ARTE EN LA RED

El futuro del arte en Portugal: exposiciones que transforman la cultura

El futuro de las exposiciones en Portugal: Arte en constante evolución.

El futuro de las exposiciones en Portugal: una mirada hacia adelante

El futuro de las exposiciones en Portugal se perfila prometedor, con una creciente tendencia a presentar exposiciones innovadoras, multidisciplinarias y de calidad. En este artículo, analizaremos algunas exposiciones destacadas y cómo estas han influido en el panorama artístico y cultural portugués.

Cien formas de romper un glaciar: El futuro del arte literario en manos de Carlos Zanón. El futuro del arte literario en «Cien formas de romper un glaciar»

En el próximo 9 de marzo, la editorial Salamandra lanzará al mercado un compendio literario titulado «Cien formas de romper un glaciar«, una obra que reúne cien crónicas seleccionadas del célebre escritor Carlos Zanón. Esta publicación desentraña una realidad íntima e insólita a través de la lente cáustica y lírica del autor.

Este libro brinda una ocasión inmejorable para apreciar las destrezas literarias de un escritor siempre agudo, equidistante, ingenioso, cínico, hooligan y deslumbrante en la distancia corta. Las crónicas abarcan desde Barcelona hasta Buenos Aires, y a lo largo de ellas, Zanón presenta un enfoque implacable y nostálgico.

Varios colegas y críticos literarios destacan las cualidades de la prosa de Carlos Zanón, que lo diferencian de otros autores. La cadencia de su prosa, cuidadosa y llena de vida, se siente en cada frase, al mismo tiempo que golpea y sacude al lector. Carlos Zanón es considerado por muchos como una de las mejores cosas que le ha ocurrido a la literatura en los últimos años.

«Cien formas de romper un glaciar» se adentra en el «universo Zanón», que abarca taxistas, bares, barrios, ciudades, mitos de la infancia, libros, películas, música y familia. La flora y fauna insólitas de su mundo son resultado de una reflexión implacable y, a la vez, ligeramente melancólica sobre la realidad y los aspectos cotidianos que el autor observa, piensa y recrea a su manera.

Carlos Zanón es conocido como novelista y poeta, pero también se desempeña como narrador en un periódico. Después de años de colaboraciones ininterrumpidas en la prensa, «Cien formas de romper un glaciar» presenta la contraparte real del universo imaginario que palpita en todas sus novelas.

La colección en la que se incluye este libro es «Salamandra Miradas», y consta de 240 páginas. El precio de la obra es de 20,00 €, y estará disponible a partir del 9 de marzo de 2023.

«Cien formas de romper un glaciar» es un viaje literario a través de la pluma de Carlos Zanón, un autor que deslumbra y emociona con sus historias y personajes, y que dejará una huella imborrable en el mundo de las letras.

El Centro Pompidou, creado por Renzo Piano y Richard Rogers, es una de las joyas arquitectónicas del siglo veinte

Identificable por sus escaleras mecánicas exteriores y sus enormes cilindros coloridos. De allá asimismo se puede gozar de una inusual vista panorámica sobre el centro de la ciudad de París y sus tejados. El centro de arte está dedicado a Georges Pompidou, presidente de la República francesa entre mil novecientos sesenta y nueve y mil novecientos setenta y cuatro, que murió en el ejercicio de sus funciones.

Las obras habían empezado en mil novecientos setenta y siete, y su inauguración corrió a cargo de su sucesor, Valéry Giscard d’Estaing. 

Origen: Centro Pompidou, París – Ruta Inti

«El Centro Pompidou»:

1. Nombre del lugar: Centro Pompidou.

2. Arquitectos creadores: Renzo Piano y Richard Rogers.

3. Joya arquitectónica del siglo XX.

4. Identificable por:

   • Escaleras mecánicas exteriores.

   • Enormes cilindros coloridos.

5. Vista panorámica:

   • Inusual vista panorámica sobre el centro de la ciudad de París y sus tejados.

6. Centro de arte dedicado a Georges Pompidou:

   • Presidente de la República francesa entre 1969 y 1974.

   • Murió en el ejercicio de sus funciones.

7. Fecha de inicio de las obras: 1977.

8. Inauguración del centro de arte:

   • A cargo del sucesor de Georges Pompidou, Valéry Giscard d’Estaing.

El fuerte aguacero empapó las páginas de la última novela de Dolores Redondo, Esperando el diluvio. Las páginas se transforman en una poderosa tormenta en los siguientes capítulos mientras el lector viaja por Glasgow, y con esas nubes sobre nuestras cabezas -que se convirtieron en una tormenta- viajamos por la ciudad vasca antes del Guggenheim, la de la pelea callejera y los chiquiteros, el omnipresente cielo gris y el olor metálico de las chimeneas de Bilbao. Una obra que esconde en su interior una honesta y nostálgica declaración de amor a Bilbao. Si en los relatos de Amaia Salazar esperábamos con inquietud la resolución del misterio, aquí la emoción no disminuye a pesar de conocerse parte de este.

Dolores Redondo, autora de ‘Esperando el diluvio’, una historia de amor en Bilbao

Las páginas de la última novela de Dolores Redondo, Esperando al diluvio (Destino, 2022), vuelven a estar empapadas por un fuerte aguacero.

MOMENTOS DE UNA ENTREVISTA A DOLORES REDONDO EN ZENDA (La entrevista completa en el enlace)

Cuando los policías de Glasgow investigaron el tercer crimen, se dieron cuenta de que estaban ante un gran depredador. Habían matado a tantas mujeres que se generó tal paranoia que la policía tuvo que emitir tarjetas, que identificaban a los hombres que se parecían al retrato de John Biblia, confirmando que no eran él para evitar linchamientos. Las primeras hipótesis, llevadas a cabo por investigadores nacidos en los años 30, eran muy básicas, extremadamente simplistas, indicando que Biblia había propuesto a estas chicas tener relaciones sexuales, y como ellas tenían la menstruación esto le había enfurecido. Esa era la explicación superficial de por qué mataba a las mujeres con la menstruación. Mucho más tarde, empezaron a preguntarse cómo había detectado que estaban menstruando. Cuando aparecieron las primeras mujeres en la policía, esto llevó a los investigadores a cambiar su enfoque y a considerar métodos para atrapar a la Biblia diferentes a los que se usaban comúnmente en la época.

https://mobile.twitter.com/hashtag/EsperandoalDiluvio?src=hashtag_click

Tanto en la vida de Noé, como en la de Juan, por su falta de amor, que él y ellos comparten entre sí. Ya lo vimos con Amaya Salazar y también con Manuel y Nogueira en Todo esto te daré. Lo que es el miedo es lo que aprendemos en casa, los ejemplos que recibimos desde la infancia, el amor de nuestros padres, de los demás, de nuestros hermanos y del resto de la familia. Ese es el concepto de amor que repetiremos una y otra vez durante nuestra vida. Tener miedo en casa es algo que he vivido a través de otros personajes, como Amaya Salazar, y me parece aterrador. Tanto en la infancia como en la edad adulta, todos deberíamos sentirnos seguros en nuestros hogares.

+ en: Dolores Redondo: «Ojalá John Biblia esté muerto» – Zenda

https://www.facebook.com/Planetadelibros/videos/3220791658180458/

Dolores recorre varias realidades, en una novela para lectores que no suelen dedicar tiempo a la lectura de novelas para suplir su falta de tiempo con la lectura.

Aunque el tiempo pasa rápido, este es un libro que se quedará contigo para siempre.

¿Estás preparado para leer? Esperando al diluvio es el conjunto perfecto de literatura y realidad.

Cada vez que se pasa una página cae la lluvia.

La combinación de hormigón y resina es difícil de igualar, pero Draga & Aurel y Rossana Orlandi Gallery dan prueba de por qué los materiales funcionan tan bien juntos en CORALIA. La colección debutará a principios de julio de 2022 en NOMAD Capri y se inspira en la propia isla mágica, concretamente en el mar. Con tantos tonos de agua turquesa y los colores cálidos de las anémonas para representar, CORALIA entrelaza arte y diseño.

La yuxtaposición de lo duro y lo opaco con lo ligero y lo translúcido es una combinación perfecta, al menos según los diseñadores Draga & Aurel. El estudio multidisciplinar, junto con la galería Rossana Orlandi, dan prueba de por qué CORALIA funciona tan bien en conjunto.

+ en: The CORALIA Collection Is Inspired by the Magical Island of Capri

LO QUE CUENTAN DE ESTO OTROS MEDIOS DE LA GALAXIA

CORALIA: La colección única de Draga y Aurel, Galería Rossana Orlandi

Inspirándose en los colores y matices de las aguas de Capri y en la belleza ligera y translúcida de su vida marina, Draga & Aurel, junto con la Galería Rossana Orlandi, han creado CORALIA. Esta colección, que debutará en NOMAD Capri a principios de julio de 2022, es una combinación de arte y diseño. (The Marine Art of Venus)

CORALIA Y LOS VARIOS TONOS DE AZUL – Draga & Aurelie Furniture At Ross

El arte de Draga & Aurel, un estudio de diseño multidisciplinar, se inspira en el mundo natural. La última colección del estudio, CORALIA, debutará en NOMAD Capri en julio de 2022. La colección celebra el mar con su variedad de tonos turquesa y colores cálidos, inspirados en las anémonas. (Il Correo de NeoCapri)

CORALIA: Fusión de arte y diseño

CORALIA es una colección de obras que unen diseño y arte. Las primeras piezas se crearon para una exposición en NOMAD Capri y se presentarán a principios de julio de 2022. Inspirada en el propio mar, es la mezcla perfecta de forma y función, belleza y utilidad. (The Candidate)

Lecciones sobre el futuro del arte sexual, bizarre y publicitario. El arte sexual en la historia de este planeta.

Abordar la presencia de la sexualidad en la historia del arte es abordar la historia de la censura, ya que la “obscenidad” siempre ha actuado como limite paradigmático de la libertad artística. Hay innumerables ejemplos de esto, citaremos sólo algunos para mostrar que el arte «irreverente» es también el futuro. Incluso en las paginas para tener sexo podemos encontrar trocitos de arte presente en todo tipo de diversidad sexual.

Una de las obras más importantes de la literatura universal es el Ulises de James Joyce, obra que, habiendo sido caracterizada principalmente como pornográfica, ha sido sometida al mismo escrutinio que las obras subversivas, por parte de las autoridades públicas estadounidenses, siendo hasta prohibida en todos los Estados Unidos.

Ya sabemos que en esta nación contrastan las iniciativas de cosas como emprender para lanzar apps para tener sexo junto a campañas de censura hacia el sexo, antes por parte de los grupos sociales más conservadores, ahor, paradójicamente, de los contrarios, los mal llamados » progresistas», que pareciera que se trata de reaccionarios conservadores que se han «infiltrado» en las filas demócratas. Y, como lo ve Kevin Birmingham en The Most Dangerous Book, James Joyce and the Battle for Ulysses, existe un vínculo innegable entre el sexo y la política.

Nadie podría imaginar hace unas décadas que las páginas para tener sexo fueran una de las cosas más buscadas en internet, porque no había internet. Pero, ¿qué pasa con el papel contracultural y transgresor del arte sexual? ¿Se pueden extrapolar estos atributos al discurso sexual actual? Responder a esta pregunta no es fácil si se tiene en cuenta que los largometrajes pornográficos actuales son una anomalía frente a los cortos formatos secuenciales que inundan Internet, los llamados hits repletos de fantasías sexuales masculinas .

Viértelo

Es posible que te diviertas más y te diviertas con el erotismo, y puedes estar en problemas en los clubes de striptease. Pero, a la vez un apercibimiento sobre el que se habla más discreción del dinero y su papel preponderante en este mundo. En general, el resultado no tiene desperdicio. La princesa del R&B luce sexy y muy atrevida, ciertamente descarada y muy desenfadada. Hablamos de Rihanna.

Se trata de un video entretido cuyo tema musical le sienta como anillo al dedo.

Y es que frente al feminismo antipornográfico, surgió un feminismo liberal o feminismo pro-sexo que abogaba por el fortalecimiento de las mujeres en sus decisiones, también en lo referente al sexo y todas sus manifestaciones. Algunas feministas se han opuesto a la censura, convirtiendo la discusión sobre las mujeres y su relación con la pornografía y la prostitución en una cuestión de libertad de elección.

Esta fragmentación del movimiento feminista que tuvo lugar en la década de 1980 continúa o, quizás, se ha incrementado en la actualidad donde las posiciones contrapuestas de las feministas abolicionistas y las autodenominadas feministas de derechos respecto a la prostitución, la pornografía o la gestación subrogada parecen irreconciliables.

Pues bien, el nivel de virulencia en el enfrentamiento entre un sector y otro del feminismo actual reproduce lo que ya hizo McKinnon en los años 80, que fue negarse incluso a sentarse en una mesa de discusión con quienes no comparten su propia visión. ¡Muy propio del feminismo, no obstante, la falta de autocrítica y la empatía con quienes no piensan como ellas o discrepan de sus dogmas!

Muchos creen que el Kama Sutra fue la primera representación de un «manual de sexo». Pero el descubrimiento del papiro de Turín, escrito y leído dos mil años antes, demostrará que en realidad es el primer compendio de sexo de la historia. Con varias imágenes de actos sexuales posiblemente personalizados de Ramsés II y sus muchas esposas, el manual es una intrigante representación visual del sexo en el antiguo Egipto.

En el Museo Egipcio de Turín, nos deleitamos con las impresionantes obras de papiro, que algunos ven como una ridiculización del aspecto sexual de la forma de vida egipcia.

Julia y Julia.

Basada en las historias reales de dos mujeres que, aunque no coinciden en el tiempo, tienen dos cosas en común: su amor por la cocina y la necesidad de sentirse completas dando rienda suelta a su pasión. En el París de los años 50, Julia Child descubre su gusto por la cocina y decide recopilar en un recetario todos los platos franceses que ha cocinado para todos estos americanos sin sirvientes.

Décadas más tarde, Julie Powell, una telefonista aburrida del barrio neoyorquino de Queens, decide desafiarse a sí misma para cocinar las 524 recetas del libro de Julia en 365 días, mientras relata todo el proceso en un blog. Las historias de estas dos mujeres se entrelazan con la cocina como hilo conductor en una historia de superación y realización personal.

Un toque de canela

Fanis es un astrónomo de renombre cuya vida ha estado entrelazada con la cocina. Nacido en Estambul pero con raíces griegas, se vio obligado a abandonar su ciudad en un momento de conflicto entre Turquía y Grecia. Cada etapa de su vida está contada como si fuera parte de un menú, siendo el amor a la familia y las raíces los ingredientes secretos que hacen de esta película uno de los bocados más selectos.

Las referencias entre los distintos elementos gastronómicos y las distintas etapas de la vida son allí constantes: los postres y hasta los mejillones tienen algo que enseñarnos sobre el complejo arte de vivir. Un toque de canela es un plato gourmet que, más que al estómago, irá directo al corazón.

El miedo, el placer y el dolor

La mente humana, definiéndose como un espacio vivo lleno de espejos donde el minúsculo reflejo de una mota de polvo puede generar la compleja forma de un monstruo, o el recuerdo casi borroso puede convertirse en nuestro mayor miedo, un miedo tan poderoso que nos paraliza, es el punto inicial.

Esto se debe a la distorsión de la delgada línea que existe a nivel psicológico entre el miedo, el placer y el dolor, que tomada en profundidad simula el desplazamiento del mismo modo, a partir de la violencia abstracta que emana de cada uno epidérmicamente hablando. Este lugar sería donde David Cronenberg, ensayando su propia medicina en el tratamiento de la violencia en sus disímiles aspectos, nos lleva con sus películas. Regálanos un universo lleno de suspenso, terror, psicosis, desorden, vicio…

David Cronenberg como exponente del arte subliminal psicológico del terror, fundamentalmente del terror corporal, exploraciones del subconsciente humano en sus extremos, refleja en sus largometrajes, con una maestría que roza lo irracional y lo bizarro, como se desenvuelven los propios problemas que aborda. 

Crash

Es una exploración explosiva desde la perspectiva de un conjunto de parafilias, una enfermedad de este tipo rara en sí misma, tomada desde un punto de vista extremista y sutilmente detallado. La discreción entre vuestras expresiones físicas y mentales no es del todo religiosa.

La película tiene la particularidad de hacer divagar a sus espectadores sobre la capacidad y los límites a los que se somete el ser humano.

En Crash, el objetivo de Cronenberg no es escapar de la decadencia y el libertinaje. De eso trata la película. Mientras nos adentra en el mundo tóxico e insalubre de una parafilia particular, el director revela un contexto enrevesado, casi científico, de las diferentes formas en que los personajes logran alcanzar el placer óptimo.

Es en este nivel consciente que se elabora la cuestión clave del argumento, si nuestras formas de percibir los objetos y materiales de la realidad están indicadas por un camino natural y cultivado, creamos la posibilidad de que su belleza, su diseño, su función, su estatismo temporal o momentáneo no sea sólo una justificación para participar en un libertinaje que, a los ojos de la sociedad, no es políticamente correcto.

Vemos que no se trata solo de una masturbación y mucho menos de un trastorno de la piel. Nuestra forma natural de rondar los objetos dándoles una condición casi religiosa o poderosa sobre su propósito funcional, es una especie de fetichismo. Este misterio donde el escenario se detiene en profundidad es lo realmente interesante de la película.

David Cronenberg tiene la costumbre, dentro de sus disímiles composiciones, de colocar personajes fuertes; es decir, que entrecruza sus protagonistas y roles secundarios inmersos en su trama, teniendo en cuenta esta, el juego, la personalidad y los desbarajustes dentro y fuera del guión, que están brutalmente construidos para funcionar como un sistema de engranajes, que se corresponden entre sí y, por lo tanto, dan forma a la historia dentro del cuerpo de la película y dondequiera que nos lleve en su papel de creadores.

Lo que falta en uno lo completa el otro. En este aspecto, me atrevo a mencionar la composición de actores de grandes comedias donde esta sencilla fórmula ha pasado a la historia, con películas como: See no evil, Hear no evil, Algunas películas de Like it Hot, Abbott y Costello, y la lista podría continuar.

Las mujeres son atraídas a este mundo no por la fuerza, sino por un deseo de placer ofrecido desde el principio. Su lucha interior circuncida a los personajes masculinos que se enroscan en la misma expresión de sus deseos, se vuelven parte de su placer. Donde no hay guerra celosa, justamente sólo hay placer en el caos y la perversión.

Uno, la imagen de la seducción, de la belleza carnal y sensorial, auditiva, interesante y apetecible; ella vuelve a caer en este universo para probar las experiencias de su esposo quien, en este trance peligroso, un poco fuera de sí, le permite compartir los eventos y mezclarse con ellos.

Sería un punto de apoyo, que en algún momento también serviría para aprovecharlo. Por otro lado, la Dra. Remington, convencida de su nuevo papel posterior al accidente, resurge de un breve resentimiento contra Ballard, impulsada aún más por sus nuevos impulsos carnales. Inventada en esta nueva página de su vida donde cumplir sus propias fantasías dentro de la parafilia es su misión, sin nada que perder, con todo perdido, es lo único que puede hacer.

Funcionaría como un ente conductor hacia ese nuevo mundo desprovisto de supuestas fronteras. A pesar de su material claro en la historia, su papel está tan íntimamente entrelazado con este argumento que permanece así para la posteridad temporal de la película, no muere, no se deja matar en la trama, pero no evoluciona.

The other actuation, the more significant para la valoración, legada a un papel secundario, pero sumamente importante para dejar la verdadera ilustración de lo que se trata en la historia, la lleva a cabo Rosanna Arquette con Gabrielle.

Como parte de «La leche de los sueños», la exposición de arte internacional de la Bienal de Arte de Venecia de 2022, «Migraciones» de Marguerite Humeau es un nuevo conjunto de obras hechas de resina, sal, hueso, plástico oceánico, vidrio y algas.

«Migraciones» de Marguerite Humeau: obras de resina, sal, hueso, plástico, vidrio y algas

La instalación está compuesta por tres esculturas con nombres de corrientes oceánicas: El Niño, La Niña y Kuroshio. En algún lugar entre la levitación, el colapso y casi el vuelo, las tres criaturas marinas del ecosistema mitológico del artista expresan una comprensión de la mortalidad que trasciende el reino de los humanos.

Margarita Humeau: La obra se llama ‘Migraciones’ y consta de tres esculturas llamadas ‘El Niño’, ‘La Niña’ y ‘Kuroshio’.

Reciben su nombre de las corrientes oceánicas.

En realidad, es una extensión de un trabajo que hizo en 2019, que comenzó para su exposición ‘MIST’ en CLEARING, Bruselas, luego ‘High Tide’ para el Premio Marcel Duchamp. Su especulación original fue sobre el origen de la humanidad, y cuántos estudiosos piensan que nos volvimos espirituales cuando tomamos conciencia de nuestra propia muerte, desde una perspectiva individual, pero también como especie.

Hay investigadores que piensan esto, y en particular uno que le gusta mucho es Joseph Campbell. Cuenta cómo, para él, este momento fue el comienzo de la espiritualidad y el nacimiento de las mitologías. Porque el primer impulso que tuvimos los humanos al darnos cuenta de nuestra propia muerte, como individuos, Kuroshio y La Niña.

Cuando miras muchas religiones alrededor del mundo, o grandes historias o mitologías, todas se relacionan de alguna manera con la idea de la vida eterna o preguntas como, ‘¿A dónde vamos nosotros después de nuestra muerte? ?’ o, ‘¿renacemos?

Durante los últimos tres años ha desarrollado una serie de danzas y rituales de la muerte, muchas de los cuales se relacionan específicamente con los mamíferos marinos porque ha investigado mucho sobre sus rituales existentes.

Sintió que hubo un gran cambio de paradigma. En trabajos anteriores, se había interesado más en acelerar la vida hasta el punto en que se vuelve eterna, a través de la tecnología u otros medios. Estaba interesada en acelerar este proceso hasta el punto en que se vuelve horrible.

La nina

Entonces tuvo esta imagen, y luego la de la ballena cargando al bebé, así que comenzó a pensar en las burbujas, o las grandes gotas de agua que podrían ser como las bolsas que se pueden usar en el hombro cuando migran, o también pueden ser bolas de cristal, o esferas en las que puedes proyectar tu futuro pero también tus recuerdos, tu pasado. Y cuando migras, ¿qué te llevas? ¿Qué quieres proteger? Estaba jugando con eso y desarrollando el trabajo así. Quería tener a uno de los seres de este ecosistema, de este grupo, totalmente abrumado, como Atlas, que está totalmente abrumado por su propio peso.

+ en: marguerite humeau on ‘migrations’, her sculptural sea creatures at the venice art biennale

Las industrias de West Midland se han plasmado en pinturas del artista Arthur Lockwood.

Lockwood, nacido en Birmingham, trabajó en acuarela y bolígrafo y capturó el cambiante paisaje urbano de la Segunda Ciudad y la Tierra Negra.

Arthur nació en 1934 en el apogeo de su auge industrial y se interesó por el arte y la pintura desde una edad temprana. Después de estudiar en la Bournville School of Art y el Birmingham College of Art, se mudó a Londres para estudiar en el Royal College of Art. Trabajó como un exitoso diseñador de libros durante muchos años, pero en la década de 1980 decidió que quería volver a las artes … la pintura, y en 1987 regresó al lugar donde comenzó a documentar el rostro cambiante de la región.

Algunos de estos edificios, como Harris & Pearson Brickyard en Brierley Hill, fueron posteriormente restaurados a su antigua gloria.

El trabajo de demolición en el llamativo edificio de ladrillos amarillos, hecho con los propios ladrillos de la compañía, en realidad comenzó en 1996, cuando la entonces secretaria del Tesoro, Virginia Bottomley, ordenó que se detuvieran.

Lockwood también estaba muy interesado en representar las fábricas de la región y los procesos industriales que tenían lugar en ellas, tanto en la forma de sus acuarelas como en las anotaciones detalladas que a menudo presentaba en la parte posterior de su arte.

Los organizadores de la exposición afirman que su trabajo no solo es visualmente estimulante, sino que también ayuda a documentar el período en la historia de la región para las generaciones futuras. »

Las obras expuestas en la Galería de Arte de Wolverhampton fueron donadas por la familia Lockwood.

Origen: Art exhibition captures the dying days …

danza vanguardista

Existencialismo.

Contribuye a la responsabilidad individual y la libertad de las acciones de uno.

Experimentalismo

Clasificada como manifestación de todas las formas artísticas, la danza es un arte experimental. La danza también está relacionada con el futurismo; El nombre de la geometría en su historia es danza libre.

Romance

El baile lleno de emociones es emocional y se toca con gran sensibilidad.
Los pioneros son parte de todas las formas de arte, porque son los iniciadores de las técnicas de creación artística y dan forma a la innovación artística.

Origin Dance es un tipo de expresión artística. La danza aparece como forma de expresión después de sus inicios en la prehistoria, aquí es cuando se asocia a las vanguardias. Porque todas las artes proceden de los inicios de las Vanguardias.

la cultura de japón y los artistas japoneses actuales más especiales…

clases de historia del arte en madrid Online: Picasso.

La fotografía minimalista combinada con una estética en blanco y negro puede ser una de las imágenes más relajantes que existen.

Hengki Koentjoro trabaja en Indonesia y sus fotografías se centran en el surrealismo mientras aíslan a sus sujetos en un entorno misterioso. Al eliminar la distracción de los colores y los elementos no deseados, sus imágenes atraen los ojos del espectador directamente al sujeto. Buen trabajo. Puedes ver más en…

Origen: 6 Amazing Photographers and Their Black and White Photography

¿Tiene que ver el cómo funciona una bomba hidráulica con el arte de la mecánica? Estos son apuntes de cómo la mecánica se infiltra en el arte.

Por sus características debe ser de circuito cerrado, tiene que poder soportar presión, ha de tener ciertos niveles de fluido y debe operar a cierta presión para realizar su función. Estamos hablando de cuando necesitaremos la bomba hidráulica. ¿Pero así haremos arte? … Sigámos.

Las bombas de agua son las bombas hidráulicas por excelencia. Pero antes de continuar sepamos…

Qué es una bomba hidráulica

Una bomba hidráulica es una máquina capaz de transformar la energía. Por ejemplo puede ser en la dirección hidráulica en vehículos. O podemos irnos al movimiento y operación de excavadoras mecánicas o en una retroexcavadora, una Clark, un volquete, etc. Por ejemplo, queremos saber cómo funciona una bomba hidráulica de pistones, pues debemos entender que es muy similar a los motores de pistones. Pero en general si hablamos de bombas hidráulicas sabemos que la base del funcionamiento es la hidrostática, donde un cambio de volumen genera un cambio de presión.

Las bombas hidráulicas están formadas por cilindros que succionan líquido a través de paletas que, cuando giran, generan una corriente de succión. La partes de una bomba hidráulica son el puerto de entrada, el cilindro a través del cual ingresa fluido a la bomba, el eje motriz que se encarga de generar el movimiento de los pistones cuando recibe energía externa…. Y ahí ya empieza a haber mucho arte…

Tipos de bomba hidráulica según su funcionamiento

Hay bombas hidráulicas de desplazamiento positivo. Y bombas hidráulicas rotodinámicas en donde el funcionamiento se basa en el intercambio de impulso entre la máquina y el fluido. Según el tipo de accionamiento hay también electrobombas, que son las accionadas por un motor eléctrico; bombas neumáticas, accionadas por aire a presión; bombas accionadas hidráulicamente, como bomba de rueda grande o bomba de pistón; bombas manuales accionadas por fuerza mecánica; y bombas de motor diesel.

Diferencias entre bomba hidráulica y bomba centrífuga

Las bombas centrífugas son un tipo de bomba hidráulica porque también son máquinas que transforman la energía mecánica en energía de presión de un fluido. También se denominan bombas rotodinámicas y son las más utilizadas para bombear líquidos de todo tipo; refrigerantes, líquidos de frenos, líquidos del sistema de dirección, etc.

¿Cómo funciona una bomba de engranajes hidráulica?

Las bombas hidráulicas funcionan con dos engranajes interconectados, que giran para transportar fluido hidráulico desde el sector de succión al sector de descarga. Tienen una capacidad de movimiento constante.

COMPONENTE HIDRÁULICO

El sistema hidráulico responsable del bombeo de aguas residuales puede diseñarse para permitir el bombeo sin problemas de materiales que causan la mayoría de los bloqueos. Esto no solo evita los atascos, sino que también reduce la tensión en el eje, los sellos mecánicos y los cojinetes.

Los materiales del impulsor se pueden fabricar para que sean resistentes al desgaste, como los de hierro duro. Incluso con las nuevas tecnologías, son capaces de cambiar de dirección por sí mismos, automáticamente, cuando detectan el paso de un sólido de gran tamaño que podría provocar un atasco.

Por otro lado, estos sistemas hidráulicos pueden autolimpiarse en el área de succión de la bomba cuando sea necesario.

El sistema hidráulico conectado más novedoso aprovecha la potencia y la inteligencia de la tecnología hidráulica avanzada para superar los límites y establecer nuevos puntos de referencia en rendimiento, funcionalidad y vida útil. Algunas de las características que mejoran el rendimiento, aumentan la calidad y reducen el tiempo de inactividad son el diagnóstico en tiempo real y el mantenimiento predictivo.

Algunas de las novedades presentadas son los equipos hidráulicos donde la eficiencia energética y la conectividad alcanzan su máxima expresión. Por ejemplo el CITROBOX tiene un rango de potencia hasta 30 kW, 315 bar y 160l / min. El convertidor de frecuencia integrado funciona como un nodo sensor y transmite todos los datos medidos al control de la máquina en tiempo real.

CONECTIVIDAD DE IoT

Se trata de software de puerta de enlace de IoT, que puede extender el mantenimiento predictivo a nivel mundial mediante el uso de software de puerta de enlace de IoT para conectarse a través de la nube a entornos de la Industria 4.0. Esto le permite optimizar la fabricación y minimizar el tiempo de inactividad en varias líneas de producción y sitios de fábrica.

Máquinas para la arquitectura: la importancia de los tratados artísticos

Tras el redescubrimiento de la obra de Vitruvio, se desarrolló una rica producción de tratados en torno a la arquitectura renacentista que, además de servir de guía, ofrecieron soporte gráfico y teórico con el objetivo didáctico de formar artistas con sensibilidad en el mundo clásico greco-latino.

A través de estos tratados, algunos artistas como Alberti o Brunelleschi, brindaron información sobre el uso de máquinas que ayudaron en sus obras y construcciones arquitectónicas, a través de sus descripciones e ilustraciones. Este fenómeno no fue nuevo en el Renacimiento, ya que en la Edad Media también hubo tratados de similares características, como las diferentes artes de Teófilo y el álbum de modelos de Villard de Honnecourt.

Concretamente, a principios del siglo XIII, destaca el interesante libro de dibujos de este último, en el que aparecen una serie de ilustraciones sobre planos rudimentarios así como bocetos y fragmentos de textos referentes a máquinas que ofrecen soluciones a los más frecuentes problemas.

Problemas constructivos en la arquitectura de la época, porque una de las máquinas mencionadas por Villard de Honnecourt es una sierra accionada por energía hidráulica.

En general, podemos decir que las máquinas utilizadas durante el Renacimiento no experimentaran un gran desarrollo técnico en comparación con las utilizadas durante la Edad Media, ya que en ambos periodos las palancas, manivelas y engranajes se utilizaron de la misma forma.

Sin embargo, habrá grandes avances en la mejora de estos elementos.

¿Cuales son las tendencias de la impresión en línea? ¿Hacia donde caminan la imprenta y el arte?

Los periódicos impresos pueden ser un gran aliado para las empresas. Según nos cuentan en Imprenta Madrid, es el objetivo de las empresas usar las novedades de imprenta a la hora de obtener la atención, para aumentar las compras potenciales. Conseguir la acción de sus clientes no es fácil en un mundo con demasiada competencia.

La publicidad es el arma más poderosa para que las empresas se promocionen e informen a los consumidores sobre sus productos. Cada año las empresas gastan una media de 14 millones de euros en publicidad. El marketing ha evolucionado muy rápido, y no importa cuán revolucionarios hayan sido los medios digitales y cuán bien están funcionando, porque no paran de surgir nuevas tecnologías.

La publicidad impresa sigue siendo el medio.

La conveniencia funciona mejor, una técnica publicitaria tradicional no está muerta y eso, en muchos casos, produce resultados mucho mejores que los medios nuevos y existentes. Es el secreto del éxito de la impresión online que tiene, en empresas como ImprentaMadrid.com el valuarte de un estándar en el mundo de la publicidad impresa.

La empresa ha asesorado y trabajado con un gran número de expertos, afirmando que a la hora de crear una estrategia de marketing eficaz, la publicidad impresa tiene una serie de ventajas que no todas las empresas conocen. La publicidad impresa está mucho más cerca, según ImprentaMadrid.com, porque facilita la segmentación de la audiencia a la que la empresa quiere dirigirse.

Es publicidad directa, que el target puede percibir y captar, información que puede utilizarse en cualquier momento con gran poder comercial.

Los directorios de empresas son elemento esencial de la imagen de una empresa, según ImprentaMadrid. Cuando hay una conferencia, una presentación, una cena, una feria o cualquier otro evento de la empresa, hay algo que los invitados siempre se llevan a casa: un portafolio corporativo.

La funda de perfil de empresa es uno de los productos que más vende ImprentaMadrid.com, ya que muchas empresas creen en su acabado perfecto, apto para todos los gustos y necesidades de cada empresa. Es importante que una empresa conozca la importancia de utilizar, por ejemplo, portadas de perfil de empresa.

Es determinante la imagen corporativa, la cual si está bien definida, obviamente tendrá un gran efecto positivo en los usuarios y les hará tener una mayor valoración global. Además de la eficacia probada de los directorios de empresas para ofrecer bellas imágenes a los usuarios, también es importante mencionar cómo se necesitan para almacenar presupuestos, fotos, carteras, planificación arquitectónica y más.

La impresión trata de un gran mundo con una amplia variedad de técnicas.

Además de las técnicas tradicionales de impresión con tinta, hay muchos más estilos de impresión que se pueden hacer con herramientas que se pueden encontrar en casa. Algunos ejemplos son el relieve impreso. Esta impresión se realiza gracias a una imagen en alto relieve que se pasa al papel.

Lo que determina la impresión es que la desviación y el saliente del material se empapan en tinta y se presionan sobre el papel. Cuando esta impresión se realiza a nivel industrial, se suele utilizar una matriz de plástico o metal y un sistema de rodillos automático. Luego hay que humedecer el papel y apoyarlo sobre el dibujo de cartón.

La regla debe aplicar presión a los bordes del dibujo para crear una flotación. Finalmente, otra forma de matricular el relieve es sumergir el material.

Una conclusión es obvia. Lo que una vez fue artefactos separados, libro y periódico, se está desvaneciendo y aparece una combinación de los dos. Como lector, en Internet ahora es muy difícil distinguir un sitio de WordPress de origen de un ISSN o un ISBN. Los lectores se preocupan por la calidad del contenido.

Las preguntas ontológicas sobre algo que realmente «es» son algo que a la gente detrás de los editores ya no les importa. Pero esto no lo convierte en un tema menos importante. Financiar la escritura de alta calidad, el periodismo de investigación, la poesía y los experimentos avanzados será un desafío aún mayor en el futuro. Esto significa que todavía se necesitan políticas culturales y de inventivo.

Lo más común son los libros que deben estar disponibles para leer en diferentes dispositivos. Los libros escritos en papel no desaparecerán. Ésta es la diferencia fundamental que distingue a la industria de la música de la industria de la impresión. El libro es un dispositivo muy bueno para leer texto.

Los CD no son las mejores herramientas para consumir música. Pero más allá del libro, nadie lo sabe realmente. La apuesta clasificatoria es que el libro se complementará con un libro electrónico y algún tipo de aplicación móvil basada en xml para teléfonos inteligentes y tabletas.

Los cercanos Amazon Kindle y Kindle Fire son ciertamente excelentes dispositivos de lectura, pero no son los nuevos iPod. El iPod es un dispositivo innovador que ha cambiado la industria de la música. En el caso de la música se trata de escuchar música digital de forma fácil y sencilla. Se mejora la calidad del sonido y es muy fácil organizar la música, crear listas de reproducción y más. Hasta que lleguen al mercado equipos de lectura disruptivos, tendremos que hacer experimentos. 

Tendencias de diseño gráfico

¿Qué traerá el mundo del diseño?

Los diseños caóticos prevalecerán. Bueno, parece que entramos en una época de caos y enfrentamientos. Es la conclusión después de echar un vistazo a las principales tendencias que marcarán el diseño gráfico para los próximos años. 

PUERTA DE LA CULTURA A JAPÓN. Un viaje diferente. Este gran proyecto reúne a artistas japoneses actuales y diseñadores japoneses.

Son invitados a crear obras para ocasiones especiales. Luego se muestran en los aeropuertos japoneses. La nueva Terminal Internacional de Cruceros de Tokio también forma parte del recinto ferial.

La experiencia se expande en línea en su sitio. Hay videos y entrevistas con artistas / diseñadores, así como artículos sobre Japón y sus tradiciones.
A falta de poder ir físicamente a Japón… Si, a falta de pan, buenas son tortas…

Japón visto por Paola Antonelli

Al nombrar a Paola Antonelli como curadora de la exposición Haneda y Narita, CULTURE GATE to JAPAN confirma su firme deseo de exhibir un Japón contemporáneo. El comisario reunió a jóvenes creadores que en ocasiones son famosos.

Trabajar sobre el sonido, el espacio e incluso la realidad aumentada.

Con estos colectivos a la vanguardia del pensamiento interactivo, la exposición prometía estar llena de sorpresas.

UNA PUERTA DE VISIBILIDAD

Para las exposiciones en los aeropuertos internacionales de Narita y Tokio, Antonelli eligió un tema común: VISION GATE. Esta idea surge de la observación de que, para muchos visitantes, Japón es uno de los lugares más exóticos para estar.

Lo más confuso es la coexistencia constante del pasado y el futuro que se puede ver en todas partes en la cultura japonesa. Con Japón a la vanguardia de la tecnología, no puede haber innovación sin un toque tradicional.

Tradición e innovación

En Haneda encontramos una impresionante instalación sonora para trompetas de todos los tamaños, Crowd Cloud. La obra de arte exhibida en Terminal 2D fue realizada por SUZUKI Yuri y HOSOI Miyu. Además, se pueden ver seis videos en dos aeropuertos, lo que permite explorar Japón.

TOKYO Adelante

El cuarto componente del proyecto TOKYO KÜLTÜR GATE to JAPAN se encuentra en el corazón del puerto de Tokio. La exposición, codirigida por SAITO Seiichi con el comisario HATANAKA Minoru, incluye a seis artistas del campo de las artes mediáticas.

Todos ellos tienen un punto de partida común para su reflexión. Se ocupan de los problemas que enfrenta la sociedad japonesa debido a la transición de la cultura pasada a la futura en la ciudad de Tokio.

Reinterpretando el concepto estético de «MA»

En el cuarto piso de la Terminal Internacional de Cruceros de Tokio, encontramos las obras de FUJIKURA Asako. El joven artista se inspiró en el concepto MA. En japonés, este concepto se refiere a distancia o alcance. La idea principal de MA es que el tiempo y el espacio están interconectados.

El jardín japonés es el lugar perfecto para expresar esta idea. FUJIKURA recurre a MA reinventando conceptual y visualmente el jardín japonés.

Una experiencia accesible en cualquier parte del mundo

Más allá de las instalaciones desarrolladas para la situación, existe una plataforma dedicada. Te permite encontrar videos de artistas hablando sobre su proceso creativo desde el diseño hasta la producción.

Origen: CULTURE GATE to JAPAN, voyager autrement – The Good Life

¿Qué sabes sobre alternativas a la infertilidad? ¿Cual ha sido en la historia el significado de fertilidad en el arte?

Podríamos empezar mencionando una obra actual, EDEN, donde la primera escena muestra un oasis lleno de vida. A través de bolas amarillas flotantes, un personaje anfibio emerge del agua y aparece una mujer que se ha adaptado al entorno futuro desarrollando orejas y uñas largas. Se han convertido en herramientas imprescindibles para la supervivencia.

Ella se une a un grupo más grande de híbridos, descansando sobre troncos en un jardín idílico. Las flores surgen en medio de una explosión de fertilidad y abundancia, pero las pipas siempre están presentes de fondo.

La fantasía es una cosa y la realidad es otra en los tiempos que vivimos ya que en el arte y en la obra cultural no se trata de forma realista la infertilidad. Poco se habla de alternativas a la infertilidad, hasta el punto que resulta muy valiosa la información que podemos obtener en sitios como GestLife, que cuenta con el aval de la Asociación de Padres por la Subrogación. Buscando  vientre de alquiler españa te encuentras con la información más útil sobre esta asociación independiente, que agrupa a padres y que supervisa las agencias, para garantizar un correcto funcionamiento.

Pero volviendo al arte, hemos de saber que las primeras marcas escultóricas que aparecen, haciendo referencia a la fertilidad, como la Venus del Esquilino, pueden representar a una sacerdotisa de Isis. El desarrollo posterior de la desnudez femenina fue esporádico, apenas mostrando desnudez total, pero en parte o con la técnica de volantes mouillée o las faldas ligeras apretadas en el cuerpo.

Si, en la antigüedad nos encontramos cosas como el Trono Ludovisi Afrodita, el Nike de Paionios, o la Venus Genetrix del Museo Nacional de la Casa de Baños de Roma. Y una imagen célebre, la de la diosa Afrodita, con los pies encapuchados y los pechos desnudos, que se nos apareció en varias copias, siendo la más completa la llamada Venus de Arles en el Louvre, pero más famosa por su réplica. La de un artista desconocido de alrededor del 100 a. C.

Venus de Milo.

La evolución posterior de la mujer desnuda llevó a tipografías como ‘Modest Venus’, cubriendo la desnudez con su brazo, como se puede ver en Capitoline Venus. Esta a veces atribuida a la propia Praxiteles, o Calipigia Venus. Obtuvimos una copia romana de un original griego, actualmente en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Otra obra célebre de la antigüedad fue la diosa de las Doidalsas de Bitinia, que era muy apreciada. Se crearon numerosas réplicas para decorar palacios, jardines y edificios públicos. Hay varias copias, algunas realizadas en época moderna, como la que encargó Felipe IV de España, actualmente en El Prado, que sin duda influyó en la Venus del espejo de Velázquez.

Algo interesante de todo esto en la historia es la aparición de figuras femeninas, de baja estatura, que ciertamente actúan como talismán para ayudar a la fertilidad. A esta se la conoce como Venus, que a veces representa un embarazo riguroso, difícil de explicar y, por tanto, especulativo.

La Venus de Tan-Tan es la más antigua. Y la evidencia del pensamiento simbólico antiguo se encuentra en la llamada Venus de Berejat Ram, una figura artificial que mide unos 3,5 cm de largo, y se cree que está hecha de roca volcánica roja, en parte desgastada debido a la erosión, con incisiones hechas por el hombre.

La Venus de Lespugue es una estatua que encaja perfectamente en la palma de la mano y corresponde a un representante de una mujer humana con una anatomía demasiado deformada. Es más conocida por Venus Willendorf y fue descubierta en 1922 por R y S de Saint Périer en la cueva de les Rideaux, en la localidad de Lespugue, en Haute-Garonne y perteneció al período Auriñaciense.

La diosa Guardiana de Lespugue se exhibe en el Museo del Hombre, en París.

La diosa de Willendorf, es la mejor conocida de estas estatuas prehistóricas de la cultura Aurignacia. De 11,1 cm de altura, está tallada en piedra caliza que no se encuentra en la zona y tiene un color ocre rojo. Las nalgas no son exageradas sino más bien planas, en contraste con las figuras de otras regiones prehistóricas.

Estas otras de grupa prominente y llamadas esteatopigicas por Edouard Piette, lo que consiste en las características de la tribu Hottentot en África. La cabeza descansa sobre un cuello que es casi inexistente y tiene una característica, común a los vampiros, en donde los rasgos faciales están ocultos.

Las extremidades inferiores también son gruesas, se estrechan hacia abajo y los pies no son puntiagudos, como es el caso de otras Venus similares. Exageradas, como en otras estatuas similares, las áreas del organismo involucradas en la reproducción y la crianza forman una variedad de factores para el fracaso eucariota positivo en la mente de las personas primitivas.

Aunque era ampliamente conocida, la Venus de Willendorf se mantuvo en custodia segura hasta 1998. Todo esto debe hacernos reflexionar sobre el papel de las mujeres en las sociedades nómadas y primitivas cazadoras-recolectoras donde tenían lugar las actividades esenciales de supervivencia. 

Fertilidad, vista desde el arte

“Un sueño de ser padre” es fue una exposición que mostraba la fertilidad bajo una lente artística. Se trata de una exposición que intenta simbolizar a través del arte las ilusiones puestas en marcha al emprender el camino de la maternidad, los retos afrontados y la alegría de conseguirlo.

Nunca antes se había realizado una exposición de fertilidad así. Las exposiciones contaban con 25 pinturas y obras de arte, incluidas en el concurso de los Premios de Arte Ginefiv II, en donde se recogen las obras premiadas, la mención honorífica y la selección de la AECA.

Compra de muebles antiguos, Bargueños Antiguos, Marcos dorados antiguos, Atriles Antiguos, Trípticos Antiguo, muebles antiguos Madrid…

Hablar de la empresa Antigüedades Espalter es hacerlo de un conocido Anticuario que se encuentra localizado en Madrid dedicado a la compra de antigüedades valiosas de más de 100 años. Se trata de una empresa familiar con más de 60 años de experiencia en el sector. Actualmente también se dedican a la compra a domicilio de antigüedades en cualquier lugar de España, visitando a clientes con antigüedades de valor para su tasación.

No se dedican a la venta de antigüedades a particulares, cuentan con un grupo cerrado de coleccionistas dispuestos a pagar un buen precio por las antigüedades que les interesan. Realizan una primera tasación online a través de fotografías por whatsapp o email.

Si estás interesado o interesada en compra de muebles antiguos, bargueños Antiguos, Marcos dorados antiguos y un largo etcétera como Atriles Antiguos, Trípticos Antiguos, muebles, compra venta de muebles antiguos, subastas de muebles antiguos, muebles clásicos… O bien y en consecuencia andas buscando anticuarios en Madrid en el Barrio Salamanca, compradores de obras de arte, compra de cuadros antiguos, antigüedades en Madrid, compra de antigüedades o tiendas de antigüedades en Madrid, en definitiva, necesitas un Comprador de muebles antiguos tienes que seguir leyendo. 

Algunos clientes han comentado el servicio. Fidel me cuenta que accedió a consultarles por la época de la que databa una antigüedad de su propiedad y no le cobraron nada por la información, que le resultó muy valiosa. Julio nos cuenta que cuando su tía murió y no sabía qué valor podrían tener sus cuadros y sus compilaciones de cajas de Carey, preguntó a los amigos y todos le aconsejaron que asistiera a Antigüedades Espalter.

Anticuario en Madrid.

Antigüedades Espalter es un negocio familiar que empieza en la década de los cincuenta en Cáceres. En los años noventa se traslada a la capital española para ocupar un local en el primer proyecto del Mercado Puerta de Toledo. Cuando este empieza su decadencia, el Anticuario se traslada al Distrito Salamanca, primero en un local en Jorge Juan y después por ampliación a la calle Villanueva. En el año 2.000 se trasladan a la zona de los Jerónimos donde hoy en día continúan.

El nombre de la compañía es Antigüedades Feijoo sociedad limitada, últimamente se han visto obligados a mudar el nombre comercial, debido a la duplicidad del apellido Feijoo en el ámbito de las antigüedades, eludiendo de esta forma posibles confusiones.

La experiencia de estos años les ha llevado a no emplear su local como una tienda de antigüedades usual, siendo únicamente un despacho donde poder atender a sus clientes. Se especializan en la venta directa de antigüedades a su cartera de clientes y tienen pedidos para distribuir en exclusiva a decoradores y coleccionistas de primera línea.

Este género de negocio de antigüedades por encargo, no requiere almacenaje, reduciendo de este modo sustancialmente gastos y también inversiones, lo que les hace más competitivos.

En Espalter compran antigüedades de todo género (muebles, cuadros, compilaciones…). Y más, como Cuadros viejos, Pinturas religiosas, Retratos, bodegones, cuadros con Paisajes Viejos, Tablas religiosas, Flamencas, Hispano Flamencas, paisajes y vistas de urbes, Muebles Viejos, Bargueños, Muebles de Lacado Viejos, Biombos Viejos Orientales… 

Si precisas de una primera opinión sobre el objeto viejo que tienes, puedes mandarles un máximo de 3 fotografías por mail y responden completamente gratis. Sólo tienes que buscar la completa información de anticuario en el barrio Salamanca (Madrid) que te dejamos en este mismo post. 

Los cuadros o bien objetos que adquieren, deben tener necesariamente más de 100 años de antigüedad.

Si tienes una valoración o bien tasación de una casa de subastas, puedes adjuntarla a tu correo. Esto agilizará la venta a sus clientes. Recuerda que tienen unos requisitos mínimos que deben cumplir las antigüedades que adquieren, para ser admitidas.

Vender y sobre todo, adquirir muebles viejos se ha puesto muy de tendencia en los últimos tiempos, del mismo modo que otro género de antigüedades y objetos viejos. Y lo primero que debemos tener en consideración es que hay que contar con un anticuario especializado en el momento de valorar, vender y adquirir muebles viejos, puesto que de esta forma vas a poder conseguir el coste más justo tanto en la adquisición como en la venta de tus muebles viejos.

Adquirir muebles viejos

Adquirir muebles viejos está poco a poco más en apogeo, singularmente en zonas con mucha población como pueden ser la capital de España o bien Barcelona. Es por esta razón que para conseguir efectuar esta operación de la mejor manera posible debemos asistir a lugares expertos en la adquisición de venta de muebles viejos en la capital de España o bien cualquier otro sitio del país en dónde vayamos a realizar la venta o bien queramos comprar antigüedades.

Hoy día existen cientos y cientos de muebles y objetos diferentes, puesto que en el propia palabra mueble se pueden introducir casi todo género de objetos ornamentales del hogar. En nuestros días, ciertos muebles viejos de los más demandados son los bargueños, las banquetas, las consolas, los sillones, los guardarropas y las cómodas.

Como conclusión, vivimos en un universo en el que se deben adquirir muebles viejos con pies de plomo y con conocimiento de causa, a poder ser aconsejado por un anticuario especialista en adquirir muebles viejos en España, para conseguir de esta manera el objeto que de veras buscas o bien evidentemente, lograr la retribución económica que merece el objeto que vendes.

Podemos destacar los diseños de carpintería de madera para conseguir la exclusividad en el hogar. La carpintería de madera, arte vintage para tu casa…

¿Cómo conseguir una casa retro? La madera es uno de los materiales naturales más populares en el estilo retro. Sin embargo, además de muebles y accesorios de madera también usamos en lo retro piezas de plástico en colores vivos, papel pintado para muebles o paredes, patrones geométricos y patchwork…

Algo muy típico del estilo retro es la mezcla de diferentes materiales naturales. Para saber más de todo esto además de los aspectos más importantes a tener en cuenta para la seguridad en la puerta de entrada buscamos Carpintería en Madrid.

Cuando nos hablan de carpintería y estilo retro enseguida surge el estilo llamado Mid Century Modern. Si bien existe cierto desacuerdo sobre cuándo se hizo popular su uso, sabemos que fue común y estuvo muy de moda desde mediados de la década de 1930 hasta mediados de la de 1960.

Sin embargo, el aspecto atemporal de este estilo lo convierte en uno de los más buscados. ¿Por qué, casi medio siglo después, continúa la fascinación por el estilo moderno retro? Si también buscamos Armarios a medida en Madrid podemos encontrar  modelos que confirman el gusto por este estilo retro en concreto. 

El origen del estilo moderno retro.

La tendencia moderna retro proviene del llamado «estilo internacional» a finales de los años cuarenta y cincuenta y se centró en los Estados Unidos. El estilo internacional buscaba una estética más futurista pero basada en los principios de funcionalidad y el uso de materiales artesanales.

El mobiliario de la década de 1950, que reúne el patrimonio arquitectónico, de interiorismo, por el que se caracterizó el diseño después de la Segunda Guerra Mundial se centra en algunos detalles, por ejemplo en las Cajoneras para armarios. Las características modernas retro abarcan los elementos antes mencionados.

Fluidez y horizontalidad entre los diferentes espacios de la casa. Yuxtaposición de diferentes materiales. Se prueban materiales tradicionales como la madera, estrechamente relacionados con la naturaleza, y otros menos tradicionales como el plástico, el vinilo o el plexiglás. Se usan los colores sobrios en las superficies verticales y horizontales, rompiendo con el Pop Art. Algo que incluso puede encajar en las fuertes Puertas blindadas. Las pocas notas de color vendrían dadas por algunos muebles seleccionados.

Cómo conseguir una casa moderna retro

La estética moderna retro es una de las más impresionantes cuando se trata de diseño de interiores, ya que tiene muchos elementos y formas que pueden asociarse con diferentes períodos de la historia, pero que, si se usan correctamente, ayudarán. Busca en cualquier hogar y lo verás.

Al igual que con cualquier estilo que amamos y estamos decididos a aplicar en nuestro hogar, debemos comenzar con un enfoque anterior de observar las características de nuestro hogar y las necesidades de quienes viven allí.

La madera está muy presente en los ambientes modernos retro por la profunda conexión del estilo con la naturaleza. Y los colores más estrechamente relacionados con el estilo Mid-Century Modern para definir la decoración son típicamente amarillo mostaza, verde musgo y naranja mandarina, entre otros.

Piensa en esos colores que conectan tu hogar con la naturaleza, como ya lo hace la madera, y prueba estas combinaciones de colores para crear ambientes únicos.

Mobiliario

Una vez más, la madera es el material de referencia para los muebles de este estilo. Hay varios diseñadores destacados retro, como Charles y Ray Eames, Eileen Gray, George Nelson, Eero Saarinen o Harry Bertoia, entre otros, y las piezas diseñadas por ellos han seguido inspirando a los diseñadores que siguieron.

Un detalle importante que debemos tener en cuenta es el de crear la iluminación perfecta para nuestro hogar moderno pero retro. Para este estilo, la iluminación es siempre atrevida y muy creativa.

Claves del estilo retro

En la decoración del hogar al estilo retro, encontramos una amplia variedad de formas, texturas y colores que se utilizan para crear una apariencia totalmente única. Y una forma fácil de identificar el estilo retro es su combinación de colores. En este diseño predomina el marrón de la madera con colores saturados y apagados.

Para crear una apariencia moderna retro, también debemos agregar mucho blanco. En la decoración retro, encontramos estos diseños en obras de arte, telas, papel tapiz, alfombras y más.

Una butaca de madera es fundamental para crear una decoración de estilo vintage muy cálida, y sabemos que acompañada de una pared verde esmeralda y un cojín mostaza puede quedar ideal. En la decoración retro, los contrastes son los protagonistas. El mobiliario elegido para estos espacios tiende a compartir materialidad y paleta cromática, pero no morfología.

Cuando pensamos en el estilo retro, lo primero que nos viene a la mente son el terciopelo, la madera, los plásticos de colores, el metal dorado y los textiles de pelo alto.

Maderas de tonos medios a oscuros

Un material imprescindible que aporta toda la calidez de la decoración retro. Sin duda, lo que más caracteriza al estilo mid-century es el tono de la madera, es un tono que va del medio al oscuro. Si bien la alfombra no es un material muy utilizado en este estilo, vemos que combina muy bien con los tonos de madera oscuros y medios en este rincón retro.

Metal dorado para agregar luz

El color de metal no puede faltar en tu espacio retro. En este estilo, el metal dorado está presente en muebles y objetos decorativos, que aportan brillo y calidez. Una de las piezas de metal dorado más icónicas que encontraremos en casi cualquier espacio retro es la lámpara Sputnik.

Un interior de Humbert & Poyet en Mónaco, con madera oscura, terciopelo verde y una lámpara Sputnik dorada puede coronar un perfecto comedor con decoración retro.

Mobiliario Mid-Century

En una decoración mid-century no pueden faltar las mesas redondas, los aparadores de madera, los sillones redondos, los detalles metálicos negros y dorados, las llamativas lámparas y los materiales contrastantes. Una gran presencia caracteriza el mobiliario de diseño de época, y parece que cada habitación lucha por ser el centro de atención del espacio.

Las piezas suelen ser sillas, sillones, mesas o lámparas, mientras que los sofás de estilo mid-century son muy sencillos, anchos y alargados. Para lograr un estilo mid-century muy exitoso, debes al menos agregar a tus espacios una pieza de diseño del siglo XX, que reproduzca toda la esencia y la modernidad de la época.

Una silla inspirada en la flor del tulipán y diseñada por Finn Eero Saarinen en 1955, con sus formas curvas y su sencillez, es de los muebles Tulip que todavía están presentes en las decoraciones retro. Para conseguir una decoración mid-century, no te puedes perder el sillón de Arne Jacobsen que rezuma toda la estética de los 70, así como un aplique de Serge Mouille.

Un buen resultado fueron las sillas Plywood creadas en 1946, que se convirtieron en un clásico de la decoración moderna retro. Un icono del diseño del siglo XX, la silla LCW es el complemento perfecto para la decoración de estilo vintage.

La silla Beetle es sobre todo moderna.

Con sus formas redondeadas, la silla Beetle se usa ampliamente en interiores con decoración moderna retro. En un comedor decorado a mediados de siglo, no te puedes perder la silla de terciopelo Beetle, de líneas curvas muy elegantes y patas doradas.

¿Podemos encontrar arte en un sex shop barato? Arte y sexualidad en una Sexshop Barata…

Las tiendas que venden productos sexuales suelen estar cubiertas de un aura de obscenidad incomprendida, pero incluso en una Sexshop barata podemos encontrar conexiones con el mundo del arte. Voy a apuntar cosas en este sentido…

Entendamos como las generaciones pasadas le han dado el cerdito calificador al individuo que entra a un sex shop. Hasta el punto que hoy agradecemos en los sex shop, por encima de todo, la privacidad.

En sexshops online novedosos como ShopXXX nos encontramos, además, con interesantes cosas, como el contrarrembolso gratuito y entrega gratuita desde 35 euros en 24 o 48 horas. O que el pedido está empaquetado de forma discreta y no lleva ningún signo distintivo, solo quien lo reciba conocerá su contenido.

Especial interés en esta web tiene la sección de arneses y también la original sección de sexshop gay.

Pero más allá de las valoraciones de todos y todas, las luces de neón de los años 90 o la falta de transparencia en muchos escaparates de este tipo de establecimientos, podemos asegurar que el hombre o la mujer que penetraba o penetra tras el vinilo con el mensaje «cabinas en el interior» era y sigue siendo alguien crudamente retratado por los transeúntes.

Sin embargo, el tiempo pasa y esos días, en muchos sentidos, se acabaron. Hoy, los toscos juguetes sexuales del pasado se han convertido en hermosas obras de arte interactivas. Hasta los arneses con pene son obras de arte.

David Bowie lo pensaba así, y era un tótem dorado, un ídolo… que hizo que su giro ultra-comercial a mediados de los ochenta fuera particularmente doloroso para los y las fans. Marc Bolan, en cambio, nunca tuvo tiempo de decepcionarlos. Y es que si estamos realmente interesados ​​en los fundamentos estilísticos del glam, como lo hicieron los nuevos románticos, rápidamente descubrimos que entraron en la cultura anglosajona a finales del siglo XVIII y principios del XIX.

De ahí su nombre, de hecho. Conceptos como lo sublime, el éxtasis, el terror placentero, la emoción sobre la razón, Sturm und Drang, la defensa intransigente de la modernidad y el individualismo estaban muy cerca de ellos, lo mismo que de un actual Sexshop gay y toda el arte y la estética gay.  

arte y sexualidad en una Sexshop Barata

The Bright Young Things

Es el nombre que los tabloides le dieron a un grupo de jóvenes bohemios y aristócratas de mediados de la década de 1920 en Londres y sus alrededores. Al igual que los New Romantics, los BYT disfrutaban vestirse, consumir sustancias y experimentar con su sexualidad en fiestas decadentes, objetables y 100% gloriosas.

Muchos de ellos eran artistas, otros simplemente farsantes. Incluso hubo genio. Pero todos han encendido la vela por ambos extremos.

¿Cuáles son los juguetes sexuales más usados?

Estamos viviendo una gran revolución sexual y hay tendencias para todos los gustos, pero sin duda las que marcaron la diferencia fueron las ventosas de clítoris. Y, como todos los artículos de alta tecnología, los fabricantes buscan cada vez más mejorar la funcionalidad del artículo en cuestión.

¿Cuál era la forma de mejorar una ventosa del clítoris?

Pies mejorar su tacto y / o tamaño, hacerlas más silenciosas, aumentar la duración de la batería, incluyendo nuevas funciones, en definitiva, modernizar todas sus funciones. El objetivo final es que la diversión no tenga fin y que todos disfrutemos cada día más. Solos o acompañados.

Explora la sexualidad ¿Cuál crees que es el valor añadido de un juguete erótico?

Claramente, ningún juguete sexual puede reemplazar la calidez de una persona, pero tiene una clara ventaja que nadie puede negar. Son expertos en placer, están diseñados exclusivamente para eso, pero lo diferente es que son capaces de vibrar, chupar, moverse, etc. Y con ellos, puedes explorar tu sexualidad de una manera completamente diferente, donde y cuando quieras.

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Descubre la historia de dos familias separadas por la violencia. Fue estreno exclusivo el 27 de septiembre en HBO España. Todos somos parte de esta historia. Estimula tu cuerpo con los beneficios de una máquina, mucho más allá de las capacidades humanas.

Y es que no nos hace falta una buena serie o película para saber que con un buen juguete, puedes llegar al orgasmo en pocos minutos y tenerlo uno tras otro.

Saber lo que te gusta y lo que no te gusta es muy importante y necesario para poder disfrutar de las relaciones amorosas.

CFGNY

El grupo de arte CFGNY , formado por Daniel Chew, Tin Nguyen, Ten Izu y Kirsten Kilponen, conocidos por sus diseños «falsos» y presentaciones performativas con esculturas de cartón, fueron vistos en una exposición en el proyecto espacial experimental Auto Italia.

¿Qué temas tocan?

Moda, sexualidad y cuestiones de identidad asiática. Sus exposiciones cuentan con esculturas, performances…

Sexual Personae es una obra monumental.

No solo por su tamaño, sino por su ambición y alcance. Que nadie se deje intimidar porque Sexual Personae es una mezcla de erudición y asequibilidad, por lo que puede ser disfrutado tanto por académicos como por lectores comunes. Una cosa que me gusta de Paglia es que entiende que la sexualidad no es lógica ni racional.

Sexual Personae es mucho más que Vamps & Tramps. Un mix que reúne varios trabajos cortos de Paglia. El discurso de la autora sigue abusando del psicoanálisis freudiano o se apoya excesivamente en arquetipos monolíticos, pero al menos se ve su hilo de pensamiento, el camino que sigue hasta que utiliza recursos analíticos para hacerlos parecer más convincentes.

Y es que no es fácil escribir sobre sexo, quizás porque no es fácil escribir sobre el origen de las cosas, ya que en este origen se mezclan elementos complejos e inseparables como la ciencia, la literatura, la física o la religión de manera ancestral. El ser humano necesita explicarse y comprenderse a sí mismo, y el sexo es, sin duda, el centro de esta explicación.

Tampoco es fácil leer el sexo, especialmente en el siglo XXI, donde la imagen erótica se ha cultivado desde todas las perspectivas y en todos los sentidos, educando la mirada del espectador sobre el sexo audiovisual no escrito. Hay algo muy singular, y es el poder impresionante, magnético, casi mágico que sigue ejerciendo la lengua en el ser humano.

Escribir y leer sobre sexo después de tantos siglos de sexo y escritura sigue siendo un ejercicio complejo, estimulante, atractivo y clandestino para el escritor y el lector. En el siglo IV, apareció en la India el Kamasutra, el libro de texto sobre sexualidad más famoso y universal, escrito por Mal-the Vatsian Naga.

En el siglo XV se recopilaron una serie de fábulas en Alejandría, la ciudad de Alexandre Bicorne. Estas fábulas tienen una historia extraña, supuestamente. Es el libro de las mil una noches.

La peste negra en Florencia es el escenario donde tres hombres y siete mujeres de este libro de Boccaccio intentan hacer frente al aburrimiento en un intento original de escapar del contagio. Durante diez días, cada joven cuenta una historia, construyendo las cien historias eróticas más impresionantes de la historia de la literatura.

Por la misma época, pero en Italia, un intento de imprimir material erótico provocó un escándalo monumental cuando los italianos Pietro Aretino y Marcantonio Raimondi publicaron I modi en 1524, un libro ilustrado con 16 posiciones sexuales.

La horrible vida del Grand Gargantua, de Rabelais, inspirada en el Decameron de Boccace, es una de las mejores lecturas del siglo XVI en Francia. Este libro, que va más allá del erotismo, debe entenderse como una epopeya de la palabra que trasciende su tiempo y llega al siglo XX con el humor intacto, una vacuna para los franceses invadidos por Prusia en 1870, así como para los soldados del 14a guerra, quienes lo llevarán en su mochila con la máscara de gas.

La española Margarita de Navarra, es autora de Heptameron, escrito en 1558, una colección de 72 relatos breves que tratan temas del amor, la lujuria, la infidelidad y otras cuestiones románticas y sexuales. Otra es María de Zayas y Sotomayor quien escribió en ese momento su versión personal, atrevida y sensual del Decamerón en español.

Francia en el siglo XVIII fue el reino erótico indiscutible, donde el sexo a veces se fusiona con la filosofía, como lo demuestra la obra de Teresa, filósofa atribuida al marqués de Argens.

En cuanto a la sublimación intelectualizada del sexo, es decir de los fetiches, tenemos a un maestro, Nicolas-Edme Restif de la Bretonne, obsesionado eróticamente con los pies y los zapatos.

La literatura erótica más loca continuó en el siglo XIX en Europa Central. El autor austriaco Leopold von Sacher-Masoch, el creador del término «masoquismo», se ha hecho un lugar en la historia por igual por el escándalo y el éxito de su obra La Venus de las pieles. La historia se cuenta desde la perspectiva de una prostituta vienesa de 50 años, que recuerda sus escapadas sexuales entre los 5 y los 12 años. El libro cubre casi todos los posibles tabúes relacionados con el sexo, el incesto, la homosexualidad, las orgías.

Un escritor enmascarado tras el seudónimo El Caballero Audaz iluminó los salones de la España culta y moderna de principios de siglo con su literatura erótica. Georges Bataille, con el libro L’Histoire de l’œil, publicado bajo seudónimo, entra en la puerta del voyeurismo, explorando las sensaciones y relaciones sexuales entre dos adolescentes de tendencia exhibicionista.

Anaïs Nin, Historia de O, y otras…

Fue una de las primeras representantes de la literatura erótica femenina moderna.

Una de las obras clave de la literatura erótica de la segunda mitad del siglo XX es, sin duda, la Historia de O. Cuenta la historia de una fotógrafa de moda parisina, una mujer moderna y emancipada, que acepta convertirse en el objeto sexual y así se embarca en un proceso de degradación y autodestrucción tan doloroso como placentero.

Las indiscutibles ‘mujeres Manara’ son las más deseadas en la historia del cómic y el mismo autor ha dicho de ellas que “lo más difícil de dibujar en una mujer desnuda es la mirada, porque todo el secreto del erotismo está en los ojos.

La pintura como hobby y arte. Más de 10 razones para pintar como hobby. ¿Cómo la pintura nos permite expresarnos?

Después de hacer un dibujo, tendemos a tener una visión más crítica al visitar un museo de arte y apreciar las pinturas. Es una poderosa razón para ponerte a pintar como hobby, pero hay más…

Arte e interés por la pintura

La pintura artística es una actividad que implica la creación de imágenes de productos que contienen pigmentos, recubiertos con ciertos materiales sobre una superficie adecuada para tal fin. Debe distinguirse de otras creaciones por colores como tela o cristal y grabados teñidos a mano.

Los aficionados a la pintura suelen comenzar con métodos tradicionales como el óleo, la acuarela o el acrílico, en los que se utilizan pinceles para pintar sobre papel o lienzo. Hay muchos otros métodos, desde simples como el lápiz hasta complejos como el aerógrafo o incluso el pintar por numeros.

En general, es necesario procesar el dibujo, luego en base a la aplicación del color. Con Canvas by Numbers tienes la posibilidad de pintar tu foto favorita por números, solo necesitas subir la imagen para convertirla. Los materiales necesarios dependerán de la pintura.

Hay muchos elementos en la pintura como pinceles, caballetes, paletas, papel, óleos, herramientas de modelado, lápices, carboncillo, bolígrafos y pinturas de todo tipo: acuarela, óleo, acrílico, pigmento, tinta, etc.

También puedes dibujar con nueva tecnología informática. Hay una forma más sencilla de pintar, que es colorear en dibujos predefinidos, es decir colorear el libro, como un hobby con entidad propia.

La pintura se puede admirar cuando visitas un museo o exposición y lees libros, en papel o en Internet. El conocimiento de la pintura, junto con el dibujo, es útil en muchos otros intereses, como la creación de cómics, arte digital, grabado, graffiti o pintura sobre lienzo.

Pintar: Un hobby para reflejar emociones

Pintar te hace sentir cómodo o cómoda, descubres que necesitas resaltar los colores y olvidarte de todo. Puedes pasar horas y horas metido en la habitación con pincel y paleta frente a tu futuro trabajo. Y si usas la técnica de pintar por números personalizado será, además, muy fácil.

Tuve una temporada que pintaba al carboncillo. Gran parte de «mi obra» de entonces se basa en copias de autores como Van Gogh y Cezanne. Pretendía ser arte impresionista. Y desde luego, impresionar sí que impresionaba… Era un hobby, no pretendía ganarme la vida con ello.

Esta tendencia pictórica apunta a capturar el objeto según la impresión de luz aparentemente producida. Algunos de los ejemplares famosos son «La siesta», «El parque», «Trigal con cuervos» y «La mujer del pañuelo» entre otros. El procedimiento de la obra consiste en seguir los elementos de la composición pintando con pintura más clara en función de los colores a utilizar.

Un buen pintor revela que cuando termina, lo que más le gusta es colgar y observar mucho el cuadro.

Eddie Peake también comenzó como tú… pintando por hobby

Es el artista londinense del que todo el mundo habla. Aunque Eddie Peake no se interesó por el arte hasta los 18 años cuando comenzó a pintar como pasatiempo, su contexto familiar estrechamente conectado con el mundo del arte tuvo un gran impacto tanto en su trabajo como en su meteórica carrera.

Su padre es el artista y escritor Fabian Peake, hijo del famoso escritor Mervyn Peake, y su madre es la aclamada escultora Phyllida Barlow, descendiente de Charles Darwin, quien representó al Reino Unido en la Bienal de Arte de Venecia de 2017.

Peake fusiona diferentes formatos en su trabajo, desde la pintura a la escultura, el video, la instalación, el sonido y sobre todo la performance, que es el formato más popular entre la crítica y el público. Con cultura popular, vivencias personales y cuerpos desnudos, comparte el espacio con diferentes piezas arquitectónicas, una instalación sonora y diversas obras pictóricas influenciadas por el arte urbano y el graffiti, con las que el propio Peake interactúa directamente en el día a día.

PINTURA EN SPRAY PARA MINIATURAS DE METAL, PLÁSTICO Y RESINA. 

Perfecta combinación de pigmento de alta concentración y color base para aplicación sobre miniaturas de metal, plástico o resina, con un excelente acabado mate autonivelante. Esta fórmula original y exclusiva ha sido especialmente diseñada para respetar y enfatizar hasta el más mínimo detalle de modelos y miniaturas.

La gama de pinturas Vallejo Hobby incluye 3 colores neutros para la aplicación de la capa base, 19 colores para Fantasy, 5 colores para vehículos blindados y 4 colores para Infantería de la Segunda Guerra Mundial. Toda la serie está diseñada para combinar perfectamente con el color correspondiente de la serie Game Color o Model Color para que se puedan combinar ambas técnicas de pintura.

Cada spray contiene un anillo de plástico y 2 difusores para una identificación precisa: una válvula de salida reducida, recomendada específicamente para líneas finas y pintura de detalles, y una válvula de salida central, indicada especialmente para pintar líneas y superficies más gruesas.

Las válvulas de baja presión proporcionan un excelente control del flujo de pulverización. La gama se complementa con 3 opciones de barniz: Brillo, Mate y Satinado, que brindan una protección adicional contra el desgaste mientras se sujetan las miniaturas, así como una apariencia general uniforme.

Pintura artística por afición

La pintura artística es una actividad que consiste en crear imágenes con productos que contienen pigmentos de color aplicados con ciertos materiales sobre una superficie adecuada para tal fin. Debe distinguirse de otras creaciones por colores como telas o cristales pintados a mano y grabados.

La afición suele comenzar con métodos tradicionales como el óleo, la acuarela o el acrílico utilizando pinceles o espátulas sobre papel o lienzo. Hay muchos métodos, ya lo dije al principio, desde simples como lápices hasta complejos como aerógrafos. El material requerido dependerá del tipo de pintura.

Tu afición por la pintura puede complementarse con visitas a museos o exposiciones, leyendo libros y revistas. Y si, el conocimiento de la pintura te va a ser útil tanto en el dibujo como en muchas otras aficiones como el cómic, el graffiti o la pintura sobre lienzo.

¿Cómo colocar las coronas funerarias? Si hablamos de arte floral funerario ¿Cómo se hacen las coronas funerarias?

Cómo crear una corona funeraria

La forma de hacer estas coronas es bastante simple, pero requiere tiempo, paciencia y profesionalidad para hacerlas a la perfección. En primer lugar, es necesario cortar las flores que se adherirán a la espuma de agrupación, o paja. Las flores se cortan de acuerdo con el grosor del dosel, con una forma redonda natural. Pero es un proceso complicado para quienes no son profesionales. Por ello pedimos información a floristeria tanatorio m30W que nos cuentan más cosas de cómo se hacen las coronas funerarias y el arte funerario.

La tarea principal es clavar las flores en el círculo que representa la corona, lo cual es bastante fácil de lograr por la suavidad de la esponja. En el caso de que se utilice una corona de paja, además de estar cubierta con material plástico, las flores se añaden mediante cuerdas. Esa correa también contribuye al movimiento del reloj impulsado por la flor.

Específicamente hablando de coronas de paja, estas son las más óptimas para agregar una cabecera, donde se encuentran las flores más importantes de la corona. Cabe destacar que dependiendo del tipo de corona, algunas se hacen en el mismo estante de exhibición y otras en la mesa.

En este último caso, suelen ser las que se colocan encima de ataúdes o se utilizan en tumbas, en cementerios. Cuando se completa todo el proceso de decoración, se coloca una cinta de color con el texto deseado. Se requieren impresores especializados para completar este paso final.

Flores funerarias

Para disfrutar del color hemos de saber que cada uno de ellos forma parte de nuestra personalidad. Las flores que más nos gustan son destinadas por los y las floritas a mostrar y aliviar nuestras emociones, en el contacto para el duelo. Pero no siempre sabemos todo acerca de las flores, y en este caso las flores más comunes que se pueden utilizar son claveles, crisantemos, lirios, lirios, tulipanes, gladiolos, etc…

Pero seguramente la que más se destaque será la reina del mundo de las flores. Estas son las rosas, cuyo símbolo es significativo en la corona fúnebre, para mostrar un dolor puro y sincero y el mayor respeto por los malos momentos de familiares y amigos. 

Además de las coronas tradicionales, los arreglos florales honoríficos ofrecen otras formas y entre ellos se encuentra un centro funerario y un ramo de flores. Pueden variar en tamaño y forma, desde diseños circulares, abanicos, cruces, corazones y otros a criterio de cada cliente. Aunque algunos de los más habituales tienen forma cónica, en referencia a la elevación del difunto, asimismo, el triángulo es otro diseño muy solicitado por su carácter icónico.

Independientemente de su forma o diseño en miniatura, los arreglos florales funerarios son una buena opción para expresar las condolencias. Las coronas funerarias y todo tipo de flores funerarias se pueden comprar en línea, lo cual es una preferencia para los locales. Y es que los arreglos florales funerarios siempre se han considerado una antigua tradición.

En el caso de la muerte de un ser querido, el arte de hacer flores también tiene sus propios códigos, funciones y símbolos, siendo las coronas funerarias el principal medio de afecto personal y familiar en estas ocasiones difíciles y de trauma. Existen, no obstante, otros tipos de arreglos florales que también son muy utilizados para estas ocasiones, como son los ramos funerarios con flores elegantes y clásicas, bellamente arregladas como un ramo de rosas blancas.

Por otro lado, siempre prevalecen los tonos claros y suaves, para que muestren empatía y condolencias a los afectados por una pérdida irreparable. Es así la excelencia del arte del arreglo floral en estos actos, su valor emocional es muy alto y por ello su compra online ofrece una gran comodidad ya que se puede pedir desde cualquier lugar y en cualquier momento.

Este servicio lo brindan las floristerías online con una variedad de centros de flores, ramos, coronas, etc., incluyendo una variedad de flores como rosas, margaritas, orquídeas, etc. Estos comercios suelen ofrecer un servicio personalizado los 365 días del año.

Centros florales versátiles

Se pueden colocar en cualquier lugar para dar homología funeraria, así como cruces florales aún más específicos para tiempos tan difíciles. Es importante que las flores estén frescas para que lleguen a la ceremonia en las mejores condiciones posibles, cuidando al máximo y en todo momento cada detalle específico del arreglo floral. 

Tan importante como los diferentes arreglos florales es la decoración que los acompaña.

Comprar en un servicio de arreglos florales en línea acelera drásticamente el tiempo de entrega, brindando la conveniencia de un servicio que actualmente es esencial en este campo.

La corona, concentrándose en la apariencia

Encima de la corona se suele colocar una cabecera o un número. El cabecero es una sección especial para flores frescas que se monta en un marco perforado en la corona y se fija con alambre o cintas. La cabecera es una parte importante del diseño que le da estilo a toda la corona. Es el eje que llama mucho la atención, es el lugar de enfoque y un racimo de flores está convenientemente colocado para atraer la atención.

Aquí es donde se tiñen gladiolos, lirios, rosas, rosetas, anastasias, crisantemos … y muchos tipos de flores necesarios para lograr una corona maravillosamente hermosa en una esponja o cabecero de espuma. Esta espuma los mantendrá hidratados por más tiempo. El verde no puede faltar, aportando descanso y paz al conjunto, por eso se suelen añadir helechos, eucaliptos o similares mientras cubrimos la parte superior de la copa.

Image Comics reveló que Sweet Paprika de Mirka Andolfo se lanzará en julio de 2021. Image Comics lo llamó Sweet Paprika cuando Bridget Jones Diary se encuentra con Sex And The City, con un toque de The Devil Wears Prada.

noviembre 2020

Image Comics se complace en anunciar que la aclamada creadora Mirka Andolfo está desarrollando una nueva serie de cómics basada en su nueva IP Sweet Paprika, ya anunciada como un proyecto de animación ampliado. La serie de cómics, escrita y dibujada por Andolfo, fue anunciada en Italia por Edizioni Star Comics y también se lanzará en Francia.

Este nuevo libro sexy e intrigante es producido por Arancia Studio, la compañía de medios italiana que ha trabajado en los títulos de Image Comics más vendidos de Mirka Andolfo y los sorprendentes Commanders in Crisis, y será lanzado por Image Comics en julio de 2021.

El componente sensual que se repite constantemente en las obras de Andolfo da vida a escenas sexys y divertidas, sin dejar de lado temas amados por la autora, como la cruda realidad que las mujeres de carrera se ven obligadas a vivir y la dificultad conciliar la vida privada y el trabajo.

“Estoy muy emocionado”, dijo Andolfo.

Origen: Image Comics announces Mirka Andolfo’s ‘Sweet Paprika’ for July 2021 • AIPT

https://aipt-comics.simplecast.com/episodes/dc-comics-shake-ups-and-frank-gogol-talks-indie-projects

Cuando Carla Sozzani fundó 10 Corso Como en 1991, no había Instagram ni Pinterest, ni influencers, bloggers o tiktokers. Después de dos décadas en el mundo de las revistas de moda, Sozzani quería crear un lugar para compartir emociones y valores.

octubre 2020

“en lugar de tener una revista, voy a darle vida a mi revista. En lugar de pasar las páginas, volverás y encontrarás sorpresas en cada esquina, se dijo. Y es así como, en un antiguo garaje de Garibaldi, nació el espacio que ampliaría el término concept store a todo el mundo de la moda.

Lo que pocos saben es que hace un año, en este mismo garaje milanés, nació la Galleria Carla Sozzani, el rincón por el que han desfilado algunas de las obras más emblemáticas de la fotografía de moda. Hoy es un lugar de peregrinaje imprescindible para los amantes del arte y la moda.

Un lugar donde la ropa de Loewe y Balenciaga convive con los bolsos Céline y los stilettos Ferragamo. También hay una cafetería donde descubrir antes que nadie los últimos talentos que están revolucionando el Made in Italy; un hotel de tres habitaciones donde te sentirás milanés durante unos días.

Y una librería donde encontrar exquisitos volúmenes de arquitectura, fotografía, moda y diseño; y, por supuesto, el origen de todo…

Origen: ‘Entre el arte y la moda’: la colección fotográfica de Carla Sozzani aterriza en Madrid

El espectáculo presentó a Byrne y once artistas musicales de todo el planeta interpretando canciones del álbum Byrne del mismo nombre, así como canciones de Talking Heads y otras canciones de la carrera a solas de Byrne. Los entusiastas de Spike Lee aún están zumbando.

junio 2020

¿Que se puede decir sobre la película del director de cine de Netflix? No deberemos aguardar mucho para el próximo proyecto de Lee. El ovacionado directivo grabó una presentación en vivo de American Utopia de David Byrne y HBO la transmitirá a fines de este año. 

Byrne añadió

«Spike y yo nos hemos cruzado muy frecuentemente durante los años, y evidentemente soy un enorme seguidor. Esta fue una ocasión a fin de que trabajemos juntos. »

El espectáculo nos da la oportunidad de ver a Byrne así como once artistas musicales de todo el planeta «interpretando canciones del álbum de Byrne dos mil dieciocho del mismo nombre, así como canciones de Talking Heads y su carrera a solas para un jalón cultural esencial en el planeta de la música y el teatro». «Estamos encantados de asociarnos con HBO para llevar la utopía estadounidense de David Byrne al público en todas partes», afirmó David Linde, CEO de Participant. «La inventiva y el arte de David Byrne y Spike Lee, así como la emergencia y relevancia de esta película de celebración, han dado como resultado un acontecimiento que es realmente para y de nuestros tiempos».

Origen: ‘David Byrne’s American Utopia’, Directed by Spike Lee, Headed to HBO

El fotógrafo australiano Tom Blachford está de vuelta otra vez con su nueva serie de medianoche moderna V. Según el artista lo que empezó para Tom Blachford como un descubrimiento aciago una noche se ha transformado en una serie en curso.

mayo 2020

Y en una exploración de la interacción entre Arquitectura, Luz de luna, Montañas y la tensión de una narración implícita. Tomada solo con la luz de la luna llena, los elementos combinados generan un resultado cinematográfico que invita al espectador a llenar su historia alén del marco único.

Con el apoyo del Comité Modernista de Palm Springs , la Semana del Modernismo, los dueños de residencias, los coleccionistas de vehículos y los buscadores web de locaciones en el área. A que quieres saber más…

Origen: Tom Blachford New Series: Midnight Modern V