyente en un fanático de la banda.

El autor describe la magia de Sigur Rós a través de cinco canciones emblemáticas: «Svefn-g-englar», «Untitled #8: Popplagið», «Hoppípolla», «Festival» y «Kveikur». Cada una refleja una faceta distinta de la banda islandesa, desde la calma espiritual hasta la intensidad industrial. Lagarda destaca cómo estas canciones ejemplifican la capacidad única de la banda para evocar emociones profundas y crear experiencias auditivas inolvidables.

En un tono humorístico, Lagarda se sumerge en las complejidades sonoras y emocionales de estas canciones, describiendo cómo «Hoppípolla» puede hacer que uno «acabe babeando» y cómo «Kveikur» presenta una faceta más oscura y experimental de la banda. La mezcla de elementos orquestales, dream pop y rock industrial hace que cada canción sea una aventura única y fascinante.

¿Sigur Rós seguirá reinventándose y sorprendiéndonos con nuevas joyas musicales?

2023 – Sigur Rós regresa con nuevo single «Blóðberg» y anuncia gira mundial para 2023

Sigur Rós: Primer single en 7 años «Blóðberg», y nueva gira con orquestas contemporáneas.

Después de un silencio musical de siete años, la icónica banda islandesa Sigur Rós ha retornado a la escena con su nueva canción «Blóðberg». Este single es el primero de su próximo álbum, que aún no tiene título ni fecha de lanzamiento confirmados. Además de su regreso al mundo musical, Sigur Rós también ha anunciado una serie de fechas de giras en Europa y Norteamérica para el año 2023, donde serán acompañados por orquestas de renombre como la London Contemporary Orchestra y la Wordless Music Orchestra.

Estos son los datos:

  1. Sigur Rós compartió su primer single, «Blóðberg», de su próximo álbum, marcando su primera nueva canción en siete años.
  2. El track llegó con un videoclip dirigido por Johan Renck, conocido por su trabajo con Madonna, Robyn y Beyoncé.
  3. La banda, compuesta por el líder Jón Þór “Jónsi” Birgisson, el bajista Georg Hólm y el multiinstrumentista Kjartan Sveinsson, anunció su nuevo álbum en marzo, grabado en Abbey Road.
  4. Aunque la banda aún no ha compartido el título o la fecha de lanzamiento del álbum, confirmó una serie de fechas de gira para 2023 en Europa y Norteamérica.
  5. Durante su gira, Sigur Rós estará acompañado por la London Contemporary Orchestra en Europa y la Wordless Music Orchestra en Norteamérica.
  6. La London Contemporary Orchestra también participó en su nuevo álbum, el primero de Sigur Rós en casi una década, luego del álbum «Kveikur» de 2013.
  7. «Blóðberg» es coproducido por Sigur Rós y Paul Corley y presenta a la London Contemporary Orchestra.
  8. Johan Renck, director de la serie limitada de HBO Chernobyl, dirigió el videoclip de «Blóðberg».
  9. Johan Renck compartió sus pensamientos sobre el tema de la canción, describiendo cómo la música de «Blóðberg» se convirtió en una banda sonora para sus «pensamientos miserables», brindándoles belleza como solo la música puede hacer.

Esta es la Historia de los Juegos de Casino.

Historia de los Juegos de Casino: De la Antigüedad a la Era Digital

Juegos de Casino: Evolución Histórica y Transformación Digital.

Desde los tiempos antiguos hasta la era digital, los juegos de casino han experimentado una evolución fascinante. La historia de estos juegos es un viaje que abarca desde las civilizaciones más antiguas hasta las modernas plataformas en línea, revelando cómo han evolucionado y se han adaptado a las nuevas tecnologías y culturas.

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Raíces Prehistóricas: El Origen del Juego

Civilizaciones Antiguas y los Primeros Juegos

Las civilizaciones como China, Egipto y Mesopotamia no solo son reconocidas como cunas de la humanidad, sino también del juego. En estos territorios antiguos surgieron los primeros dados y prácticas de apuestas. Grecia y Roma antigua también jugaron un papel fundamental, adoptando el juego como una actividad de ocio popular. Estas prácticas ganaron aceptación social, convirtiéndose en una parte integral de la vida cotidiana.

Tragamonedas de Antaño

Elegancia y Simplicidad de las Primeras Máquinas

Las primeras tragamonedas eran la quintaesencia del casino retro, destacando por su elegancia y simplicidad. Con símbolos como cerezas, barras y sietes afortunados, su atracción residía en la emoción de la palanca. A pesar de los avances tecnológicos, muchos jugadores todavía se sienten atraídos por el encanto perdurable de estas máquinas clásicas.

Máquinas Tragamonedas Modernas

Evolución hacia la Diversidad Temática

En el siglo XXI, las tragamonedas digitales dominan los casinos en línea, ofreciendo una variedad de temas y símbolos para atraer a diversos grupos de usuarios. Desde deportes hasta cine, las tragamonedas modernas se han diversificado para proporcionar experiencias únicas y personalizadas.

Historia del Póker

Orígenes y Evolución del Juego Emblemático

El póker, con sus raíces en los juegos franceses y alemanes del siglo XIX, ha sido un pilar en la historia de los juegos de casino. Su difusión por el río Misisipi y las constantes adaptaciones lo llevaron a convertirse en un fenómeno cultural en el siglo XX.

Póker Moderno

Variedad y Popularidad Global

Hoy, el póker incluye variantes como Texas Hold’em y Omaha, cada una con características únicas. Su popularidad es tal que ha generado torneos mundiales, convirtiéndose en un juego con un seguimiento global.

Juegos de Ruleta Antiguos

El Nacimiento de la Ruleta en Francia

La ruleta, cuyo nombre significa «pequeña rueda» en francés, tiene sus orígenes en el siglo XVII con Blaise Pascal. Aunque inicialmente fue un accidente en su búsqueda de una máquina de movimiento perpetuo, la ruleta como juego de casino comenzó a tomar forma en el París del siglo XVIII.

Ruleta Moderna

Consistencia en el Cambio

La ruleta ha mantenido su esencia a lo largo de los años, con la única variación significativa siendo el número de casillas, incluyendo ceros y dobles ceros, que aumentan las probabilidades a favor del casino.

Línea de fondo: Inspiración Constante en el Juego

La historia del juego de casino es larga y llena de cambios, muchos de los cuales son desconocidos para la mayoría de los jugadores. Sin embargo, lo que permanece constante es la pasión y el entusiasmo que inspira el juego, manteniéndose como una de las actividades de ocio más populares en el mundo. ¿Eres aficionado al juego? ¡Comparte tus pensamientos sobre este fenómeno fascinante en los comentarios!

The Barbie Experience en Madrid: Un Viaje Único al Mundo Rosa y Mágico de Barbie

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The Barbie Experience: Un Viaje Fantástico en Madrid

🌟 Un Viaje Único al Mundo Rosa y Mágico de Barbie 🌸

The Barbie Experience, una exposición única en su tipo ha abierto sus puertas en el corazón de Madrid, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de sumergirse en el mágico y colorido mundo de la muñeca más icónica de todos los tiempos: Barbie. Ubicada en Expo Soho Madrid, en la Plaza de España, esta muestra es un viaje de ensueño en tamaño real a través del universo de Barbie.

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Una Exposición de Fantasía en el Corazón de Madrid

Este evento, que se extiende por más de 500 metros cuadrados, permite a los visitantes explorar la casa de Barbie como si estuvieran viviendo un cuento de hadas. Desde tumbarse en su cama hasta sentarse en su salón, cada aspecto de la exposición se ha diseñado para transportar a los asistentes a un mundo de fantasía.

«La realidad supera a la ficción», decía Aristóteles, y The Barbie Experience lo demuestra.

Un Viaje al Mundo de Barbie en Tamaño Real

La experiencia incluye varias instalaciones interactivas donde los visitantes pueden interactuar con elementos del mundo de Barbie, como subirse a su coche o participar en su gran fiesta. Esta inmersión en la vida de Barbie es una aventura única que ha sido creada e ideada por La Gran Belleza Producciones e ImaginStory, bajo la dirección de Pedro Macarro y José Luis Calero.

Explorando la Casa de Barbie: Más que una Muñeca

The Barbie Experience no es solo una exposición; es un viaje al corazón de la cultura pop. Barbie, más que una simple muñeca, se ha convertido en un ícono cultural, y esta exposición celebra su impacto y relevancia.

«Cada detalle cuenta en el arte de la ilusión», solía decir Dalí. The Barbie Experience lleva este concepto a otro nivel.

The Barbie Experience: Un Evento Sin Precedentes

La exposición en Expo Soho Madrid es una oportunidad única para experimentar el mundo de Barbie de una manera nunca vista. Es un evento que promete ser inolvidable para los amantes de Barbie de todas las edades.

Para más información, los interesados pueden visitar www.exposohomadrid.com, donde encontrarán todos los detalles sobre esta increíble experiencia.

Frank Kelly Freas -Decano del Arte de Ciencia Ficción.

Frank Kelly Freas: El Legado de un Icono del Arte de Ciencia Ficción

El Decano del Arte de Ciencia Ficción y Fantasía.

Frank Kelly Freas, un nombre que resuena en el mundo del arte de la ciencia ficción y la fantasía. Este ilustrador estadounidense, con una impresionante carrera de más de medio siglo, dejó una huella indeleble en la cultura pop. Su obra abarca desde portadas de revistas clásicas hasta colaboraciones con la NASA, e incluso en el ámbito musical con la icónica banda Queen.

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Datos Clave sobre Frank Kelly Freas

  1. Nacimiento y Fallecimiento: Nació en 1922 y falleció en 2005 en West Hills, California.
  2. Carrera Prolífica: Su carrera se extendió durante más de 50 años, iniciándose con portadas para revistas como Weird Tales y Astounding Science Fiction.
  3. Reconocimientos: Recibió 10 premios Hugo y fue nominado en 20 ocasiones. Su trabajo fue reconocido como uno de los mejores en el ámbito de la ciencia ficción.
  4. Estilo Artístico: Se caracterizó por el uso de colores vivos, realismo anatómico y un sentido del humor distintivo. Sus obras reflejan una pasión por la ciencia y la exploración espacial.
  5. Contribución en la II Guerra Mundial: Durante este periodo, trabajó como fotógrafo aéreo y decoró bombarderos con pin-ups.
  6. Medios Utilizados: Principalmente pinturas acrílicas y acuarelas, evitando los aceites debido a una reacción alérgica.
  7. Colaboraciones Familiares: Su segunda esposa, Laura Brodian Freas, también fue una reconocida ilustradora, con quien colaboró en varias obras.
  8. Aportes a la NASA: Fue el artista oficial de siete misiones, incluyendo la Apolo-Soyuz. Diseñó el logotipo de la estación espacial Skylab I.
  9. Presencia en el Cine: En Harry Potter y el Prisionero de Azkaban (2004), aparece un retrato de un hombre lobo de su autoría.
  10. Exhibiciones en Museos: Su obra se encuentra en el Smithsonian, el Museo Nacional del Aire y el Espacio, y el Museo Norman Rockwell.
  11. Influencia en la Música: Realizó la portada del álbum News of the World de Queen, publicado el 28 de octubre de 1977.

Curiosidades y Anécdotas

  • Freas, conocido como «El decano de los artistas de ciencia ficción», prefería autodenominarse «El artista más viejo del mundo».
  • Usó principalmente pinturas acrílicas y acuarelas, evitando los aceites por una alergia.
  • Fue el artista oficial de importantes misiones de la NASA, incluida la Apolo-Soyuz.

Influencia y Legado

Frank Kelly Freas no solo marcó un hito en el arte de la ciencia ficción, sino que también influyó en generaciones de artistas posteriores. Su estilo único, que combinaba realismo, colorido y humor, continúa inspirando a artistas y aficionados. Su legado es un testimonio de su habilidad para capturar la esencia de la ciencia ficción y la fantasía, convirtiéndose en una fuente de admiración y respeto en el mundo del arte.

Amelia 2.0 – Inteligencia Artificial y Drama Humano

Amelia 2.0: El Futuro de la Consciencia Humana en un Mundo Robótico.
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«Amelia 2.0»: Un Viaje Cinematográfico Único
«Amelia 2.0» no es solo una película, es una odisea que explora los límites entre la tecnología y la humanidad. Dirigida por Adam Orton, esta obra maestra desafía nuestras percepciones sobre la vida, el amor y la mortalidad. Ambientada en un contexto futurista, la película cuenta la historia de un esposo desesperado que toma una decisión inaudita: transferir la conciencia moribunda de su esposa a una réplica robótica.

Este arriesgado paso, lleno de controversia política y dilemas emocionales, marca el inicio de una nueva era en la historia humana. Pero ¿qué significa realmente ser humano? «Amelia 2.0» nos invita a reflexionar sobre esta pregunta, llevando al espectador a un viaje emocional inolvidable.

 

La Lucha de Amelia 2.0 por su Existencia
En el corazón de «Amelia 2.0» yace un profundo conflicto ético y emocional. Amelia, ahora en su forma robótica, se enfrenta no solo a la oposición política sino también a una batalla interna por su identidad y derecho a existir. Esta lucha resalta las complejidades de la inteligencia artificial y sus implicaciones éticas.

La película cuenta con un elenco estelar, incluyendo a Ed Begley Jr., Kate Vernon y Eddie Jemison, quienes aportan profundidad y autenticidad a esta intrigante trama. A través de una mezcla de drama, romance y ciencia ficción, «Amelia 2.0» nos ofrece una visión del futuro de la conciencia humana, una que desafía nuestras concepciones actuales.


«Amelia 2.0» es más que una película; es un espejo que refleja nuestras inquietudes más profundas sobre el futuro y nuestra relación con la tecnología. Es una historia que resuena en nuestra era, una era donde la línea entre lo humano y lo artificial se desvanece cada día más. Con su enfoque único y provocador, «Amelia 2.0» se posiciona como una pieza cinematográfica esencial para comprender el rumbo de nuestra sociedad tecnológicamente avanzada.

¿Qué Reveló el Atlántida Film Fest 2023 Sobre el Futuro del Cine?

¿Qué Reveló el Atlántida Film Fest 2023 Sobre el Futuro del Cine?

¿Por Qué el Atlántida Film Fest 2023 Fue Más Que un Festival de Cine?

El Atlántida Film Fest 2023 cerró sus puertas el pasado 24 de agosto, dejando una huella imborrable en la historia del cine. Este evento, que tuvo una semana presencial en Mallorca y una edición online en la plataforma Filmin, se convirtió en un escaparate de lo que será el futuro del séptimo arte.

atlantida film fest 2023 mallorca poster

¿Qué Dijo «Safe Place» Sobre el Futuro de las Películas de Suspense?

«Safe Place», la película croata que se llevó el Premio a la Mejor Película Internacional planteó una pregunta inquietante: ¿hacia dónde se dirige el género de suspense? La dirección de Juraj Letoric fue sutil pero efectiva, y aunque el film tuvo un desarrollo algo desigual, dejó claro que el análisis de enfermedades mentales y la paranoia seguirán siendo temas recurrentes en el cine del futuro.

¿Cómo «Aurora’s Sunrise» Cambió la Narrativa de las Películas de Animación?

«Aurora’s Sunrise» de Inna Sahakyan fue una obra maestra que nos hizo reflexionar sobre el poder de la animación para contar historias reales. Basada en la vida de Aurora Mardiganian, una superviviente del genocidio armenio, esta película demostró que el cine de animación tiene un gran potencial para abordar temas históricos y sociales. Como dijo Walt Disney, «La animación puede explicar cualquier cosa que la mente del hombre pueda concebir».

¿Por Qué «La Vida de Charlotte Salomon» Es Un Hit en el Cine de Arte?

«La Vida de Charlotte Salomon» fue un film que exploró la vida de la artista Charlotte Salomon a través de una narrativa visual impactante. Este film nos hizo preguntarnos: ¿qué papel jugará el cine de arte en el futuro? La película mostró que el cine puede ser una herramienta poderosa para explorar la vida y obra de artistas olvidados, y que este tipo de narrativas tendrán un lugar en el cine del futuro.

¿Qué Lecciones Aprendimos de las Películas Menos Exitosas del Festival?

Films como «Neon Spring» y «Family Dinner» nos mostraron que no todo lo que brilla es oro. Estas películas, aunque ambiciosas, no lograron conectar con la audiencia, lo que nos lleva a cuestionar: ¿qué elementos son esenciales para que una película sea exitosa en el futuro?

¿Qué Nos Dice «January» Sobre el Futuro del Cine en Letonia?

«January» de Viesturs Kairiss fue un film que nos hizo pensar en el futuro del cine en Letonia. La película, un drama semi-autobiográfico, mostró que hay talento emergente en países menos conocidos en la industria cinematográfica, y que estos cineastas tienen mucho que ofrecer al mundo.

A Moment of Love: La Esencia de Yoon Seungah y Kim Mooyul

A Moment of Love: La Esencia de Yoon Seungah y Kim Mooyul 🌟💖

Descubre el ahora, el amor y la magia detrás de la pareja más icónica del momento

A Moment of Love: El Encanto de una Sesión Inolvidable

En un mundo donde el amor se celebra en todas sus formas, Yoon Seungah y Kim Mooyul nos brindan una mirada íntima a su momento actual, un momento lleno de amor y complicidad. Bajo la dirección de Oh Yura, y con la colaboración de un equipo de profesionales destacados, nos sumergimos en una experiencia que va más allá de una simple sesión fotográfica, es una celebración del amor en su estado más puro y genuino.

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La moda, ese elemento tan crucial en cualquier producción, estuvo a cargo de Shin Jihye para Kim Mooyul y Hong Eunyoung para Yoon Seungah, quienes supieron captar la esencia de cada uno, creando estilismos que reflejaban no solo la tendencia actual, sino también la personalidad y la historia de amor que los une. Cada detalle, cada prenda, hablaba de ellos, de su camino juntos, de su moment of love.

 

A Moment of Love: Un Equipo de Ensueño para una Historia de Amor

El estudio L’extreme, liderado por Kim Dongyoung, fue el escenario perfecto para capturar estos momentos únicos. La magia no solo estuvo en las cámaras, sino también en las manos expertas de Lim Jinok y Shim Sungeun, responsables del cabello de Kim Mooyul y Yoon Seungah respectivamente, y Lee Junsung, el artífice detrás del maquillaje sublime que adornaba los rostros de los enamorados.

El asistente Lee Chongun no podía faltar en este equipo de ensueño, siendo el apoyo indispensable para que cada toma fuera perfecta, para que cada moment of love fuera capturado en su máxima expresión, creando así un testimonio visual de un amor que trasciende las barreras del tiempo y del espacio.

A Moment of Love: Tiffany y la Celebración del Amor

La colaboración con Tiffany & Co fue el broche de oro para esta sesión inolvidable. Las joyas de la firma se convirtieron en los protagonistas silenciosos pero poderosos de esta historia, siendo el complemento perfecto para Yoon Seungah y Kim Mooyul. Los hashtags #티파니, #티파니앤코, #TiffanyEngagement, #TiffanyAndCo, #TiffanyLock, #YoonSeungah, #윤승아, #KimMooyul, #김무열, se convierten en las palabras clave que nos guían a través de esta experiencia, siendo el reflejo digital de un moment of love que se quedará grabado en la memoria de todos los que tengan el privilegio de presenciarlo.

No te pierdas la oportunidad de descubrir más sobre esta sesión fotográfica y la historia detrás de ella en la edición de septiembre de ‘DAZED KOREA‘. Un testimonio de amor que va más allá de las imágenes, una experiencia que nos invita a creer en el amor verdadero, en la magia de los encuentros, en ese moment of love que todos deseamos vivir.

¿El futuro de The Mountain Goats: una mezcla de tonos rojos?

¿El futuro de The Mountain Goats: una mezcla de arte, cultura y tonos rojos?

🎶🎨The Mountain Goats irrumpen con ‘Jenny de Tebas’: un viaje musical lleno de arte, cultura y matices rojos 🎸🌆

En el vasto universo de la música, existe un conjunto de estrellas brillantes que siempre parecen brillar con un destello más red. Esta banda se conoce como The Mountain Goats, un grupo de músicos americanos que ha dejado una huella indeleble en el panorama musical.

El Salto de lo Doméstico a lo Profesional: El Surgimiento de The Mountain Goats

Nacidos en Claremont, California, bajo la batuta del cantautor John Darnielle, The Mountain Goats se ganaron la reputación a lo largo de los años 90 por sus grabaciones caseras de baja fidelidad, lanzadas en formatos de casete o vinilo de 7 pulgadas. Desde 2002, el grupo ha adoptado un enfoque más refinado, registrando álbumes de estudio con una banda completa y presentando un cambio considerable en su estilo.

Los primeros años de la banda vieron a Darnielle, flanqueado por miembros de la banda de reggae femenina Casual Girls, conocidos como el Bright Mountain Choir. Rachel Ware, miembro de este colectivo, continuó acompañando a Darnielle en el bajo, tanto en vivo como en el estudio, hasta 1995. La primera mitad de la década fue testigo de un flujo prolífico de canciones en casete, vinilo y CD por parte de The Mountain Goats.

La Revolución Sonora de The Mountain Goats: Innovación y Evolución

A mediados de los años 90, The Mountain Goats rompieron muchos de los convencionalismos de su sonido original en favor de un enfoque más temático y experimental. En 1995, lanzaron el álbum «Sweden» y en 1996, «Nothing for Juice», seguido de «Full Force Galesburg» al año siguiente. Este último disco volvió parcialmente a las raíces de la banda, con muchas canciones grabadas esporádicamente en la antigua casetera Panasonic RX-FT500 de Darnielle, que agregaba un ruido de fondo característico a las canciones.

The Mountain Goats y el Concepto de Álbumes Temáticos

Con el cambio de milenio, The Mountain Goats emprendieron un viaje distinto, centrado en la creación de álbumes conceptuales que exploraban en profundidad aspectos particulares de su canon musical. «Tallahassee», el primer álbum de la banda grabado con una banda completa y en un estudio, es un ejemplo de ello.

Explorando el Autobiográfico: The Mountain Goats y su Constante Evolución

En 2004, The Mountain Goats lanzaron «We Shall All Be Healed», un álbum que marcó varios cambios para la banda. Fue la primera vez que Darnielle trabajó con el productor John Vanderslice, y el primer álbum con material directamente autobiográfico.

Trasladándose a Durham, Carolina del Norte, en 2006, la banda lanzó «Get Lonely», producido por Scott Solter, quien había trabajado con Vanderslice en la ingeniería de los discos anteriores de The Mountain Goats. Este fue seguido por el próximo álbum completo de la banda, «The Life of the World to Come», lanzado en octubre del mismo año.

Merge Records: Una Nueva Era para The Mountain Goats

En 2010, The Mountain Goats firmaron con Merge Records, hogar de la otra banda del baterista Jon Wurster, Superchunk. La discográfica lanzó un nuevo disco de The Extra Lens, anteriormente conocidos como The Extra Glenns, titulado «Undercard», seguido de otro LP de The Mountain Goats, «All Eternals Deck», en 2011.

Con cada nuevo álbum, The Mountain Goats han demostrado una habilidad inigualable para reinventarse, siempre al borde de la vanguardia musical y manteniendo siempre esa esencia red que los caracteriza. Desde los días de grabación casera hasta los álbumes de estudio con bandas completas, la banda ha navegado por las corrientes cambiantes de la música, siempre con un ojo puesto en el futuro.

A medida que avanzamos hacia el horizonte de las tendencias futuristas, retro, retrofuturistas e incluso vintage, The Mountain Goats sin duda seguirán dejando su huella, ofreciendo una visión única y audaz de lo que la música puede y debería ser.

The Mountain Goats y su viaje musical en ‘Jenny de Tebas’

Desde su inicio en 1991, la banda estadounidense The Mountain Goats ha sido reconocida por su versatilidad en los géneros de rock alternativo, indie rock y lo-fi. Liderada por John Darnielle, y apoyada por el bajista Peter Hughes, The Mountain Goats siempre ha mantenido un encanto especial entre sus seguidores. Sin embargo, es con la llegada de su nuevo álbum, ‘Jenny de Tebas’, cuando nos invitan a una travesía futurista llena de cultura, arte y rojo.

 ‘Jenny de Tebas’, un nuevo capítulo en la historia de The Mountain Goats

El futuro de The Mountain Goats se ha desvelado con su nuevo álbum ‘Jenny de Tebas’. Aunque este nuevo trabajo marca el vigésimo segundo lanzamiento de la banda, suena fresco y original. Darnielle, quien también ha incursionado en la escritura de novelas, ha descrito este nuevo disco como una «ópera rock» dedicada a una mujer llamada Jenny. El nuevo disco ofrece un intrigante contraste con su predecesor, ‘All Hail West Texas’, creando una exploración sonora que reta el tiempo y los límites de la narrativa musical.

El esplendoroso rojo en ‘Jenny de Tebas’

El rojo siempre ha simbolizado el poder, la pasión y el amor. En el contexto de ‘Jenny de Tebas’, el rojo simboliza el deseo de Jenny de escapar y liberarse de las cadenas de su pasado. Comprando una Kawasaki, Jenny emprende un viaje en busca de un nuevo comienzo, simbolizado por el color rojo.

La integración de la cultura en el sonido de The Mountain Goats

El futuro de The Mountain Goats promete una integración más profunda de diversas influencias culturales en su música. En ‘Jenny de Tebas’, la banda toma inspiración de Godspell, Jim Steinman y The Cars, ofreciendo una fusión única que retrata el pasado con un toque actual.

El arte de la narrativa en la música de The Mountain Goats

El enfoque narrativo de The Mountain Goats se ve claramente en ‘Jenny de Tebas’. Darnielle, a través de sus canciones, teje una rica narrativa que explora la vida de Jenny. Este enfoque de contar historias convierte cada canción en una obra de arte en sí misma, abriendo el camino para futuras innovaciones narrativas en la música.

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Como alguna vez dijo Nietzsche, «sin la música, la vida sería un error». Las palabras de este filósofo alemán parecen resonar en el trabajo de The Mountain Goats, donde la música se convierte en una forma de explorar la condición humana.

Hacia un futuro retrofuturista

La música de The Mountain Goats siempre ha jugado con el tiempo, mezclando sonidos antiguos con ideas nuevas. En ‘Jenny de Tebas’, la banda lleva esta idea un paso más allá, creando un futuro retrofuturista en el que lo viejo y lo nuevo se funden en una armoniosa sinfonía de sonidos. Es un futuro donde la tradición y la innovación coexisten, formando un nuevo horizonte musical.

‘Jenny de Tebas’ marca un emocionante nuevo capítulo en la historia de The Mountain Goats. El álbum promete llevarnos en un viaje lleno de arte, cultura y rojo, mientras exploramos el futuro de la música a través de los ojos de Jenny. Como dijo una vez Victor Hugo, «la música expresa aquello que no puede decirse pero que no puede permanecer en silencio». ‘Jenny de Tebas’ parece ser la encarnación de estas palabras, ofreciendo una exploración profunda y conmovedora de la condición humana a través de la lente del futuro.

Pattie Boyd: Musa Inmortal del Rock Reinventó Moda y Cultura

Pattie Boyd: La Musa Inmortal del Rock que Reinventó la Moda y la Cultura

¿Quién es Pattie Boyd y por qué sigue siendo relevante en el futuro del rock y la moda?

En el vasto universo de la música y la moda, Pattie Boyd destaca como un faro en la noche, su influencia perpetua se siente en los ámbitos actuales y futuros. Su figura etérea no solo inspiró melodías que hoy son himnos del amor y desamor, sino también tendencias que marcaron una era y siguen vigentes.

Boyd, modelo y fotógrafa de talento, esposa de dos íconos de la música: George Harrison y Eric Clapton, se convirtió en una figura esencial para entender la movida cultural de su tiempo. Su presencia dejó una huella indeleble en la historia de la música y la moda, una que aún continúa resonando.

¿Cómo influyó Pattie Boyd en la música de los Beatles y Eric Clapton?

Boyd fue el faro que iluminó el camino musical de dos genios de la música: George Harrison y Eric Clapton. Las melodías del «Beatle místico» y el blues de Clapton encontraron en Boyd la musa perfecta, su influencia en su sonido es incuestionable.

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Podemos decir que, sin Boyd, muchos de los sonidos emblemáticos de los Beatles y Clapton no habrían existido. Como una guía silenciosa, Boyd inspiró algunas de las canciones más emotivas y desgarradoras de estas leyendas de la música.

Como lo dice la letra de «Wonderful Tonight» de Clapton: «And then she asks me, Do I look all right? And I say, «Yes, you look wonderful tonight».

Pattie Boyd: La inmortal musa del rock que transformó la música y la moda para siempre.

¿Qué aportó Pattie Boyd a la moda y la cultura de su tiempo?

Pattie Boyd no solo influyó en el mundo de la música, también dejó su huella en la moda y la cultura. Su estilo y elegancia la convirtieron en un icono de la década de los sesenta. Las tendencias que ella impuso son tan relevantes hoy como lo fueron en su época.

Boyd demostró cómo la belleza y el estilo pueden ir de la mano con la originalidad y la audacia, alzándose como un faro de estilo e influencia que ha trascendido a través de los tiempos. Su figura sigue siendo un referente de moda y estilo que hoy inspira a diseñadores y amantes de la moda de todo el mundo.

¿Cómo se proyecta el legado de Pattie Boyd hacia el futuro?

El legado de Pattie Boyd es un testimonio de cómo una figura puede trascender más allá de su tiempo y espacio. Su influencia en la música y la moda no solo se mantiene, sino que también se proyecta hacia el futuro.

Las generaciones venideras seguirán descubriendo la magia de Boyd, su influencia se sentirá en la música, la moda y la cultura en general. Como una guía perpetua, la «musa del rock» continúa inspirando a creativos, músicos y diseñadores por igual.

Finalmente, recordemos las palabras de Harrison en su canción «Something»: «Something in the way she moves, attracts me like no other lover». Y es que, en verdad, hay algo en la forma en que Pattie Boyd se mueve por la vida, que atrae e inspira a generaciones.

La era dorada de los crooners: cantantes vintage.

Los Cantantes Vintage que Modelaron el Sonido del Futuro

La era dorada de los crooners: cómo los cantantes vintage dieron forma al futuro de la música.

Hace años, cantantes vintage como Al Jolson, Bing Crosby, Frank Sinatra, Perry Como, Tony Bennett y Dean Martin encandilaban al público con sus dulces melodías. Los crooners, como se les conocía, dominaron las ondas de radio en la década de 1920 y continuaron su reinado en la televisión durante la década de 1950. Un nombre que suele pasar desapercibido en esta lista es Engelbert Humperdinck, un artista subestimado, pero sumamente talentoso.

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¿Quiénes Fueron los Cantantes Vintage que Definieron la Era Dorada de la Música?

Los cantantes vintage eran artistas que, a pesar de que su auge fue en el pasado, siguen resonando en el panorama musical actual. Sus voces melódicas y letras evocativas dejaron una huella indeleble en la música. Entre ellos se destacan figuras legendarias como Bing Crosby, cuya voz suave y cálida encantó a millones, y Frank Sinatra, cuyo carisma y estilo de interpretación definieron la era del swing. Perry Como, Tony Bennett y Dean Martin también son recordados por su contribución al legado de la música tradicional.

¿Cómo Contribuyeron estos Cantantes Vintage al Sonido del Futuro?

Estos artistas, con su enfoque distintivo para la música, ayudaron a moldear los géneros y estilos que conocemos hoy. La manera en que Frank Sinatra manejaba su fraseo musical, por ejemplo, ha influenciado a generaciones de artistas posteriores. De manera similar, el tono suave y melódico de Bing Crosby fue precursor de la técnica vocal que se encuentra en la música contemporánea.

En este sentido, es válido citar al cantante y actor Dean Martin, quien una vez declaró: «La gente ama a los cantantes vintage, no solo por su música, sino también por lo que representan: una época en la que el arte de la interpretación era fundamental».

¿Por Qué Engelbert Humperdinck es un Cantante Vintage Subestimado?

Engelbert Humperdinck, a pesar de tener una carrera musical prolífica, a menudo se ve eclipsado por sus contemporáneos. Sin embargo, su influencia en el panorama musical no puede subestimarse. Sus canciones, cargadas de emotividad, tocaron el corazón de muchas personas y establecieron un estándar para la música romántica. Como dijo una vez un crítico musical: «Humperdinck fue uno de los pocos cantantes de su tiempo que pudo capturar la esencia de una canción y transmitirla con tal fuerza emocional».

Reflexiones Finales: La Influencia de los Cantantes Vintage en la Música Moderna

Los cantantes vintage, con sus estilos distintivos y emotivos, han dejado un legado duradero en la música. Aunque sus melodías pueden parecer distantes y nostálgicas, su influencia se puede sentir en la música contemporánea. La próxima vez que escuches a tu artista favorito, es posible que detectes la sutil influencia de estos crooners del pasado, evidencia de que verdaderamente modelaron el sonido del futuro.

Sonidos retro, alma moderna: The Lemon Twigs en Everything Harmony

Sonidos retro, alma moderna: El genio de The Lemon Twigs en ‘Everything Harmony

¡Buenos días, señoras y señores! Soy Johnny Zuri y HOY quiero dar mi opinión sobre un tema que me apasiona: la evolución musical de The Lemon Twigs y su último lanzamiento ‘Everything Harmony‘. Este álbum es un salto cuántico en la carrera de estos hermanos, Brian y Michael D’Addario. Han logrado, en mi opinión, un sonido que, aunque con un aire retro que es marca de la casa, suena más grande y mejor. ¿Cómo lo han conseguido? Bueno, veamos.

Comenzaré por decir que, al oír este disco, uno percibe de inmediato que estos chicos querían crear algo verdaderamente hermoso. ¿Y quién soy yo para decir que no lo han logrado? El sonido es fresco, entra a la primera, sin que parezca que están apoyándose demasiado en influencias trilladas. Pienso que es un logro notable, y merece reconocimiento.

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En este cuarto álbum, los D’Addario llevan su reverencia por el sonido de los 60 y 70 a un nivel que, honestamente, pocos podrían alcanzar. Han demostrado un dominio magistral de ese sonido, y se nota que se han entregado en cuerpo y alma en este disco. Han sacado todo el arsenal: violas, un clavecín, dos pianos, trompas, varios tipos de órganos, y un arsenal de cuerdas. Y por si fuera poco, han decidido multiplicar las guitarras en muchos de sus temas.

Pero, ¿sabéis qué es lo que más me gusta de este álbum? Su talento para crear armonías. Es algo que ellos mismos reconocen como prioritario en la grabación de estas canciones. Y si le sumamos estribillos redondos, tenemos la receta perfecta.

‘Everything Harmony’ es rico en influencias. Mencionan a Arthur Russell y Moondog, pero yo también detecto la influencia notable de Simon and Garfunkel. Por ejemplo, «When Winter Comes Around» me recuerda a una balada tranquila y folklórica que, de repente, estalla en un frenesí de órganos épicos. Es como cuando decía Mark Twain: «La diferencia entre la palabra adecuada y la casi adecuada es la misma que entre el rayo y la luciérnaga». Y creo que ellos han encontrado la palabra adecuada en su música.

Si avanzamos a «Corner Of My Eye», nos encontramos con una canción delicada que los acerca al lado pop de Simon and Garfunkel. Ese estribillo es un gancho, se te queda en la cabeza y no hay forma de sacarlo. Y, por supuesto, no podemos pasar por alto la sutileza acústica con la que abordan la preciosa «Every Day Is The Worst Of My Life».

Pero no todo es folk en este álbum. También encuentro el pop y rock más sofisticado de los setenta. «Any Time Of Day» es una joya, con su piano y cuerdas elegantes, y un falsete que pondría a prueba la resistencia de cualquier cristal. Me recordó a cuando trabajaron con Todd Rundgren, parece que han cogido buena parte de su sonido.

Este álbum, ‘Everything Harmony’, no solo tiene una marcada influencia del sonido de los musicales, sino que también se sumerge en ese universo por completo. Eso se puede ver en la canción «Born To Be Lonely», que no desentonaría en el escenario de cualquier teatro de Broadway. De hecho, me recordó a aquella frase de Nietzsche: «Sin música, la vida sería un error». Estos chicos parece que la han tomado al pie de la letra, y vaya si han acertado.

Otra joya que quiero destacar es «What Happens To A Heart». Las cuerdas en este tema están cargadas de épica y emoción, algo que también es palpable en el tema titular del álbum, donde aparece esa influencia de Arthur Russell que comentábamos antes.

Aunque las baladas son las verdaderas protagonistas de este disco, The Lemon Twigs también han sabido encontrar un espacio para acelerar el ritmo y soltarse el cabello un poco. ¿Prueba de ello? «In My Head», una joya pop que hubiera sido la envidia de cualquier grupo que se inspirara en los Byrds durante los últimos sesenta años. Y no es el único gran tema que surge de esa influencia. “Ghost Run Free”, con su estribillo vibrante y su juego de guitarras, es incluso mejor.

Y si hablamos de «What You Were Doing», vemos que no han perdido su amor por el glam-rock de los setenta. Como dijo una vez David Bowie, «Yo no sé dónde voy, pero prometo que no será aburrido». Y eso es precisamente lo que parece que han adoptado The Lemon Twigs: una promesa de no aburrir, de sorprendernos con cada cambio de ritmo, con cada nueva canción.

Así que, en conclusión, no solo estamos ante un gran disco, sino también ante uno de los más variados. The Lemon Twigs, este dúo estadounidense formado por los hermanos Brian y Michael D’Addario, oriundos de Long Island, han demostrado su capacidad para aprender, experimentar y crecer. Su padre les enseñó a tocar instrumentos desde los 5 años, y creo que podemos estar de acuerdo en que ese entrenamiento temprano ha dado sus frutos.

En cuanto al nuevo sencillo «In My Head», he de decir que es un tributo a su amor por el océano y la neurociencia. Si aún no has tenido la oportunidad de ver el video, te lo recomiendo. Dirigido por los propios Twigs y Paul D. Millar, es una verdadera celebración de lo que aman.

Para finalizar, permíteme contarte que ‘Everything Harmony’ estuvo disponible en tiendas y en línea desde el 5 de mayo. Con el anuncio del álbum, lanzaron la nueva canción «Any Time Of Day», junto con un video dirigido por Ambar Navarro.

No me voy sin antes mencionar a los invitados especiales de su gira: Slugbug y el Chris Stamey Group. Ambos son artistas increíbles y estoy seguro de que complementarán a la perfección la propuesta musical de The Lemon Twigs.

Y tú, ¿qué opinas de ‘Everything Harmony’? ¿Cuál es tu canción favorita?

La vida de Lisa Marie Presley y su relación con el color RED

La vida de Lisa Marie Presley y su relación con el color RED.

Antes de que amaneciera el domingo 8 de enero, David Kessler se encontraba en su habitación de un hotel cercano a Graceland, cuando oyó un golpe en la puerta. Era su amiga Lisa Marie Presley, quien le dijo que salieran a visitar a su padre y uno de sus hijos. Kessler, una amiga y especialista en duelo radicada en Los Ángeles, había conocido a Presley en el verano de 2020, poco después de la muerte de su hijo, Ben. Esa tragedia pareció ser la última de una serie de trastornos en su vida, comenzando con la pérdida de su padre, Elvis Presley, en 1977, cuando tenía solo nueve años. Desde entonces, la mujer a la que sus amigos llamaban «LMP» había soportado un turbulento viaje propio: cuatro matrimonios, cuatro divorcios, batallas contra la adicción, pérdida familiar y la exposición de sus finanzas al escrutinio público.

En el ámbito musical, Lisa Marie Presley se enfrentó a comparaciones inevitables con su padre, lo que supuso un desafío adicional en su carrera. Pero a pesar de las dificultades, Presley mostró un carisma propio y pudo labrarse su camino en la industria. En los últimos años, había vivido momentos especialmente oscuros, pero poco a poco estaba saliendo de ese período y retomando el contacto con el público.

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Lisa Marie Presley nació el 1 de febrero de 1968, hija de Elvis y Priscilla Presley en el Baptist Hospital en Memphis, a unas 15 millas de la finca de su padre, Graceland. Creció en un entorno de fama y escándalo, y su vida estuvo marcada por eventos trágicos como la muerte de su padre en 1977.

En 1993, Presley conoció a Michael Jackson y se casó con él en 1994, apenas 20 días después de divorciarse de su primer marido, Danny Keough. Aunque su relación con el Rey del Pop fue objeto de mucho escrutinio, Lisa Marie siempre defendió la autenticidad de su amor. Sin embargo, en enero de 1996, solicitó el divorcio debido al consumo de drogas de Jackson.

A lo largo de su vida, Lisa Marie Presley ha enfrentado numerosos desafíos y ha luchado por encontrar su lugar en el mundo, tanto en lo personal como en lo profesional. A pesar de las adversidades, ha demostrado ser una mujer fuerte, dispuesta a seguir adelante en la vida.

Descubre los mejores pintores hiperrealistas del mundo

Descubre los mejores pintores hiperrealistas del mundo. El hiperrealismo: arte que desafía los sentidos.

¿Quieres saber qué es el hiperrealismo en la pintura? ¿Has visto pinturas más reales que una fotografía? Estos son artistas del hiperrealismo y sus obras.

LO MÁS DEL HIPERREALISMO

Esto es lo más del hiperrealismo, artistas del hiperrealismo y sus obras. Se trata de una técnica en la pintura que se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad si cabe aún con más intensidad, fuerza y fidelidad, que la fotografía. Es sensacional. Los artistas más prestigiosos de esta técnica surgen en Estados Unidos en la década de los sesenta y usan los medios técnicos y fotográficos manipulando las imágenes para que sean aún más reales y vivas que en la propia realidad. La pintura al óleo o la escultura, en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

PINTORES HIPERREALISTAS: ESTOS SON LOS HECHOS Y LOS DATOS

  1. La técnica del hiperrealismo en la pintura se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad con más intensidad, fuerza y fidelidad que la fotografía.

  2. Los artistas más prestigiosos del hiperrealismo surgieron en Estados Unidos en la década de los sesenta y utilizan los medios técnicos y fotográficos para manipular las imágenes y hacerlas aún más reales y vivas que en la propia realidad.

  3. La pintura al óleo o la escultura en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

  4. Steve Mills, Hilo Chen y Pedro Campos son algunos de los artistas del hiperrealismo contemporáneos.

  5. Algunos críticos descalifican al hiperrealismo argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte, pero otros, como Louis K. Meissel, defienden esta técnica.

  6. La firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo son fundamentales para el resultado final de las obras de arte.

  7. Para crear obras tan realistas que pueden confundirse con fotografías, se requiere un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales utilizados.

artistas del hiperrealismo y sus obras
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PINTORES HIPERREALISTAS – PREGUNTAS Y RESPUESTAS

  1. ¿Qué es el hiperrealismo en la pintura?

  • El hiperrealismo es una técnica en la pintura que se caracteriza por plasmar en el lienzo la propia realidad con más intensidad, fuerza y fidelidad que la fotografía.

  1. ¿Cuáles son las características de la técnica del hiperrealismo?

  • La técnica del hiperrealismo utiliza medios técnicos y fotográficos para manipular las imágenes y hacerlas aún más reales y vivas que en la propia realidad. La pintura al óleo o la escultura en esta categoría tienen más detalle y encuadre que la fotografía, al contrario que en las pinturas abstractas.

  1. ¿Quiénes son los artistas más prestigiosos del hiperrealismo?

  • Los artistas más prestigiosos de la técnica del hiperrealismo surgieron en Estados Unidos en la década de los sesenta.

  1. ¿Qué opinan algunos críticos sobre el hiperrealismo?

  • Algunos críticos descalifican al hiperrealismo argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte.

  1. ¿Quiénes son algunos de los pintores hiperrealistas contemporáneos?

  • Algunos de los pintores hiperrealistas contemporáneos son Steve Mills, Hilo Chen, Pedro Campos, Rob Hefferan, Claudio Bravo, Roberto Bernardi, Eric Zener, Eric Christensen, Jason Degraaf, Robert Neffson y Alex Gross.

  1. ¿Qué se requiere para crear obras de arte hiperrealistas?

  • Para crear obras de arte hiperrealistas se requiere un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales utilizados.

  1. ¿Por qué es fundamental la firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo?

  • La firmeza y la precisión en el desarrollo de la técnica del hiperrealismo son fundamentales para el resultado final de las obras de arte, ya que permiten crear énfasis en la imagen y lograr que la pintura sea aún más realista que la propia realidad.

Ejemplos son Steve Mills, Hilo Chen o Pedro Campos, pero hay muchos más. No obstante, algunos críticos los descalifican argumentando que la pintura basada en la fotografía no es arte. Por supuesto yo no estoy de acuerdo. Cualquier técnica es plausible si el proceso está imbuido de inspiración artística. Otros, como Louis K. Meissel, defienden al hiperrealismo.

https://www.youtube.com/watch?v=6bBIsYADlU4

Pintores hiperrealistas contemporáneos

  1. Rob Hefferan.

  2. Claudio bravo. Artista chileno hiperrealista

  3. Roberto Bernardi. Artista italiano de fama internacional y obras impresionantes. …

  4. Eric Zener. …

  5. Eric Christensen. …

  6. Jason Degraaf. …

  7. Robert Neffson. …

  8. Alex Gross.

 

Artistas del hiperrealismo y sus obras – LOS ARTISTAS HIPERREALISTAS QUE TE HARÁN DUDAR SI SON PINTURAS O FOTOGRAFÍAS

No cabe duda de que la firmeza y la precisión en el desarrollo de esta técnica es fundamental para el resultado: crear énfasis en la imagen. Un alto nivel y un conocimiento escrupuloso de la técnica y de los materiales parecen ser cualidades que no están al alcance de cualquiera. Crear obras tan realistas que pueden confundirse con fotografías no puede ser fácil.

 

Baruch Martínez ha publicado un buen artículo sobre el tema y recopilado los  Siete artistas hiperrealistas que te harán dudar – Cultura Colectiva – Cultura Colectiva.

Syd Mead, el Oscar Wilde de los diseñadores futuristas

Syd Mead era el autoproclamado «futurista visual» y artista ideal que dio forma al aspecto de Blade Runner, Aliens y Tron, entre otros muchos … Un diseñador cuyo trabajo de gran alcance incluyó la visión de automóviles del futuro.

febrero 2020

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El número de veces que el nombre de Syd Mead se mienta como una inspiración de diseñadores de todo género, más en especial los diseñadores profesionales de vehículos, desde Flavio Manzoni de Ferrari hasta el ex- jefe de diseño de BMW Group, Chris Bangle, es verdaderamente notable. En verdad, Bangle lo llamó «el Oscar Wilde de los diseñadores: cuando piensas que tienes una idea nueva, descubres que lo ha dibujado todo ya antes y en general hace décadas».

La clave de su repercusión fue su capacidad para tomar lo que se sabía sobre tecnología. y proyectarlo cara al futuro, mas no tan lejos para que la gente no pueda identificarse con él. Usando una técnica de renderizado 2D enormemente detallada y refinada, más en general solo, los vehículos voladores, las urbes que flotan en el cielo e inclusive galgos metálicos gigantes, todo salió de su psique imaginativa. En mil novecientos setenta lanzó una asesoría de diseño industrial, Syd Mead Inc, en la ciudad de Detroit y ganó distintos proyectos y clientes, incluidos jets corporativos, grabadoras de casetes y autos eléctricos para Philips Electronics, interiores de cruceros para Norwegian Caribbean Lines y representaciones arquitectónicas para hoteles Inter Continental.

Volviendo a California en mil novecientos setenta y cinco, atrajo la atención de la industria del cine y trabajó en diseños de automóviles, naves espaciales, urbes y personajes para Star Trek: The Motion Picture (mil novecientos setenta y nueve), Blade Runner y Tron (los dos mil novecientos ochenta y dos), dos mil diez (mil novecientos ochenta y cuatro), como Elysium (dos mil trece), Tomorrowland (dos mil quince) y Blade Runner dos mil cuarenta y nueve (dos mil diecisiete).

Habiendo desempeñado un papel crítico en la producción de Blade Runner de mil novecientos ochenta y dos, se le preguntó al ilustrador Syd Mead qué título le agradaría aparecer en los créditos finales de la película. Mead era un vidente de en la actualidad que empleaba sus habilidades como diseñador industrial y artista ideal para edificar el planeta del mañana. Syd Mead, quien murió hace solo unas semanas en la cúspide del año nuevo, a los ochenta y seis años, es el artista tras la estética dominante de una industria. Mas asimismo volvió a trabajar en las motos ligeras en Tron veinte, diseñó las naves espaciales en Wing Commander cinco e inclusive trabajó con Westwood Studios en su juego Blade Runner. Una gran parte de este trabajo fue una concepción temprana, esbozar turismos flotantes, etcétera

http://sydmead.com/

michael cinco: el diseñador que las ha vestido a todas, desde Lady Gaga a Madonna

rob zombie songs: el mayor espectáculo del mundo online

¡El mayor espectáculo del planeta! ROB ZOMBIE ha desafiado de forma continua al público conforme extiende los límites de la música y el cine. Aparte de lo excitante que puede ser un espectáculo erótico, esto es lo más de lo más…

junio 2020

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Ha vendido más de 23 millones de álbumes en el mundo entero, y es el único artista que ensayó un éxito sin precedentes tanto en música como en cine como escritor / directivo de 7 largos con un total mundial de más de dólares americanos ciento cincuenta millones. Rob Zombie es un músico, director y escritor estadounidense, ​ conocido por ser el creador, cantante primordial, escritor y caricaturista de la banda White Zombie.

La conocida esposa del músico y cineasta Rob Zombie , Sheri, publicó una fotografía de sí en Instagram con una máscara que la hacía parecer un personaje de ‘ Breaking Bad ‘. El músico de heavy metal Rob Zombie está casado con la modelo y actriz estadounidense Sheri Moon desde dos mil dos.

Sheri Moon Zombie ha pasado su tiempo mejorando sus habilidades de alfarería en su granja de Connecticut, donde asimismo cobija animales de rescate y los cuida.

https://robzombie.com/

Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci

Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.

Además de posar desnuda, Aniston lució conjuntos igualmente sensuales patrocinados por marcas de lujo. Firme a través de décadas y generaciones, Aniston mantiene su papel de icono de estilo y redobla la apuesta en cada etapa nueva. En la misma línea, Jennifer Aniston se fotografió de espaldas, en topless, con la mano en los pechos y con una falda negra de Saint Laurent. También llevaba un hilo dental tipo tanga adornado con un aplique metálico vintage de Gucci. Seguro que a ti también te gustaría verla en alguna de las cams porno más solicitadas, pero sus fotos son también muy sensuales.

Puede que Jennifer Aniston no haya sido la primera actriz en hacerse famosa por su escote, pero también es una de las pocas actrices que ha conseguido mantener un alto nivel de éxito a la vez que envejecía con gracia. Lo ha conseguido gracias a que ha seguido trabajando duro en su oficio y a que no ha tenido miedo de experimentar con diferentes estilos y papeles a lo largo de su carrera. Demuestra que no ha perdido de vista lo que hizo que la gente se enamorara de ella en primer lugar: ¡una personalidad divertida combinada con un espíritu aventurero! Ya solo nos falta poderla encontrar sexy en sexole.com

Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.
Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.
Jennifer Aniston es el último rostro famoso que aparece en los nuevos anuncios de Gucci, y ha optado por un look bastante atrevido.

Jennifer Aniston se desnuda en una nueva campaña publicitaria.

¿El detalle? Sumó un adorno Dior vintage a modo de cinturón. Además de posar al desnudo, Jennifer Aniston llevó otros vestuarios igual de sensuales y auspiciados por marcas de lujo. Con una falda negra de Saint Laurent, que dejaba al descubierto los tirantes de un tanga de Gucci, adornado con un aplique metálico de Gucci vintage. Sí, recuerdo haber visto a otras mujeres muy sexys vistiendo cosas parecidas en sexole y hay que reconocer que son prendas que dan un plus de sensualidad enorme. 

Jennifer Aniston: tanga a la vista by Gucci.

La foto, titulada «Jennifer Aniston: tanga a la vista de Gucci», muestra a la actriz de espaldas, en topless y con la mano en los pechos. Lleva una falda negra de Saint Laurent que deja al descubierto los tirantes de un tanga de Gucci adornado con un aplique metálico de Gucci vintage. He entrado en www.sexole.com/transexuales/ porque me ha surgido la curiosidad de ver a alguna sexy trans vistiendo con estas marcas… ¿Crees que he encontrado lo que busco? 

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Ya en el verano de 2022 y a sus 53 años, Jennifer Aniston posaba con un micro bikini que acentuaba su figura. Icónica como pocas, Jennifer Aniston se convirtió en un referente de moda y belleza hace más de 20 años y sigue más vigente que nunca.

Lo cierto es que Jennifer Aniston hace honor a su leyenda. Tras ganar el Sherry Lansing Leadership Award, en el evento organizado por la revista estadounidense que premia a las mujeres del espectáculo, posó en una sesión de moda con el estilo clásico y natural que la caracteriza. Añadió un sombrero vaquero de color blanco y amplió su look con accesorios dorados. The Hollywood Reporter captó a Jennifer Aniston con una serie de looks elegantes, modernos y la moda. Muchos la consideran uno de los rostros más bellos de Hollywood, y es cierto.

Hemos visto a Jennifer Aniston en todo tipo de papeles, por ejemplo, en una excéntrica comediante que se casó con Brad Pitt. En busca de un equipo de estilistas, adiciona a un grupo escandaloso que es el más improbable que jamás conocerás. Te reirás y llorarás, y al final de todo puede que hayas encontrado tu nueva película favorita.

Creo que en algún momento Jennifer Aniston ya no quería ser «Rachel».

El caso es que Jennifer Aniston vuelve a interpretar una y otra vez el papel que le encanta, bobalicona, alegre y segura de sí misma. La hace sentir libre, feliz y llena de vida mientras se prepara para otro reto. En su próximo papel seguro la veremos llena de hilaridad y seguramente hará las delicias del público.

La estrella de Hollywood Jennifer Aniston protagoniza comedias hilarantes y eficaces.
Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.
Jennifer Aniston hace topless. Sesión de fotos de Jennifer Aniston en topless para Gucci. Desnuda y en topless.

Después de haber interpretado decenas de personajes en el cine, la televisión y el teatro, el siguiente papel al que ver a Jennifer Aniston es uno que no es exactamente un papel: ella misma.

El cuerpo que ha ido de la cabeza a los pies en una larga y exitosa carrera como actriz, Jennifer Aniston, es noticia.

Cuando se trata de construir una estructura corporal impresionante, algunas personas tratan de aislar ciertas áreas para que parezcan más definidas. En el caso de Jennifer Aniston, no sólo está tonificada, sino que también tiene un gran bronceado. Ha desarrollado sus brazos y sus bíceps. Su sección media es plana y dura como una roca. Sus muslos son fuertes y bien formados y sus pantorrillas son delgadas pero musculosas.

Algunas personas no se sienten seguras haciendo sesiones de fotos desnudas porque no se sienten cómodas con su imagen corporal. Sin embargo, Jennifer Aniston deja claro que le gusta cómo es. Cuando aceptas tus defectos y trabajas en ellos, no hay necesidad de sentirse insegura por ellos.

Jennifer Aniston muestra su físico en una serie de poses atléticas. Su cuerpo es esbelto y definido. Sólo podemos suponer que ha estado entrenando sin parar para conseguir una figura tan impecable, pero ¿te has preguntado alguna vez qué tipo de rutina de entrenamiento daría los mismos resultados?

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El cuerpo de Jennifer Aniston es una maravilla. Es belleza por derecho propio, pero también tiene la capacidad de hacer que otras cosas sean bellas a su alrededor, como las joyas y los vestidos y las manos de otras personas que se posan sobre ella. Es generadora de deseo, de culto y es casi imposible dejar de mirarla porque es toda tan perfecta… Incluso las imperfecciones apenas se notan: las pecas, los lunares y las líneas de expresión van apareciendo poco a poco, a medida que se conoce mejor su cuerpo.

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Jennifer Aniston sabe lo que hace.

Sabe cómo trabajar con lo que tiene y al mismo tiempo ocultar lo que no quiere que se vea. Cada parte de su cuerpo parece diseñada con la intención de ser vista por los demás y, sin embargo, se las arregla para ser modesta y descarada al mismo tiempo. Su cuerpo es liso y de aspecto suave, sin bordes duros ni rasgos irregulares que pueden distraer la atención de su rostro. No hay grupos musculares pronunciados ni ángulos incómodos que delaten su edad real. Parece muy joven, pero segura de su madurez y seguridad en sí misma.

En el pasado, se invitaba a las famosas a posar desnudas en la revista Playboy o a quitarse la ropa para un papel en el cine. Hoy en día, Internet está lleno de millas de fotos y vídeos de famosos a los que cualquiera puede acceder con unos pocos clics. El público ya ha visto a muchas famosas desnudas, pero sigue teniendo la tentación de ver más y la tendencia ha sido adoptada por los principales medios de comunicación, como ESPN, la revista GQ y Sports Illustrated.

En una entrevista, Jennifer Aniston reveló algunos secretos sobre la forma de su cuerpo y cómo la consiguió. Al parecer no tiene ninguna dieta especial ni régimen de ejercicios. Lo que hace es más bien de sentido común: come alimentos saludables y hace mucho ejercicio.

Cuando se trata de estar en forma, hay varias cosas que deben preocuparte: tu dieta, tu rutina de ejercicios y la frecuencia con la que haces cada sesión. El cuerpo de Jennifer Aniston está en forma porque presta atención a los tres aspectos. No come comida basura todos los días y no come demasiado de una sola vez. Solo pequeñas porciones a lo largo del día para mantener sus niveles de energía elevados durante toda la jornada y dar a su mecanismo la oportunidad de trabajar adecuadamente. Esta forma de comer evita las dietas especiales que prometen una rápida pérdida de peso,

Newman y Woodward: La pareja de Hollywood que disfrutó de mucho sexo

La poderosa pareja de Hollywood formada por Paul Newman y Joanne Woodward sería conocida como la pareja que disfruta de MUCHO sexo. Pero Paul no sabía realmente cómo complacer a una mujer hasta que Joanne sacó su caja de Pandora de caramelos y la abrió por completo dentro de una habitación especial a la que se referían cariñosamente como la «choza del sexo».

Newman y Woodward: La pareja de Hollywood que disfrutó de mucho sexo

Newman examina su relación con su propia sexualidad y la sensación de que, si bien las mujeres de todo el mundo lo ven como un dolor de corazón, gracias a películas como Cool Hand Luke, The Hustler y Butch Cassidy and the Sundance Kid, en realidad no lo es. Se sintió sexy hasta que conoció a su esposa, Joanne Woodward. Su vida sexual era el lugar para recibir verdaderos premios Oscar y elogios, ya que su matrimonio estuvo lleno del tipo de drama que esperarías de dos leyendas de Hollywood. «Incluso si mis hijos vinieran, íbamos a Fuck Hut algunas noches a la semana y éramos íntimos, ruidosos y sensuales», escribió Newman. Ahora que no puedo evitar ver a Paul y Joanne irrumpir en su amada cabaña y arrancarse la ropa violentamente, Joanne comenzó a volver a Paul como un gato en un cálido techo de hojalata.

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Y a Joanne no le gustó nada. Como atestigua el documental en seis partes de Ethan Hawke sobre su difunta madre, esta relación cariñosa pero profundamente complicada y la personalidad inquieta e infeliz que subyace al encanto de Newman en la pantalla son sólo algunos de los elementos que conforman una vida extraordinaria

+ en: Apparently, Paul Newman Learned Everything He Knew About Sex From His Wife Joanne Woodward

Paul Newman era uno de los actores más queridos de Hollywood.

Por eso, cuando murió los fans de todo el mundo lloraron su pérdida.

Su historia de amor junto con una mirada entre bastidores a la personalidad inquieta e infeliz que se escondía tras el encanto de Newman en la pantalla se detalla en el documental de Ethan Hawke.

En su nuevo documental sobre Paul Newman, repasa la vida y el legado de la difunta estrella. Además de mostrarnos el trabajo del actor y sus esfuerzos filantrópicos, Hawke también revela algunos secretos que hasta ahora eran desconocidos por todos, excepto por unos pocos.

El documental de Ethan Hawke sobre Paul Newman y Joanne Woodward es un convincente retrato de uno de los matrimonios más duraderos de Hollywood.

Newman era tanto una estrella de cine como un protagonista, con sus ojos azules y su famosa sonrisa. Protagonizó algunas de las películas más queridas de Hollywood.

La pareja tuvo una vida en común de bajo perfil. Eran personas privadas que rara vez aparecían en alfombras rojas o hablaban de su vida personal en público.

Redford recuerda que Newman «tenía un verdadero sentido de lo que estaba sucediendo en el mundo y la conciencia de que estaba cambiando muy rápidamente» durante su tiempo juntos.

Añadió que «era una de esas personas que simplemente tenía esa cualidad de ser más grande que la vida».

Tecnópolis: Una exposición retrofuturista (y otras por el estilo)

Futurama es una exposición retrofuturista, cuyas piezas reflejan cómo la gente de los años 50 vio el siglo XX, el mundo del futuro. El nombre de la exposición no está inspirado en la mundialmente famosa serie de animación, como muchos podrían pensar, sino en una exposición real de la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Al permitir a los visitantes ver una mirada retrospectiva hacia el futuro, esta exposición ofrece la oportunidad de reflexionar sobre cuestiones eternas relativas a la relación del hombre con la tecnología y su pasado y futuro. La identidad de esta exposición comenzó con un tipo de letra original que crearon con FontLab; el objetivo al hacerlo era transmitir el estilo de las ilustraciones que se encuentran en estos cómics.

Toda la ciudad futura de Tecnópolis está inspirada en los cómics y artículos de prensa de los años 50 sobre inventos futuristas, como: robots, coches voladores, el jetscalator, cirugías sin sangre, educación con botones, centros urbanos rejuvenecidos, correo con cohetes.

Kela Coto

Por otro lado tenemos la obra de Kela Coto, que nos transporta a un mundo futurista en el que la tecnología y la naturaleza son protagonistas.

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La tendencia actual en decoración es el «minimalismo», un estilo que se concentra en la función más que en la forma. Es un estilo para personas menos materialistas y más conscientes del medio ambiente. Esta es la dirección que ha tomado la decoración, pero ¿llegará para quedarse?

+ en: Futurama Exhibition Identity Design – World Brand Design Society

Futurama – El museo de ciencia ficción más grande del mundo es una creación de David Calkins. Se inspiró en los cómics de los años 50 y en los artículos de los periódicos sobre inventos futuristas, como: robots, coches voladores, el jetscal…

La obra mágica de la vida es una experiencia real, insustituible y con mucho cuerpo, especialmente en el caso de un evento como la Feria Casa Decor.

AMCEXPONE, una exposición fotográfica y videográfica ITINERANTE

En el marco del 8 de marzo Día Internacional de la Mujer se INICIA AMCEXPONE, una exposición fotográfica y videográfica ITINERANTE sobre las principales mujeres compositoras españolas de los diferentes géneros musicales (sinfónico, audiovisual, popular, jazz, electrónico y flamenco), la cual tiene como fin unificar, dignificar y visibilizar su trabajo.

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         AMCEXPONE reúne un total de 27 retratos, homenajeando a reconocidas creadoras musicales que sirven de referente a otras artistas y a la sociedad.

         Las autoras han sido seleccionadas cuidadosamente no solo por su gran valor humano y liderazgo, sino también  por su  trayectoria y trascendencia profesional.

         AMCEXPONE contiene el testimonio videográfico de las 27 compositoras, en el que se aborda la brecha de género en la Industria Musical, el cual está DISPONIBLE EN NUESTRA PÁGINA DE YOUTUBE @AMCEMUJERES.

El dia 13 de febrero es la Rueda de Prensa de la exposición en el Conde Duque a las 19,00h. donde asistirán la mayoría de las Artistas.

Tecnópolis: Una exposición retrofuturista (y otras por el estilo)

Como Covergirl fichaba a Katy Perry como embajadora de la marca

En 2014, Covergirl fichó a Katy Perry para que se convirtiera en embajadora de la marca. La vinculación se produjo durante el lanzamiento de una nueva canción del álbum Prism de Katy Perry, que salió a la venta el 22 de octubre de 2014.

Como Covergirl fichaba a Katy Perry como embajadora de la marca

El lanzamiento de Prism y los singles que lo acompañarían fueron muy esperados por los fans y los expertos de la industria desde que Perry anunció su asociación con Covergirl.

La estrella del pop ha sido otra de esas que se apuntan, oportunista y demagógicamente, a defender los derechos de los homosexuales y a presentarse como una aliada del «colectivo» LGBTQ, como si estos y estas tuvieran derechos disminuidos o merecieran derechos diferentes a las demás personas por razón de sus preferencias sexuales.  Incluso fue noticia cuando se pronunció en contra de las leyes de libertad religiosa que se estaban aprobando en estados como Indiana y Arkansas, afirmando que eran discriminatorias para los homosexuales.

Perry aparecería en numerosos anuncios impresos y comerciales de Covergirl que se emitirían en canales de televisión como MTV, VH1 y E!, así como en línea a través de redes sociales como Facebook y Twitter.

También protagonizará una serie de cortometrajes para la campaña «Get Your Look» de Covergirl. La serie consta de tres cortos que se estrenaron en abril, mayo y junio.

Además de los productos, Covergirl también lanzaría una colección de edición limitada con Perry llamada «Katy Kat» que consta de barras de labios, máscaras, sombras de ojos, esmaltes de uñas y brillos.

¿Cuando van a dejar estos ricos, famosos, poderosos de la industria y del Mercado global de aprovecharse de las personas que tienen una preferencia sexual determinada puesta en evidencia por ellos y ellas mismas? Ser homosexual no merece, como tampoco el ser hetero, el estar constantemente siendo objeto de campañas demagógicas de los ricos mediáticos y de los políticos. ¡Dejen de usarnos a las personas para sus fines políticos y para hacer dinero a nuestra costa! !Dejennos follar con quien nos dé la gana y no nos utilicen por ello! ¡Son todos ustedes, y tú Katy, también, unos HIPÓCRITAS DESPRECIABLES!

fabrizio bosso: WE4 o el valor de hacer música buenos músicos juntos

Cuarteto de Fabrizio Bosso

El nuevo trabajo de WE4, el Cuarteto Fabrizio Bosso llega a la Casa del Jazz el 22 de julio.

Creado inmediatamente después de la epidemia de coronavirus, WE4 trae consigo la conciencia del valor de hacer música buenos músicos juntos y cómo puede convertirse esto en un proyecto de intercambio profundo que continúa más allá del escenario.

Fabrizio Bosso quartet

En el directo de dos volúmenes «State of The Art», lanzado en 2017, Fabrizio Bosso habló del estado de su música y la consideró con todas las intenciones y propósitos como el comienzo de un nuevo viaje con tres extraordinarios compañeros: Julian Oliver Mazzariello , Jacopo Ferrazza, Nicola Angelucci.

Así, tras innumerables conciertos por todo el mundo y años de continuo enfrentamiento, WE4 es una representación completa, en sonido, interacción y composición, del intercambio total. De hecho, el nuevo repertorio incluye composiciones originales que todos escribieron específicamente para esta formación, una composición a cuatro manos de Fabrizio Bossa y Julian Oliver Mazzariello, y dos composiciones firmadas por cuatro.

+ en: Fabrizio Bosso quartet alla Casa del Jazz

Evolución de la tauromaquia desde sus inicios hasta hoy

Para entender la cultura taurina: Conoce la Evolución de la tauromaquia desde sus inicios hasta la actualidad.

La arqueología nos ha demostrado que el toro era el animal sagrado de las civilizaciones prehelénicas, presente en la mitología con el famoso Minotauro y en el arte, como aparece en los frescos del palacio de Knossos. Pero desde entonces hasta hoy, en que te puedes encontrar buscando en internet entradas plaza de toros de las ventas para poder asistir a tu espectáculo favorito, han pasado muchas cosas…

Para entender la cultura taurina: Conoce la Evolución de la tauromaquia desde sus inicios hasta la actualidad.
Para entender la cultura taurina: Conoce la Evolución de la tauromaquia desde sus inicios hasta la actualidad.

Para escribir esto busco inspiración unos minutos en un fresco de una escena taurina en el Palacio de Knossos. Ahora la puedo encontrar fácilmente en pinterest, o sea, en la Red. Sin embargo, el nacimiento de la tauromaquia como arte se encuentra muy lejos en el tiempo, en la historia, precisamente en la cultura romana.

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Al principio esto formaba parte de los espectáculos con gladiadores, fieras… pero con el emperador Constantino se suprimieron, aunque no en Hispania, que continuaron, dado el inmenso interés que despertaba en la población. Probablemente por que el toro español era mucho más bravo y violento. Quizás esto se deba a la aridez y sequía de los terrenos donde se cría dicho ganado.

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Por tanto, la tauromaquia tiene su origen en los tiempos de la antigua Hispania romana. Como es de suponer, esta cultura influyó mucho en la aparición de la tauromaquia a través de sus exhibiciones en anfiteatros y circos.

La Edad Media supuso la consolidación de la tauromaquia

Por supuesto, hasta la Edad Media no podemos decir que la fiesta sentó sus bases como tal. Varios siglos después, la tauromaquia triunfó, sobre todo, en España, en el sur de Francia y en América. Fue una fiesta considerada fabulosa, gloriosa y heroica, y aceptada entonces sin discusión.

En un principio, la tauromaquia se practicaba no sólo a pie, sino también a caballo. Más tarde, esta figura a caballo evolucionaría hacia los picadores, que brillarán junto al torero en los tiempos modernos, entre colores como el rojo y el dorado, sin duda los colores del toreo.

Cada corrida era sinónimo de fiesta, de vacaciones, de placer. Palabras como sacrificio, sangre o muerte no cruzaban por la mente de nadie. La corrida era vista como un baile, un distinguido vals entre el toro y su adversario, el torero.

Aunque la tauromaquia tuvo mucho éxito en España y fue un símbolo nacional, hubo reyes que menospreciaron esta fiesta. Hubo monarcas que llegaron a odiar este espectáculo y trataron de eliminarlo. Incluso el Papa Pío V en el siglo XVI prohibió las corridas de toros porque, según él, eran contrarias a la compasión cristiana.

Los Reyes Católicos, por ejemplo, no lograron abolirla por completo, pero la cancelaron. La excusa fue que había una influencia árabe y querían borrar todo rastro musulmán de la cultura de Castilla y Aragón.

Julio César y la tauromaquia

En la obra ‘Tauromaquias Aragonesas’, de Alfonso Zapater, se señala ya que «el origen de la tauromaquia es incierto, y aunque no parece muy probable, otros historiadores atestiguan que la tauromaquia, en su versión inicial , surgiría en Grecia, pasando después a Roma”.

Zapater recoge en esta misma obra la idea de otros historiadores, que defienden que “el emperador Julio César le tomó afición a los toros e hizo algunas innovaciones para mejorar su práctica, en particular la introducción de la pica. Y es que en los circos romanos tenían lugar las veneraciones. Eran peleas de gladiadores, algunos de ellos especializados en lidia con toros. A su equipo habitual, formado por una espada y un escudo, parece que se le añadió una tela roja, que servía para distraer al animal, y que evolucionaría hasta convertirse en la capa que conocemos hoy.

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Las primeras corridas de toros en España

El origen de la tauromaquia en España se remonta a las primeras corridas de toros que, según está documentado, datan del siglo XII. Son actividades que se han tomado con un aire festivo y lúdico. La primera corrida de toros documentada tuvo lugar en 1128, cuando se casaron Alfonso VII de Castilla y Berenguela de Barcelona. Tuvo lugar en la ciudad de Saldaña. La crónica de la época recoge: «… en que Alfonso VII se casa en Saldaña con doña Berenguela la hija del Conde de Barcelona, ​​entre otras funciones también hubo corridas de toros».

Las corridas, por entonces, requerían una completa organización en la que participaban un buen número de profesionales y empresas que constituían un complejo entramado de relaciones e intereses.

new rose hotel: Una película de fascinante ambigüedad y sugerente ciencia ficción

Con la ayuda de una noble prostituta, dos cazatalentos tienen que «persuadir» a un ingenioso científico japonés para que cambie de empleador.

new rose hotel: Una película de fascinante ambigüedad y sugerente ciencia ficción

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Es demasiado tarde para darse cuenta de que ellos mismos han sido utilizados para ayudar a derribar a la alta dirección. Una película de fascinante ambigüedad, que con su sugerente ambiente de ciencia ficción y juegos de rol, que difícilmente pueden pasarse por alto en un estilo narrativo fragmentado, evoca el fin de la libertad individual.

Género : Drama, Misterio, Ciencia ficción
Idioma : Alemán, Inglés /

The London Boys: Bowie era simplemente increíble…

London Boys es parte de la caja Brilliant Adventure e incluyen una banda que tocó en Glastonbury y también grabó el álbum TOY. Sin embargo, The London Boys no formaba parte de la transmisión original de BBC TV.

Bowie es simplemente increíble, cada vez que veo este espectáculo, es como un golpe en el corazón. Uno de mis favoritos de los 60 y muy buena esta versión actualizada de Toy y su voz…

Muchas de sus primeras cosas son muy adecuadas para bandas sonoras de películas en los años 60 e incluso ahora. Fue maravillosamente prolífico durante su vida. ¿Fue esta su primera gran canción?

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David Bowie figura en el puesto 23 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. El legendario músico inglés David Bowie murió pocos días después del lanzamiento de su último álbum Blackstar. El artista británico, famoso por su extravagante alter ego: Ziggy Stardust, fue considerado una de las más grandes estrellas de todos los tiempos y ocupa el puesto 23 en la lista de los 100 mejores cantantes de los Rolling Stones.

Letra The London Boys

Cow bell strikes another night
Your eyes are heavy and your limbs all ache
You’ve bought some coffee, butter and bread
You can’t make a thing cause the meter’s dead
You moved away
Hold your folks you’re gonna stay away
Bright lights, Soho, Wardour street
You hope you make friends with the guys that you meet
Somebody shows you round
Now you’ve met the London boys
Things seem good again, someone cares about you
Oh, the first time that you tried a pill
You feel a little queasy, decidedly ill
You’re gonna be sick, but you mustn’t lose faith
To let yourself down would be a big disgrace
With the London boys, with the London boys
You’re only seventeen, but you think you’ve grown
In the month you’ve been away from your parents’ home
You take the pills too much
You don’t give a damn about that jobs you’ve got
So long as you’re with the London boys
A London boy, oh a London boy
Your flashy clothes are your pride and joy
A London boy, a London boy
You’re crying out loud that you’re a London boy
You think you’ve had a lot of fun
But you ain’t got nothing, you’re on the run
It’s too late now, cause you’re out there boy
You’ve got it made with the rest of the toys
Now you wish you’d never left your home
You’ve got what you wanted but you’re on your own
With the London boys
Now you’ve met the London boys (3 times)

https://www.davidbowie.com/

las fotos favoritas de Iman y newton helmut

En 1976, después de llegar a Nueva York a los 20 años, su primer trabajo como modelo fue para Vogue.

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Sin embargo, esta no fue su primera sesión; sucedió un año antes en Kenia. Allí, por casualidad, conoció al libertino fotógrafo y aventurero Peter Beard. Cuando Peter propuso una sesión de fotos, aunque nunca podría haber imaginado la trayectoria que se pondría en marcha, al menos pudo ver la negociación de una cantidad igual a su matrícula, y se llegó a un acuerdo.

Cómo la revolucionaria portada de Vogue de Beverly Johnson cambió la moda para siempre

Peter Beard trajo sus fotos a Nueva York, y poco después también a ella.

Helmut Newton: hechos desnudos

Quince locos y silenciosos años después, tenía treinta y tantos años y la inevitable encrucijada estaba al alcance de la mano. Se acercaba una clase de modelos de primer año: Linda, Christy, Naomi, Cindy. Esto, combinado con su propia inquietud, le hizo darse cuenta de que era hora de comenzar un nuevo capítulo. Además, parecía prudente hacer una excursión antes de que le mostraran una.

Anunció por todas partes que colgaría oficialmente sus patines de modelismo. Su partida fue anunciada por una sesión final de «adiós».

Había puesto sus ojos en Los Ángeles con el objetivo declarado de dedicarse, ¿qué más?, a la comedia. Aunque logró hacer algunas películas, terminó asociando a la Ciudad de los Ángeles con eso. Fue aquí donde conoció y se enamoró de su eterna alma gemela, el Sr. David Bowie. La vida para ella cambió fundamentalmente.

Sin embargo, le encanta trabajar. En LA en 1993, comenzó a desarrollar Iman Cosmetics. Esta nueva aventura, y también esta nueva pareja, finalmente les llevó a David y a ella a ser fotografiados por el supremo Irving Penn. El conmovedor estudio de Irving Penn sobre marido y mujer, 1994.

En el set, había pocas manos en la cubierta: solo el Sr. Penn, su editora de confianza Phyllis Posnick desde hace mucho tiempo y algunas otras personas. No hubo nada del alboroto y la exageración habituales que tan a menudo caracterizan una sesión.

En 1998, Vogue atribuyó una historia a su compatriota somalí y hermana modelo Waris Dirie, quien entonces, como víctima y defensora, trajo valientemente la horrible práctica de la mutilación genital femenina a la atención del mundo. Dado que el procedimiento prevalece en Somalia, así como en muchas otras partes de África, la eligieron para realizar la entrevista. Dada la naturaleza traumática de la historia de Waris, estaba verdaderamente agradecida de estar allí para ofrecerle solidaridad y protección maternal.

Cuando Vogue organizó su sesión con Herb Ritts, el mundo acababa de cumplir el año 2000. Tenía 44 años y esperaba un hijo, su segunda hija. Excepto por una tobillera, se encontró desnuda ante la cámara. Pero esta vez se trataba de un desnudo de Herb Ritts, un contrapeso soñador e inocente al de Mr. Newton.

Dos obsequios, Bruce Weber y Grace Coddington, trabajando en un portafolio sudafricano de 1995 con David y ella, fue una gran experiencia. Bruce llevó optimismo y alegría; Grace baúles llenos de ropa vintage de mediados del siglo XX. Por una vez, no era solo ella retozando para la cámara;  su marido también saltó. No parecía una sesión de fotos, sino más bien una elegante segunda luna de miel que casualmente incluía a un fotógrafo y estilista extraordinario: eran un feliz grupo de cuatro sueltos en Sudáfrica. Las fotografías deben su brillantez a la brillantez de Bruce al sentir el momento en que convergen el placer, la picardía y la intimidad. Fue durante esta sesión que Bruce creó el retrato favorito de David: dos recién casados ​​besándose a escondidas, pero con David, todavía el caballero, bloqueando el momento con su sombrero por cortesía. A David le encantó esta foto por su juego de intimidad: un beso que se captura, pero fuera de la vista.

+ en: Iman Looks Back at 41 Years of Iconic Photographs in Vogue

Lindsey Stirling by Johnny Zuri: Una revolucionaria de la música electrónica de violín

Le gusta tocar el violín, bailar, escribir música, editar videos, vestir y actuar.

Así que lo puso todo junto un día y lo que vemos en sus vídeos y en sus actuaciones es lo que sucedió.

Lindsey Stirling es una valiente. Lo suficiente como para soñar siempre en grande. Su versión revolucionaria de la música electrónica de violín le ha valido millones de fans en todo el mundo, cuatro listas de Billboard encabezando, una certificación RIAA Gold por su segundo trabajo, Shatter Me, y dos premios Billboard Music Awards.

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Tras la cancelación de sus giras de 2020 debido a COVID-19, Lindsey financió y realizó un concierto virtual en vivo que llegó a más de 100,000 espectadores.

El año 2021 comenzó con el lanzamiento de «Lose You Now», un sencillo con el artista / productor Mako. 

El álbum lanzado en 2019 fue aclamado por la crítica y debutó en el puesto número 1 en la lista de álbumes electrónicos / dance.

https://www.lindseystirling.com/

The Lindsey Stirling Christmas Program
Secure your access to Lindsey Stirling’s VIP Ugly Sweater Christmas Party here

Nov 26 | Memphis, TN | Cannon Center For the Performing Arts

Nov 27 | Shreveport, LA | Shreveport Municipal Auditorium

Nov 29 | Oklahoma City, OK | The Criterion

Nov 30 | Wichita, KS | Orpheum Theatre

Dec 1 | Ames, IA | Iowa State Center – Stephens Auditorium

Dec 2 | Grand Rapids, MI | Van Andel Arena

Dec 3 | Madison, WI | The Sylvee

Dec 4 | Peoria, IL | Peoria Civic Center Theater

Dec 6 | Nashville, IN | Brown County Music Center

Dec 7 | Rockford, IL | Coronado Performing Arts Center

Dec 8 | Columbus, OH | Palace Theatre

Dec 10 | Binghamton, NY | Visions Veterans Memorial Arena

Dec 11 | Buffalo, NY | Shea’s Performing Arts

Dec 13 | Pittsburgh, PA | Benedum Center for the Performing Arts

Dec 14 | Providence, RI | Providence Performing Arts Center

Dec 16 | Reading, PA | The Theatre At The Santander Arena

Dec 17 | Charleston, WV | Charleston Municipal Auditorium

Dec 18 | Augusta, GA | William B Bell Auditorium

Dec 20 | Columbia, SC | Koger Center for the Arts – Gonzales Hall

Dec 21 | Huntsville, AL | Von Braun Center – Mark C. Smith Concert Hall

Dec 22 | Mobile, AL | Saenger Theater

Dec 23 | Jackson, MS | Thalia Mara Hall

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