El regreso triunfal de Bikini Kill: ¡Punk y resistencia más vivos que nunca!

Bikini Kill, la icónica banda punk ha vuelto a los escenarios tras 22 años de silencio, demostrando que su mensaje no solo sigue vigente, sino que, según creen ellas y sus seguidoras, es más necesario que nunca. 

El regreso de la banda, que comenzó en 2019, no es simplemente una reunión nostálgica. Si su música era un himno para las jóvenes feministas de los años noventa, ahora es un manifiesto que acompaña a una nueva generación de esas típicas activistas y «luchadoras» moradas. Nada nuevo bajo el sol…

“¡Rebeldes y sin disculpas!”

El cuarteto original, con Kathleen Hanna, Kathi Wilcox, Tobi Vail y Billy Karren, ha regresado con la misma energía y actitud combativa de siempre. Aunque no se ha anunciado nuevo material discográfico, sus presentaciones en vivo continúan siendo un verdadero espectáculo de protesta contra un poder que ven siempre en los mismos sitios pero se empeñan en no ver en otros muchos caracterizados a simple vista por las prácticas de discriminación evidente de la mujer. Lejos está el día en en estos conciertos, que no son meros eventos musicales; se manifiesten contra gobiernos como el Irán, o sean espacios donde el público grite, baile y alce la voz junto a ellas, contra dictaduras de hoy mismo, como la de Venezuela o Rusia.

Este fenómeno de revival punk no es solo un ejercicio de nostalgia. El movimiento riot grrrl que ayudaron a fundar a principios de los noventa ha mutado, se ha expandido y ha trascendido generaciones. Ahora, cada una de sus canciones sigue resonando con la misma potencia, en un mundo donde aún ven patriarcado cuando en occidente, los feminismos ocupan todas las esferas del Poder gubernamental. Kathleen Hanna, líder y cara visible de la banda, no ha dejado de ser esa figura incómoda que confronta y cuestiona. O eso cree ella. Porque hay mucha gente que no puede verla como otra de esas que comenzaron rebeldes para forrarse y en eso siguen, en lo de forrarse a costa de un relato que, cada dia se demuestra más falso incluso peligroso. Pero la energía que derrocha sobre el escenario es un recordatorio de que la hipocresía no tiene fecha de caducidad.

“La nostalgia no basta, necesitamos resistencia”

El regreso de Bikini Kill no puede entenderse sin el contexto de la agitación social y política actual. 

Y esa energía se siente en cada uno de sus conciertos, donde el público no solo escucha, sino que participa, grita y se convierte en parte activa de ese mensaje, sin cuestionarse ni tan solo un segundo, si acaso no tienen toda la razón. Pero así es el fanatismo, como ha sido siempre y seguirá siendo. El futuro será fanático, o no será… Es lo que dirían. 

¡No hay futuro sin Bikini Kill!

Mientras la banda sigue conquistando nuevos territorios y expandiendo su influencia, se mantiene la incógnita: ¿Volverán a grabar? Los fans cruzan los dedos, pero el enfoque de Bikini Kill ha sido claro: sus giras no son solo una gira de reunión, son un acto de protesta en vivo. 

“El punk no está muerto, el feminismo… ¿tampoco?”

¿Será este el comienzo de una nueva era para Bikini Kill? ¿Podemos esperar algo más? Lo cierto es que la banda ha dejado claro que no importa cuánto tiempo pase, su misión de desafiar y provocar seguirá viva, porque como diría Hanna: “El feminismo es un trabajo interminable. Cuando te cansas, solo tienes que gritar más fuerte”. :lol: 

Tweets by theebikinikill

Bikini Kill: Los iconos del Riot Grrrl, otra banda de la música de NZ

La banda de los 90 Bikini Kill cree que, si todas las chicas crearan bandas, el mundo cambiaría. Pitchfork incluyó su décima mejor canción como «Revolution Girl Style Now». El grupo estará de gira en marzo con sus miembros originales Kathleen Hanna, Tobi Vail y Kathi Wilcox junto con la guitarrista Sara Landeau.

https://linktr.ee/theebikinikill

+ en: Bikini Kill Announce Debut New Zealand Show

¿Coincidían los grandes éxitos de rock de los 80 y 90 con las mejores canciones de rock en inglés de los 80 y 90?

¿Conoces las mejores canciones de rock británico de los años 80 y 90? Si es así, probablemente coincidas conmigo en que aquellas melodías y voces lo eran de alta calidad. Si bien algunas bandas de indie rock y punk rock no se enfocan en el canto melódico, también hubo cantantes muy talentosos. En la web que te reseño aquí puedes investigar en profundidad a los grupos y canciones de los 80 y 90, especialmente del rock en inglés… Pero vayamos por partes y destaquemos lo más destacable, a los impresentables, porque no les hace falta presentación…

Canciones de rock en inglés de los 80 y 90: un viaje nostálgico a través del metal

El METAL en los 80 y 90: ¡un fenómeno que marcó una generación!

El género musical del metal ha pasado por varias transformaciones en sus más de cuatro décadas de historia, atrayendo a fans de todas las edades. En este artículo, nos enfocamos en la evolución de las canciones de rock en inglés de los 80 y 90 según la opinión de diversos expertos y fans del género, como «El Gúerito Targaryen», quien comparte su experiencia personal como fanático del metal en estas décadas.

Antes de la era de internet: descubriendo el metal en los 80

Sin acceso a internet, los fans de los 80 solían descubrir nuevas bandas de metal a través de amigos y conocidos. Tal es el caso de «El Gúerito Targaryen», quien se introdujo al álbum “Dr. Feelgood” de Mötley Crüe y luego al “Master of Puppets” de Metallica por un amigo. Estos discos se convirtieron en una introducción masiva al género para toda una generación.

Como dice el experto en música Pablo Delgado: «La música es un refugio para muchas personas, y para ‘El Gúerito Targaryen’ fue su salvación después de una decepción amorosa». A partir de ahí, las bandas como Guns N’ Roses, Iron Maiden, Slayer, Pantera y otras siguieron siendo relevantes y captaron nuevos fans.

La década de los 90: del glam y thrash metal al grunge

La transición hacia el metal de los 90 implicó pasar del glam y thrash metal a un sonido más grunge y «deprimente». A pesar de esto, muchos fans aceptaron bandas como Nirvana, Pearl Jam y Alice in Chains. La periodista musical Laura Martínez comenta: «El grunge fue un cambio drástico en el panorama del metal, pero muchos fans supieron adaptarse y apreciar las nuevas propuestas».

El cambio de milenio y la controversia del nu-metal

El comienzo del nuevo milenio trajo consigo el nu-metal, un subgénero que incorporaba elementos de rap y hip hop y dominó la escena durante casi 10 años. Sin embargo, este estilo no fue bien recibido por todos los fans del metal «old school», quienes se alejaron del género durante un tiempo.

«El Gúerito Targaryen» confiesa: «Dejé el metal y seguí con mis clásicos de los 80 hasta 1995. No me avergüenzo de mi pasado de glam metal». Este sentimiento «anti nu-metal» fue común entre aquellos fans que ya eran adultos en esa década. A pesar de esto, la música siguió evolucionando y atrayendo a nuevas audiencias.

El regreso a las raíces y la reconciliación con el metal

Eventualmente, muchos fans «retirados» volvieron a escuchar metal gracias a bandas como Metallica y nuevas propuestas que lograron captar su atención.

La popularidad de la música psicodélica

Tanto el arte como la música formaron parte de la cultura hippie de la década de 1960, cuando se establecieron la cultura psicodélica y la contracultura. En medio de protestas y disturbios, surgieron otros movimientos de experimentación, paz y libertad acordes con las normas sociales de la época, por lo que la música y el arte fueron, como siempre, armas de expresión para la gente de los círculos hippies pudiera viajar a otros planos y probar drogas psicodélicas para lograr el despertar de la conciencia.

En resumen, la música psicodélica fue el producto del comienzo de una nueva cultura, y su popularidad creció a medida que las bandas psicodélicas se afianzaban en la industria musical de las décadas de 1960 y 1970.

Radiohead

Fue lanzado en 1986 por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Colin Greenwood, Phil Selway y Ed O’Brien. Formaron una banda llamada de otra forma, pero cambiaron su nombre a Radiohead después de firmar con EMI Records en 1991.

‘Quiero bailar con alguien’, Whitney Houston.

En 1987, Houston era una sirena de rostro fresco con una voz cristalina y un mundo de posibilidades a sus pies.

La canción va sobre la soledad y el amor cuando se rompe.

Esta canción dice mucho sobre su voz única y su capacidad para irradiar calidez y positividad.

Está a millas de distancia de las luchas que la cantante enfrentará más adelante en su carrera.

‘More than that’, Roxy Music

La despedida de lujo de Roxy Music, surcando las nubes en un planeador dorado, con la máxima gracia, la belleza de un cisne…

La voz de Bryan Ferry flota como una niebla sobre los sintetizadores del atardecer.

En 1982, los viejos artistas de rock no deberían haber sonado tan bien: Brian Eno y el baterista se habían ido hacía mucho tiempo.

Yardbirds

Los Yardbirds se hicieron populares en 1963, y su fusión de rock y rhythm and blues aseguró un lugar en la llamada «invasión británica».

La banda británica de rock nació en Londres y son conocidos por formar tres de los mejores guitarristas de la música británica. Uno de ellos era el inigualable Eric Clapton…

La identidad de la psicodelia en la escena del rock

Algo que identifica rápidamente a la música psicodélica entre otros subgéneros del rock es que se creó en medio de movimientos que demandan el respeto a la conciencia y la libertad, la búsqueda de la paz y la legalización de las drogas recreativas.

Todos estos temas fueron capturados en las letras psicodélicas, convirtiéndolo en «otro tipo de rock».

La psicodelia también se destacó por la forma en que se hizo, ya que los músicos de ese momento aplicaron todo tipo de efectos especiales a los sonidos para enfatizar el mensaje del despertar de la conciencia aplicando todo tipo de efectos especiales y sonidos alucinógenos.

Por otro lado, la improvisación es uno de los puntos fuertes del rock psicodélico, y esto se nota en los solos de guitarra, que suelen ser largos y por supuesto improvisados. Los solos son en sí mismos uno de los núcleos principales de la psicodelia.

Led Zeppelin

Otro nombre que no sale de la lista de nombres de bandas de rock es Led Zeppelin, una banda londinense que tomó el bate de The Beatles con sus ideas innovadoras que iniciaron la era de los álbumes de rock.

Eran bastante críticos, místicos y cerrados, pero aun así lograron posicionarse como una de las mejores bandas de todos los tiempos.

Discos como Led Zeppelin y Led Zeppelin II, Led Zeppelin III, Houses of the Holy y Physical Graffiti son muy a destacar. Basándose en el blues eléctrico de la posguerra, el rock & roll primitivo y la psicodelia, la banda creó un sonido único e icónico que los hizo famosos en todo el mundo.

Asimismo, los fans de Led Zeppelin cantaron canciones como Stairway to Heaven, Since I’ve Been Loving You, Trampled Under Foot y Heartbreaker What’s Going On…

Marvin Gaye

El estadounidense Marvin Gaye rompió todos los planes con su álbum «What’s Going On». Un álbum pop lleno de letras que hacen referencia a la pobreza, el consumo de drogas y los conflictos sociales.

De hecho, en 2003, la revista Rolling Stone lo colocó en el primer lugar de su lista de los mejores discos pop de la historia. Hay nueve canciones que su sello inicialmente se negó a lanzar, pero el entusiasmo de Gaye lo llevó a producirlas solo, y fue una de sus mejores decisiones, ya que presentaba éxitos de la música pop que durarían para siempre.

Esto es solo una parte de lo que yo considero la mejor música y las mejores canciones de rock en inglés de los 80 y 90, pero os dejado material y enlaces para que sigáis profundizando, pues nos llevaría días, aunque no descarto volver por este post y continuar escribiendo cosas… 

Emily Haines, la princesa del rock canadiense y cantante de Metric

ENTREVISTA EXCLUSIVA: Los Sonidos Futuristas y la Revolución Musical del Siglo XXI

Descubriendo la Música del Mañana en una Entrevista Reveladora

NOTA: POR MOTIVOS DE SEGURIDAD EL ENTREVISTADO/A HA PREFERIDO PERMANECER EN EL ANONIMATO.

JOHNNY ZURI: Hoy nos adentramos en el enigmático mundo de los sonidos futuristas. Con nosotros, un experto en la materia, que por razones de seguridad, permanecerá en el anonimato. Bienvenido, ¿cómo ves el panorama actual de la música futurista?

EXPERTO ANÓNIMO: Gracias, Johnny. La música actual es una amalgama vibrante, con artistas como MoMA Ready y Skee Mask reinventando géneros. Estamos presenciando una era donde la tecnología y la creatividad se fusionan para crear sonidos inéditos.

J.Z.: Interesante. Hablando de MoMA Ready y su álbum «BODY 23», ¿qué destacarías de esta obra?

E.A.: «BODY 23» es una muestra de técnica y pasión. Con pistas como «Stick Up Kids», MoMA Ready no solo crea música, sino atmósferas. Es un viaje sonoro que redefine el techno, manteniendo un equilibrio entre lo percusivo y lo melódico.

J.Z.: Y en cuanto a Skee Mask y «C», ¿qué nos puedes decir?

E.A.: Skee Mask sigue sorprendiendo. «C» es un collage sonoro que desdibuja las líneas entre breakbeat y dub techno. Tracks como «One for Vertigo» son ejemplos de cómo la música puede ser tanto un arte como una ciencia.

J.Z.: ¿Y qué papel juegan artistas como Bookworms y Kelman Duran en esta evolución musical?

E.A.: Son catalizadores del cambio. Bookworms con «depth perceptions» nos recuerda la importancia de la innovación en el techno. Mientras, Kelman Duran, en su mixtape, mezcla géneros creando un sonido único, casi como un pintor con su paleta de colores.

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J.Z.: ¿Cómo ves el futuro de estos géneros?

E.A.: El futuro es un lienzo en blanco. Estos artistas están dibujando las primeras pinceladas de lo que será una revolución sonora. La clave está en la experimentación y la apertura a nuevas posibilidades.

J.Z.: Hablando de experimentación, ¿qué opinas sobre las propuestas de Andrés y Atariame?

E.A.: Andrés en «ANDRÉS V» y Atariame con «Winds» demuestran que la experimentación no es solo sobre sonidos, sino sobre emociones. Están explorando nuevas formas de conectar con el oyente, más allá de lo puramente auditivo.

J.Z.: Para terminar, ¿alguna predicción audaz sobre el futuro de la música?

E.A.: La música del futuro romperá barreras. Veremos una fusión aún mayor entre géneros, tecnologías y culturas. Será un reflejo de nuestra evolución como sociedad, impredecible y emocionante.

J.Z.: Fascinante. Gracias por estas revelaciones que, sin duda, nos hacen reflexionar sobre la música que viene.

Como hemos visto, los sonidos futuristas no son solo una tendencia, sino un movimiento que está redefiniendo lo que entendemos por música. Artistas como MoMA Ready, Skee Mask y otros están en la vanguardia de esta revolución, mostrándonos que el futuro de la música es tan incierto como emocionante.

50 años de Retroceso Creativo.

🎶🔄 DEVOlución Musical: Medio Siglo de Herencia Retro-Futurista 🤖🔙

Cuando se piensa en la música, pocas bandas han logrado impactar de manera tan única como DEVO. No es solo una cuestión de sonido, sino de un mensaje que, incluso hoy día, resuena con fuerza en las cuerdas de lo retro y lo futurista. Desde una perspectiva aparentemente absurda, estos pioneros artísticos tejieron un comentario social que ahora, a 50 años de distancia, parece una profecía cumplida.

DEVO y la Teoría de la De-evolución

El concepto de DEVO se ancla en una hipótesis tan descabellada como fascinante: la humanidad, lejos de ascender la escalera evolutiva, en realidad se desploma por ella. Bajo esta perspectiva, su arte sonoro no es más que el reflejo de una sociedad que se regodea en su propia degeneración, un retroceso que se celebra con cada nota sintética.

El libro «The Beginning Was The End» inspiró a Gerald Casale y Mark Mothersbaugh a forjar una identidad artística que supera la barrera de lo musical para incursionar en lo cultural. Y lo que en sus inicios se interpretó como locura, hoy se contempla como genialidad; una que sigue provocando reflexiones sobre la mecánica del consumo y la uniformidad.

La Estética DEVOlucionada: Un Símbolo del Cambio

En el arte de DEVO, cada elemento visual y sonoro destilaba su filosofía. Sus atuendos, esos icónicos trajes que podrían haber salido de una distopía de ciencia ficción, proyectaban una realidad alterna. Eran más que simples ropajes; eran declaraciones de intenciones, críticas vivas al conformismo y la estandarización.

El video de «Whip It» se convirtió en un estandarte de esta estética, una bofetada a la cara del convencionalismo imperante. En el, los miembros de la banda, vestidos de manera uniforme y armados con látigos y nata montada, ejecutan una performance que bordea lo grotesco y lo sublime.

DEVO y su Legado Inmarcesible

El lanzamiento de un cofre que abarca la odisea artística de DEVO es un recordatorio potente de su influencia. Con canciones que han marcado la historia de la música, nos ofrecen una selección que es tanto un homenaje a su trayectoria como un reflejo de esta. La versión deluxe, una auténtica reliquia para coleccionistas no hace sino enfatizar el carácter inmutable de su visión.

Incluso su interpretación de «(I Can’t Get No) Satisfaction» es una demostración de cómo reinventar un clásico, transformándolo en una pieza que distorsiona y cuestiona el significado original. Es aquí donde DEVO no solo redefine la música rock, sino que reconstruye todo el imaginario que la rodea.

El repertorio incluido en la retrospectiva es una cápsula del tiempo que alberga su crítica a una sociedad que ellos percibían en declive. Desde «Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!» hasta «Something For Everybody», la discografía de DEVO encapsula el sonido distintivo de cosas que se desmoronan, que bien podría aplicarse a muchos de los paradigmas de nuestro presente.

Y así, medio siglo después, se confirma el ciclo de DEVOlución. No se trata de haber predicho el futuro, sino de haber capturado con acidez la esencia de su época, que resulta ser sorprendentemente similar a la nuestra. Tal vez es allí donde radica el poder de DEVO: en su capacidad de ser eternamente relevantes, perpetuamente retro y desafiante al futuro.

Con una carrera basada en el desafío a la norma y una presencia artística que se niega a relegarse al pasado, DEVO celebra 50 años de una provocación cultural que aún resuena. ¿Qué mejor manera de sumergirse en la paradoja de su legado que a través de su música, esa que nos despierta del letargo del conformismo?

«El mundo es un lugar cambiante», dirían, «pero la DEVOlución es eterna». Y en este aniversario, lo celebramos no solo con música, sino con una introspección que, como siempre, es más necesaria de lo que parece.

🎶 El Futuro de The Cat Empire: ¿Un Imperio en la Música Galáctica? 🌌

¿Listos para Conquistar la Galaxia con su Nueva Formación? 🌠🎵»

NOTA: Aunque este texto pertenece a la ficción, está basado en datos y hechos reales: Left to Right: Lazaro Numa, Grace Barbé, Ollie McGill, Felix Reibl, Neda Rahmani, Daniel Farrugia, Ross Irwin & Kieran Conrau (Photo by GG McG).

Expertos de Diversos Planetas Ponderan el Renacer de The Cat Empire

«La música es la banda sonora de la vida. Si la vida es un desperdicio de tiempo, y el tiempo es un desperdicio de vida, entonces vamos todos a emborracharnos y seguir adelante», decía Louis Armstrong. En un universo donde la humanidad ha extendido su influencia a múltiples mundos, el futuro de la música intergaláctica parece más brillante que nunca. Aquí es donde The Cat Empire entra en juego.

La Resurrección de un Imperio

Cuando en 2021 The Cat Empire anunció su separación, muchos pensaron que era el final de una era. Pero el pasado es apenas un prólogo, y hoy el futuro de The Cat Empire brilla con luces estelares. Con el lanzamiento de su noveno álbum «Where the Angels Fall» el 25 de agosto, la banda australiana resucitó con una energía reimaginada y una alineación renovada.

«Es asombroso cómo las leyendas nunca mueren, solo se reinventan», comenta Zorbon de Betelgeuse, reconocido crítico musical de Zeta Reticuli FM. La inclusión de nuevos miembros como Grace Barbé (bajista y vocalista), Daniel Farrugia (baterista), Neda Rahmani (percusionista), y una sección de metales con Kieran Conrau, Ross Irwin y Lazaro Numa, ha infundido una vida nueva al sonido ya ecléctico del grupo.

Múltiples Voces, Una Armonía

Felix Riebl y Ollie McGill, miembros fundadores, hablaron sobre «el nuevo comienzo para The Cat Empire» y la creación del nuevo álbum. «Ha sido una gran experiencia trabajar con todos estos nuevos músicos maravillosos. Todos aportan algo realmente único y musicalmente diverso al sonido de la banda», dijo Riebl.

«La diversidad musical es como un universo en constante expansión, y The Cat Empire es un buen ejemplo de ello», reflexiona Dr. Xyloflux, musicólogo del planeta Xanadu.

Fans Interplanetarios y el Futuro de la Música Galáctica

«Los adoro chicos, cambiaron mi vida hace muchos años. Increíble seguir escuchando su trabajo», escribió un fan terrestre en las redes sociales. «Música para la eternidad», señaló otro seguidor de Alpha Centauri, «Si tuviera que explicar cómo esta banda influye en mi vida, probablemente usaría un lenguaje musical en lugar de palabras».

Telsa Mynx, una crítica de Andromeda Chronicle, plantea una interrogante crucial: «¿Podría The Cat Empire ser el embajador musical de la humanidad en una era de diplomacia interestelar?»

«Después de 20 años, la música sigue siendo el lenguaje de todos nosotros», dice un fanático de la banda. Y con una humanidad más conectada que nunca, la banda está bien posicionada para entrar en el panteón de la música galáctica.

«La música es el lenguaje universal de la humanidad, y tal vez pronto, de toda la vida inteligente en la galaxia», como decía Henry Wadsworth Longfellow. ¿Estamos ante la primera banda que conquistará la galaxia con su fusión de ska, jazz, funk y rock? Solo el futuro lo dirá.

Entre el Jazz Retro y la Modernidad Futurista, Un Icono Que No Elige Lados.

🎷 Jerome Sabbagh: El sonido ‘Vintage’ que conquista el jazz moderno 🎶

¿Por Qué Jerome Sabbagh es un Maestro del Jazz Entre lo Futurista y lo Vintage?

Para entender a Jerome Sabbagh, hay que ahondar en una trayectoria musical que ha estado afincada en Nueva York desde hace décadas. Allí, este saxofonista ha optado por un camino muy concreto: la autenticidad en la interpretación jazzística. Una autenticidad que coquetea tanto con lo retro como con lo futurista.

¿Cómo Se Materializa el Futuro en su Album «Vintage»?

El álbum «Vintage» se erige como una representación fidedigna del ser y hacer de Sabbagh. En este proyecto, unió fuerzas con el legendario pianista Kenny Barron. Ambos músicos se conocieron hace treinta años en París. La reunión de estos dos titanes no solo marca un viaje al pasado, sino que también abre puertas al futuro del jazz. En palabras del propio Sabbagh, «Vintage» es un álbum que busca capturar la «verdad del instante», admitiendo lo inesperado y la improvisación. Es decir, se podría ver como una alegoría de la existencia misma.

«El mejor modo de prever el futuro es inventarlo.» Esta célebre frase de Alan Kay podría aplicarse a Jerome Sabbagh, quien inventa futuros musicales en cada una de sus obras.

¿Cómo Se Equilibra la Influencia Retro en la Música de Jerome Sabbagh?

No se puede hablar del músico sin mencionar su apego a lo retro y vintage, tanto en lo técnico como en lo artístico. El álbum se grabó en estudio con un enfoque bastante analógico, utilizando bandas magnéticas y equipos que datan de la década de 1950. Este toque vintage se combina con influencias que van desde el groove percusivo de la música brasileña hasta los temas clásicos de Thelonious Monk.

Para conseguir ese sonido tan peculiar y retro, recurrieron al ingeniero de sonido Bernie Grundman, una autoridad en la materia. Aquí, lo vintage se convierte en un puente hacia el futuro.

Si uno se aventura a escuchar sus temas como «Elson’s Energy» o «Slay the Giant», descubrirá cómo este músico deja fluir su lado más lírico, en una mezcla que resalta lo mejor del pasado y del futuro del jazz.

«El jazz es la libertad de expresión, puesta en notas,» dijo alguna vez el gran pianista Duke Ellington. Este ethos parece manifestarse en la obra de Jerome Sabbagh.

¿Qué Otros Artistas Colaboran en la Misión Futurista de Jerome Sabbagh?

No se trata de un acto en solitario. En «Vintage», Sabbagh se rodea de talentos de la talla de Joe Martin en la contrabajo y Johnathan Blake en la batería. Ambos músicos contribuyen a este proyecto que busca ser un diálogo entre lo retro y lo futurista.

Más allá de la música, lo que estos artistas comparten es una forma única de interpretar la realidad, traspasando las barreras de tiempo y estilo. Y eso, queridos lectores, es algo que ni el pasado ni el futuro podrán cambiar.

La pregunta final es: ¿Qué vendrá después en la carrera de Jerome Sabbagh? Solo el tiempo lo dirá, pero una cosa es segura: su enfoque ecléctico e innovador seguirá rompiendo barreras y definiendo el futuro del jazz.

Recuerden, «el futuro pertenece a quienes creen en la belleza de sus sueños», como dijo Eleanor Roosevelt. Y en el caso de Jerome Sabbagh, su sueño de llevar el jazz a nuevas dimensiones parece más vivo que nunca.

The National: Un viaje galáctico hacia el futuro del rock

🚀 ¡Descubre el futuro del rock en una galaxia conquistada! 🌌

En un universo donde la humanidad ha conquistado galaxias lejanas, la música sigue siendo el lenguaje universal que conecta mundos. En este contexto, The National, una banda indie rock estadounidense, se ha convertido en el estandarte de una revolución musical que trasciende planetas y dimensiones. Expertos de diferentes rincones del cosmos se han unido para analizar el futuro de este grupo que ha marcado un antes y un después en la historia del rock.

¿Qué nos depara el futuro con The National?

Dr. Xylon Stardust, reconocido crítico musical de Marte afirma que el último álbum de la banda, “Laugh Track”, es una clara muestra de la evolución y madurez alcanzada tras más de dos décadas de trayectoria. “Es una obra que nos habla del futuro, una sinfonía de energía vintage rock que se fusiona con elementos futuristas, creando una experiencia única”, señala Stardust.

Un álbum que marca un nuevo comienzo

El álbum “Laugh Track” no solo ha sorprendido a los fans terrestres, sino que ha resonado en toda la galaxia. Zyra Vortex, experta en música intergaláctica del planeta Neptar, destaca la colaboración con artistas de la talla de Phoebe Bridgers, Rosanne Cash y Bon Iver en el sencillo “Weird Goodbyes”. “Es una colaboración estelar que nos lleva a explorar nuevas dimensiones sonoras, uniendo pasado y futuro en una melodía que parece venir de otra galaxia”, comenta Vortex.

¿Qué opinan los miembros de The National sobre su evolución?

Aaron Dessner, uno de los pilares de la banda, ha compartido que este álbum representa un renacimiento, una nueva etapa donde la energía retro y vintage se encuentran más presentes que nunca. “Es como una nave espacial que nos lleva a un viaje hacia lo desconocido, hacia un futuro lleno de posibilidades”, menciona Dessner.

Matt Berninger, la voz líder de The National, comparte una visión similar, describiendo este momento como una metamorfosis, una salida de la «cuculjice» hacia una nueva existencia. “Es una aventura que apenas comienza, estamos listos para descubrir qué criatura somos ahora”, afirma Berninger.

¿Qué podemos esperar de The National en el futuro?

“Laugh Track” es solo el comienzo de una nueva era para The National. Gyron Blaze, un historiador musical de la galaxia Andromeda, predice un futuro brillante para la banda. “Estamos ante una revolución musical que marcará un hito en la historia intergaláctica del rock. The National está destinado a convertirse en una leyenda, uniendo mundos a través de su música”, augura Blaze.

“El futuro es una mezcla de lo retro y lo futurista, y The National está en el camino correcto para liderar esta nueva era musical”, concluye Blaze, dejando una pregunta en el aire que resuena en toda la galaxia: “¿Estamos listos para el próximo capítulo en la historia de The National?”

En este contexto de renovación y exploración, The National nos invita a un viaje a través del tiempo y el espacio, con melodías que evocan la nostalgia del pasado mientras nos proyectan hacia un futuro lleno de esperanza y nuevas posibilidades. “Laugh Track” es más que un álbum, es una puerta hacia un nuevo universo musical donde lo retro y lo futurista se encuentran para crear una sinfonía que resonará en toda la galaxia por generaciones venideras.

Con una trayectoria marcada por la innovación y la búsqueda constante de nuevos horizontes, The National se consolida como una banda que no solo ha marcado una época, sino que promete ser la voz de una nueva generación que mira hacia el futuro con optimismo y valentía. En palabras de un antiguo filósofo, “La música da alma al universo, alas a la mente, vuelo a la imaginación, consuelo a la tristeza y vida y alegría a todas las cosas”. The National, con su música, nos brinda todo eso y mucho más, invitándonos a soñar con un futuro más brillante y armonioso.

Mitski: The Land Is Inhospitable And So Are We – Noticias y detalles en profundidad

El álbum y primer sencillo, detalles y fechas | SEO Mitski.

Mitski, la talentosa cantante y compositora estadounidense de origen japonés, es bien conocida por su profunda y emocionalmente resonante música.

Ha ganado renombre internacional a través de su franqueza y estilo auténtico, y ha hecho una marca indeleble en el paisaje de la música contemporánea. Con el éxito de su sexto álbum, «Laurel Hell», y la expectativa de su séptimo álbum, «The Land Is Inhospitable And So Are We», Mitski continúa consolidando su posición en la industria musical. Aquí te presentamos un resumen de los detalles y noticias recientes sobre Mitski y su próximo álbum:

1. Mitski ha anunciado su séptimo álbum de estudio, titulado «The Land Is Inhospitable And So Are We». Este anuncio se realizó a través de una newsletter dirigida a sus seguidores.
2. El primer sencillo del álbum se lanzará el próximo miércoles 26 de julio. La artista compartió esta noticia en la misma newsletter, aunque no se reveló el título de la canción.
3. El álbum se grabó en los estudios Bomb Shelter de Nashville, según un mensaje de voz incluido en la newsletter.
4. No se conocen detalles concretos sobre la fecha de lanzamiento ni la lista de canciones del álbum. Sin embargo, la expectativa es alta, dado el éxito de su álbum previo, «Laurel Hell», lanzado en febrero de 2022.
5. La carrera de Mitski ha sido marcada por importantes logros y reconocimientos. Su disco ‘Laurel Hell’ alcanzó el número 1 de ventas físicas en Estados Unidos y su canción ‘This is a Life’, en colaboración con Son Lux, se nominó a los Oscar.
6. Mitski es famosa por su franqueza y su habilidad para conectar emocionalmente con sus oyentes. Esto la ha convertido en una figura popular.
7. Se han compartido sospechas y pistas sobre nuevos lanzamientos en las redes sociales de la cantante. La mañana del anuncio del álbum, Mitski compartió en Instagram stories las primeras pistas del single principal del nuevo lanzamiento.
8. Mitski es conocida por su dedicación y atención al detalle en su música, lo que demuestra una personalidad perfeccionista y con necesidad de tener el control, aspecto que ha sido crucial para su éxito y su capacidad de posicionamiento en la industria musical.
9. Información adicional sobre Mitski y sus próximas fechas de conciertos están disponibles en su página oficial y redes sociales. Enlaces a su sitio web, Facebook, Instagram, tienda y fechas de tour se pueden encontrar en su newsletter y publicaciones en redes sociales.

https://www.instagram.com/mitskileaks/?hl=es

La Reinvención de Kylie Minogue: Un vistazo a su futuro musical con «Tension»

La renacida Kylie Minogue deslumbra con «Padam Padam», adelanto de su nuevo álbum «Tension».

Uno de los más destacados nombres en la industria de la música, Kylie Minogue, sigue sorprendiendo a sus seguidores con cada paso innovador que da. Más recientemente, esta icónica figura musical lanzó «Padam Padam», un single que sirve como preludio para su nuevo álbum «Tension», anunciado para septiembre. Este trabajo está lleno de expectación y promesas, al mostrar a una Minogue en constante evolución y sin temor a explorar nuevos horizontes.

¿Cuál es el significado detrás de «Padam Padam» de Kylie Minogue?

«Padam Padam» es un sencillo que captura la esencia de Kylie Minogue y la evolución de su música. Producida por Lostboy, esta pista encapsula todo lo que a los fans les encanta de esta estrella del pop: su voz eufórica, un coro contagioso y un ritmo de batería electrónica vibrante. Aunque mantiene la esencia clásica de Kylie, «Padam Padam» es un reflejo de su crecimiento como artista y su disposición a innovar.

«Empecé este álbum con la mente abierta y una página en blanco», declaró Minogue, añadiendo que su enfoque para este álbum fue diferente al de sus últimos trabajos, ya que no existía un ‘tema’ previo. Este cambio en el proceso creativo permitió a Kylie sumergirse en la «libertad de celebrar la individualidad de cada tema», resultando en una mezcla de reflexión personal, entrega al club y melancolía exaltada.

¿Qué se puede esperar del próximo álbum «Tension» de Kylie Minogue?

«Padam Padam» es un fascinante adelanto del próximo álbum «Tension» de Kylie, que será un compendio de «canciones para la pista de baile que buscan el placer y de sensuales cortes pop». Trabajando con varios productores, incluyendo a sus colaboradores de siempre Biff Stannard y Duck Black-well, Kylie Minogue continúa explorando nuevas facetas de su música.

El álbum reflejará la versatilidad de Kylie Minogue, con siete de las canciones co-escritas y producidas junto a Stannard y Black-well. «Tension» promete ser un álbum que refleja la inmutable esencia de Minogue, mientras se adentra en nuevos sonidos y ritmos que mantienen su música fresca y atractiva.

¿Cómo ha sido la carrera de Kylie Minogue hasta ahora?

Kylie Minogue es una verdadera institución en el mundo de la música, con una carrera que se extiende por cinco décadas consecutivas, logrando tener un álbum #1 en cada una de ellas en el Reino Unido, un récord sin precedentes para cualquier artista femenina.

Con una impresionante cifra de más de 80 millones de discos vendidos en todo el mundo, más de 5.000 millones de streams y 8 álbumes #1 en el Reino Unido, su talento ha sido reconocido con 3 BRIT Awards, 2 MTV Awards y un Grammy. Kylie es, sin duda, una figura trascendental en la música que ha sabido reinventarse a lo largo del tiempo, manteniendo siempre un nivel de calidad excepcional en su producción musical.

Con todo esto en mente, el futuro de Kylie Minogue promete ser emocionante. A medida que avanza en su carrera, continúa desafiándose a sí misma y a su música, al mismo tiempo que deleita a sus seguidores con nuevas y emocionantes creaciones. Como dijo alguna vez Friedrich Nietzsche: «Sin música, la vida sería un error». Y con Kylie Minogue, la música siempre es un acierto.

La voz de la cantante del sur de Londres Carmody es un poco como escuchar un viejo disco de vinilo: cálida e íntima, con un toque de desgaste. El álbum Imperfect Constellations está repleto de ritmos electrónicos folks errantes que reflejan perfectamente sus inspiraciones líricas. Carmody (cuyo nombre completo es Jessica Carmody Nathan) colabora desde hace tiempo con Tom Misch (de ahí su éxito South of the River), y en el álbum canta sobre el dolor y la alegría del parentesco en un contexto cosmopolita y multicultural.

El título del álbum hace referencia a las «constelaciones imperfectas» de nuestras relaciones con amigos, amantes y familias. El duelo por la pérdida de su padre es un tema, pero también lo son los aspectos positivos del parentesco, en este caso en un contexto cosmopolita y multicultural

Es la noción de imperfección la que está en el corazón de Imperfect Constellations, un álbum lleno de ritmos electrónicos folks errantes. Carmody (cuyo nombre completo es Jessica Carmody Nathan) dice que sus canciones son «reflexiones», pero en este caso son reflexiones llenas de anhelo y arrepentimiento, las reflexiones de alguien que lucha con la forma en que se relaciona con sus allegados.

Cuando la aclamada cantautora, multiinstrumentista y productora Carmody (también conocida como Jessica Carmody Nathan) toca en directo, aporta una fuerza dinámica que capta el espíritu de las constelaciones imperfectas de la vida. Y su nuevo álbum Imperfect Constellations no es una excepción. Escrito tras la pérdida de su padre, este conjunto de canciones reflexiona sobre las relaciones con amigos y amantes, con la familia, con el propio Londres. Producido por Tom Misch

El futuro de Codice EGO: Música que trasciende la enfermedad y el aislamiento. Descubre el futuro de Codice EGO y cómo enfrentaron la adversidad con su nueva música.

La banda italiana de dark rock, Codice EGO, presenta su nuevo sencillo «Errors And Repairs», después de lanzar en enero «Rainbow’s End». Ambas canciones abordan la lucha de un miembro de la banda ante una enfermedad que cambió su vida.

https://codiceego.com/

«Rainbow’s End» es la primera canción de su próximo EP del mismo nombre, mezclado por Hugo Nicolson (Bjork, Primal Scream, Radiohead). El sencillo presenta a Giulia Oddi como miembro oficial y marca el inicio de la colaboración con el manager Stephen Budd (Gang Of Four, Heaven 17, The Magic Numbers).

La canción sigue la historia de Dario Pelizzari, quien enfrenta un problema de salud repentina durante la pandemia. «Rainbow’s End» ilustra su punto más bajo, mientras atraviesa la transición entre su vida pasada y un futuro incierto. A pesar de los desafíos que la pandemia y el confinamiento traían, Ivan Principato, otro miembro de la banda se unió y Codice EGO reanudó el trabajo en el estudio, creando el próximo EP como una forma de expresar su angustia.

Dejando atrás su sonido atmosférico e instrumental anterior, «Rainbow’s End» y «Errors And Repairs» adoptan un tono más oscuro de rock industrial y electrónico, fusionando diversos géneros y desafiando las convenciones tradicionales de la música. Las letras del EP, coescritas por el aclamado autor y poeta italiano Luca Ragagnin, demuestran las diversas influencias de la banda, que abarcan desde películas de ciencia ficción hasta cómics.

Codice EGO se prepara para su primer concierto en el Reino Unido en Paperdress Vintage en Hackney el 2 de mayo de 2023. El concierto contará con la interpretación completa de su EP, y Giulia Oddi se unirá a la formación en vivo como vocalista.

Mira el video de «Errors And Repairs» a continuación, creado en colaboración con el director Luca Marinuzzi, quien comenta: «La inspiración para el video de ‘Errors And Repairs’ nació en un día frío, escaso de esperanzas e ilusiones. Afuera, la pandemia cubría las casas con capas de miedo y sospecha. Adentro no había más que defender y esperar. Es la segunda etapa de un viaje que comenzó».

No te pierdas el video de «Rainbow’s End» a continuación, que muestra una estética en escala de grises desaturada, simbolizando la búsqueda de Dario por una cura durante la pandemia.

El futuro de la música: transformación y evolución en la era digital

Cómo el futuro de la música se redefine a través de proyectos innovadores y colaboraciones creativas.

El futuro de la música se encuentra en constante evolución, gracias a la confluencia de talentos y tecnologías que permiten la creación de sonidos únicos y experiencias inolvidables. Un ejemplo de ello es el nacimiento de proyectos como el de Codice EGO, que surgió como resultado de una profunda introspección y búsqueda personal, dando lugar a un nuevo enfoque en la música.

Codice EGO es la creación de dos músicos talentosos, Dario e Iván, quienes han compartido una conexión especial desde siempre. Este dúo se propuso desarrollar un proyecto musical que fuera más allá de los límites tradicionales, fusionando estilos y técnicas para dar lugar a algo verdaderamente innovador. Con la incorporación de temas instrumentales, el proyecto evolucionó hacia el uso de letras intensas y emotivas que se combinan con voces poderosas, creando así una experiencia musical única.

Uno de los episodios más destacados en la trayectoria de Codice EGO es ‘Rainbow’s End’, que marca el comienzo de un nuevo camino en el mundo de la música. Este episodio es representativo de la naturaleza innovadora y experimental de este proyecto, que busca explorar nuevos horizontes en la creación artística.

La ubicación en la que Codice EGO se concibió, cerca del Museo Rivoli de Arte Contemporáneo en Turín, Italia, simboliza la confluencia de la creatividad y la vanguardia. Así, este proyecto refleja la influencia del arte contemporáneo en la música, demostrando que el futuro de la música está en manos de aquellos dispuestos a experimentar y desafiar los límites establecidos.

En la era digital, el futuro de la música se encuentra en constante transformación, pues las posibilidades de creación y colaboración son prácticamente ilimitadas. La tecnología y las redes sociales han permitido la conexión de músicos y artistas de todo el mundo, ofreciendo nuevas plataformas y espacios en los que se pueden compartir ideas y proyectos innovadores.

Codice EGO es un ejemplo de cómo el futuro de la música se está redefiniendo a través de la colaboración y la experimentación. Su enfoque novedoso y arriesgado demuestra que hay mucho por descubrir en el mundo de la música y que, incluso en tiempos inciertos, la creatividad y el talento pueden triunfar. Así, este proyecto se erige como un referente para aquellos que buscan dejar su huella en la historia de la música, enfrentándose a desafíos y explorando nuevos territorios con audacia y determinación.

Reinvención de Paramore: el futuro de la música y una nueva era en su carrera

En el Teatro Beacon de Nueva York, la multitud de seguidores de diversas edades no puede contener su entusiasmo al ver a Hayley Williams, Taylor York y Zac Farro, los integrantes de Paramore, sobre el escenario. Aunque algunos piensan que la banda ha resucitado de entre los muertos, los miembros de este grupo pionero del pop-punk se mantienen firmes en su amor por la música y su pasión por seguir adelante.

El camino de Paramore no ha sido fácil. A lo largo de dos décadas, han enfrentado cambios en su alineación y desafíos legales que pudieron haber significado el fin del grupo. No obstante, su sexto álbum, This Is Why, representa una nueva etapa de crecimiento y madurez para la banda, así como el final de su contrato con Atlantic Records, su único sello discográfico hasta la fecha.

Desde sus inicios en 2004, Paramore ha experimentado cambios significativos. Su álbum debut, All We Know Is Falling, se lanzó en 2005, y desde entonces, la banda ha vivido un constante ir y venir de miembros. Sin embargo, su segundo álbum, Riot!, lanzado en 2007, los catapultó a la fama y los posicionó como una de las principales bandas de pop-rock de la década de los 2000.

El éxito del grupo los llevó a participar en eventos como el Vans Warped Tour y a colaborar en la banda sonora de la película Crepúsculo con su sencillo «Decode». Pero también enfrentaron momentos difíciles, como la salida de Zac Farro y su hermano en 2010. A pesar de esto, en 2016, Williams y York invitaron a Farro a volver a la banda para trabajar en su quinto álbum, After Laughter.

Tras el lanzamiento de este álbum, Paramore decidió tomarse un tiempo libre, en el que Farro y Williams trabajaron en proyectos solistas. Sin embargo, en 2021 comenzaron las conversaciones para retomar la música de Paramore, y la banda alquiló un estudio en Nashville para comenzar a trabajar en su nuevo álbum, This Is Why.

El proceso de creación fue un desafío, especialmente para Farro, quien nunca había sido un compositor principal en la banda. No obstante, el resultado fue un álbum que marca un cambio sónico en relación con After Laughter y que aborda temas políticos y sociales relevantes en la actualidad.

Este nuevo capítulo en la historia de Paramore representa una reinvención y una oportunidad para explorar nuevos caminos en su música. A pesar de los obstáculos y desafíos que han enfrentado a lo largo de los años, la banda sigue adelante, demostrando que su amor por la música y su pasión por crear sigue siendo el motor que los impulsa hacia el futuro.

Death and Vanilla: El lanzamiento de su nuevo álbum ‘Flicker’ promete cautivar a sus seguidores en 2023.

En el año 2023, los maestros suecos del dream pop soñador y oscuro, conocidos como Death and Vanilla, han regresado con un nuevo álbum que promete cautivar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes. La banda compuesta por Marleen Nilsson, Anders Hansson y Magnus Bodin, han trabajado arduamente para lanzar su más reciente producción, titulada «Flicker», que consta de nueve pistas que se lanzarán el 17 de marzo en distintos formatos, incluyendo vinilo, casete y formatos digitales, gracias al sello discográfico Fire Records.

El primer sencillo de este nuevo trabajo musical lleva por nombre «Out For Magic», y es una canción que irradia optimismo y energía positiva. Los fanáticos de Death and Vanilla pueden disfrutar del video de presentación de la canción, donde se puede apreciar la calidad musical y la atmósfera enigmática que caracteriza a la banda.

Desde sus inicios, Death and Vanilla han sido reconocidos por su estilo único y su capacidad para crear una mezcla inigualable de sonidos y atmósferas. Con cada nuevo lanzamiento, han demostrado su talento y creatividad, consolidándose como uno de los referentes más importantes del dream pop en la escena musical actual.

El lanzamiento de «Flicker» representa una nueva etapa en la carrera de Death and Vanilla, y sus seguidores no pueden esperar a escuchar lo que la banda tiene preparado. Los ritmos oscuros y enigmáticos que caracterizan a la agrupación, se mezclan con sonidos más luminosos y optimistas en este nuevo álbum, creando una atmósfera única e hipnótica.

Sin lugar a dudas, el lanzamiento de «Flicker» es una excelente noticia para los fans de Death and Vanilla, y una muestra más de que el futuro de la banda es prometedor. Con su estilo único y su capacidad para crear atmósferas enigmáticas y soñadoras, Death and Vanilla se consolidan como uno de los referentes más importantes del dream pop en la escena musical actual, y su legado continuará trascendiendo a través de los años.

P!nk y Ava Max lideran la lista Hot Dance/Electronic Songs de Billboard.

P!nk aterriza en el número 8 de la lista Hot Dance/Electronic Songs de Billboard con su nueva canción «Trustfall». La canción, coescrita por P!nk, Fred Again y John McDaid y producida por Fred Again y John McDaid, se encuentra en su próximo álbum del mismo nombre que saldrá el 17 de febrero. «Trustfall» también es el primer top 10 de P!nk en esta encuesta y ha registrado 3 millones de transmisiones en Estados Unidos y ha vendido 6,000 descargas en el período del 27 de enero al 2 de febrero.

Además de su éxito en la lista Hot Dance/Electronic Songs, «Trustfall» también se posiciona en el número 1 en la lista de ventas de canciones digitales de baile/electrónica, lo que representa el primer líder de P!nk en esa lista. La canción también comienza en el número 12 en Dance/Electronic Streaming Songs, la primera entrada de P!nk en esa lista.

A lo largo de su carrera, P!nk ha logrado siete No. 1 en Dance Club Songs y cuatro No. 1 y siete top 10 en Dance/Mix Show Airplay. P!nk ha liderado Dance/Mix Show Airplay con canciones como «U + your Hand», «So What», «Raise Your Glass» y «Blow Me (One Last Kiss)».

En otras noticias relacionadas con la lista Top Dance/Electronic Albums, Ava Max debuta en el número 2 con su álbum «Diamonds & Dancefloors». Este set pop/dance es la primera entrada de Max en esta lista y ha vendido 15,000 unidades de álbumes equivalentes, lo que también la coloca en el número 34 en el Billboard 200 de todos los géneros. «Diamonds & Dancefloors» también ha producido ocho entradas en Hot Dance/Electronic Songs, con canciones como «Million Dollar Baby», «Ghost» y «One of Us» liderando el camino en los números 11-13, respectivamente.

SG Lewis también hace su tercera aparición en Top Dance/Electronic Albums con «AudioLust & HigherLove» en el número 13 con 2,800 unidades vendidas. Este álbum contiene dos éxitos de Hot Dance/Electronic Songs, «Call on Me» con Tove Lo y «Vibe Like This» con Ty Dolla $ign y Lucky Daye. Cheat Codes también hace su debut en Top Dance/Electronic Albums con «One Night in Nashville» en el número 14 con 2,700 unidades vendidas. Este es el primer álbum de Cheat Codes en esta lista, aunque han tenido 27 entradas, incluidos tres top 10.

El futuro de la música de baile y electrónica sigue siendo brillante, con artistas experimentados y nuevos talentos alcanzando altas posiciones en las listas de Billboard.

P!nk ha logrado algo muy importante al aterrizar sin problemas en el número 8 en la lista Hot Dance/Electronic Songs de Billboard. Con su nueva canción «Trustfall», del próximo álbum del mismo nombre que saldrá el 17 de febrero, P!nk ha obtenido su primer top 10 en la encuesta. La canción ha sido coescrita por P!nk junto a Fred Again y John McDaid, y los dos últimos también la han producido. Con 3 millones de transmisiones en los Estados Unidos y 6,000 descargas en el período del 27 de enero al 2 de febrero.

Patrick Wolf y su EP ‘The Night Safari’: una exploración musical de los círculos viciosos.

Patrick Wolf es un talentoso músico que ha sido adorado por la crítica desde hace más de una década. Con una gran legión de seguidores apasionados, Patrick ha sido esperado con impaciencia y considerado por muchos como un advenimiento musical.

Patrick es un compositor, productor y músico que toca todos los instrumentos en sus canciones. Además, también se encarga de crear su propio vestuario y de producir sus videos musicales. En su más reciente video, «Nowhere Game», Patrick presenta imágenes en blanco y negro que ilumina para mostrar a unos habitantes fantasmagóricos que son traídos a la vida por la música de su violín.

El nuevo video de Patrick es un símbolo de su gran regreso y da esperanza a sus fans sobre el próximo lanzamiento de su EP, The Night Safari. En el video, Patrick menciona que la canción es una reflexión sobre estar atrapado en un círculo vicioso y es una llamada a pedir ayuda. La canción también presenta partes de viola y violín tocadas por Patrick por primera vez en mucho tiempo, lo que demuestra su regreso a sus raíces musicales.

Además de «Nowhere Game», Patrick también ha presentado otro adelanto llamado «Enter The Day», que también será parte de su próximo EP. Con estos dos adelantos, los fans de Patrick pueden estar seguros de que su nuevo material será una experiencia musical única y emocionante.

Greta Van Fleet confirma el lanzamiento de su tercer álbum: ¡la promesa del rock regresa con más energía que nunca!

GRATA VAN FLEET

La banda Greta Van Fleet ha confirmado que pronto editará su tercer álbum, el cual, según sus palabras, está a punto de completarse y esperan que sea tan emocionante como la energía pura del sonido que se remonta a sus días en el garaje. Después de haberse quitado el estigma de parecerse a Led Zeppelin, la banda ha desarrollado su propio sonido y esperamos que este tercer álbum sea el que los catapulte definitivamente al éxito. Aunque han tenido problemas con su gira estadounidense debido a problemas de salud, esperamos que en 2023 podamos disfrutar de su nuevo trabajo y que, quién sabe, tal vez incluso vengan a presentarlo en persona por aquí.

GIRA GRETA VAN FLEET

+ en: Greta Van Fleet editarán en breve su tercer disco

Greta Van Fleet ha estado en el ojo público desde que lanzaron su primer álbum en 2018 y se convirtieron en una de las grandes promesas del rock. Su segundo álbum, lanzado en 2019, también fue muy bien recibido, aunque algunos críticos señalaron que se había enfocado demasiado en la perfección y había perdido un poco de la energía y la raw de su primer álbum. Sin embargo, parece que la banda ha tomado nota de esto y ha decidido volver a sus raíces para su tercer álbum, como señaló el bajista Sam Kiszka en una entrevista: «Conceptualmente, se remonta a casi los días en el garaje, con la energía pura del sonido. Pero ampliando eso, porque somos ahora mejores músicos que nunca».

Es emocionante saber que Greta Van Fleet está trabajando en un nuevo álbum y regresando a la energía y la raw que los caracterizó al principio de su carrera. Aunque han tenido problemas con su gira debido a problemas de salud, esperamos con ansias el lanzamiento de este tercer álbum y la oportunidad de verlos en vivo presentándolo.

La gira de presentación de Immersed en la gira de presentación de Hic Sunt Moundrages, su flamante álbum de debut, promete ser un evento de lo más estimulante, con el hammond y el mellotron sonando a sus anchas. Una nueva ocasión para comprobar que en Francia puede estar moviéndose algo en términos de rock de la vieja escuela. Tras la reciente visita de sus compatriotas Komodor (con los que comparten no sólo cierta afinidad estilística sino también una más que buena relación personal) a nuestras ciudades, ahora tenemos otro motivo de celebración.

Inmersos en el rock meloso de Hic Sunt Moundrages

Nacidos en 2018 en Rennes, la capital de Bretaña, los hermanos Camille y Colin Goallen (Organ Fury y Dr. Mad Drum en sus alias artísticos) inventaron una formación -uno a los teclados y el otro a la batería- que no puede calificarse precisamente de clásica. Pero el caso es que el invento funciona, a base de descargas psicodélicas del más alto octanaje, gongs y percusión de lo más variada. Y todo con la mirada puesta en ese sonido lisérgico tan particular de finales de los sesenta y principios de los setenta.

Inmerso | Hic Sunt Moundrages

Son Moundrag. Son hermanos y no tienen guitarras. Sin embargo, tocan Hard Progressive Heavy Psych.

MIDNIGHT SONIC: Inmersos, cabezas psicológicas francesas.

+ en: Gira española de Moundrag, heavy psych sin guitarras

Fechas Gira: Jueves 24/11: Barcelona, Sala Wolf Viernes 25/11: Sabiñánigo, Sala Corleone Sábado 26/11: Pedreguer, Pub Quatre Estaciones Domingo 27/11: Orihuela, La Gramola Lunes 28/11: Toledo, La Divergente Martes 29/11 Madrid, Wurlitzer Ballroom Domingo 4/12: Cambados, Krazzy Kray Lunes 5/12: Sopelana, La Atalaia…

Immersed es un opus psicodélico para celebrar su debut

Es noviembre de 2022 y Ben Frost publica su banda sonora para la serie alemana «1899», estrenada el jueves 17 de noviembre en Netflix. «1899» es la última instalación de Richard Mosse -el premiado y aclamado fotógrafo de documentales conceptuales- y fue dirigida por Baran bo Odar y Jantje Friese. El trabajo de Frost abarca diversas formas, como instalaciones, actuaciones en directo, partituras de danza, teatro y colaboraciones en estudios. La serie «1899» es la nueva creación de Baran bo Odar y Jantje Friese; ambos artistas son más conocidos por su trabajo en «Dark». Richard Mosse es el premiado y aclamado fotógrafo documental conceptual que está detrás de la instalación «Broken Spectre».

Ben Frost lanzaba en 2022 una banda sonora para la serie alemana «1899»

+ en: Ben Frost, banda sonora de “1899” y nuevo disco a la vuelta de la esquina

Ben Frost estrena la banda sonora de la nueva serie de Netflix «1899»

La música está más interesada en la atmósfera y el ambiente que en la melodía. Hay mucha repetición y estructura, pero no se resuelve de forma convencional.

Ben Frost publicará la banda sonora de «1899

La música de Ben Frost se describe a menudo como «intensa», y es cierto que sus composiciones poseen una energía casi desbordante. La película se ha estrenado hoy en Netflix.

La banda sonora de Ben Frost para «1899» no se parece a nada que hayas escuchado antes

Kapitän, de Ben Frost, es un sencillo espacioso y retumbante con una construcción frenética y un ritmo propulsivo y monolítico. Es una pieza épica que actúa como una extensión del trabajo del compositor en la partitura de la serie de Netflix 1899. Es fácil sentir que el mundo siempre ha sido así, pero Frost es uno de los muchos artistas que llevan años trabajando para llamar la atención sobre el hecho de que nuestro momento actual no es necesariamente una progresión natural del pasado; es algo que fue diseñado por personas y que será remodelado por personas.

El nuevo álbum de Ben Frost incluye la banda sonora de «1899»

Mientras Netflix estrena esta semana la nueva serie «1899», también se ha estrenado la banda sonora.

«Fue un momento difícil de superar porque la música significa mucho para mí». El catálogo musical de Starcrawler sigue creciendo, al igual que las listas de reproducción del grupo. «Hemos estado tocando todas las canciones nuevas que hemos podido», dice. «Es genial que ahora tengamos una variedad de canciones. Hay punk, hay rock y todo lo demás».

Normalmente, eran de Wilde y Henri Cash quienes escribieron la mayoría de las canciones. «Hay un par de canciones que empezó Tim», dice de Wilde. En cuanto a las 10 canciones que componen el álbum, de Wilde dice que ese es el número exacto de canciones que escribió la banda. El viaje de De Wilde con la música ha sido liberador y complicado. «Hubo un periodo de tiempo en el que no podía escuchar música», dice, «pero ahora soy capaz de disfrutarla de una forma totalmente nueva».

La relación de Arrow de Wilde con la música es lógica. Criado en la escena musical de Los Ángeles, parecía inevitable que de Wilde hiciera música. La banda está de gira en apoyo de su nuevo álbum, «She Said». De Wilde dice que la banda ha trabajado en el álbum durante los últimos dos años y está deseando que salga a la venta el 16 de septiembre. «Parece que hemos estado esperando mucho tiempo para el álbum», dice de Wilde. De Wilde dice que esta vez la composición ha sido diferente a la del pasado.

LO QUE SE DICE DE ESTO EN OTROS MEDIOS DE LA GALAXIA CONOCIDA

Soy una chica que escucha música

Normalmente, De Wilde y Henri Cash escribieron las canciones. «Hubo un par de canciones que Tim empezó», dice De Wilde. «Al principio, pensamos que este tema iba a ser para el álbum». Se escribieron diez canciones para el álbum. El viaje de De Wilde ha sido liberador y complicado. «Hubo un periodo de tiempo en el que no podía escuchar música», dice. (tHE WORLD Songs)

Las canciones son como estaciones que dan vida al mundo

El catálogo de canciones del grupo sigue creciendo y la banda está trabajando diligentemente en una nueva lista de canciones. «Hemos estado tocando todas las canciones nuevas que hemos podido», dice. «Es genial que ahora tengamos una variedad de canciones. Hay punk, hay rock y todo lo demás». (The Band)

Con Sunglass & Ash, Andrew Weiss celebra su afinidad por la composición de canciones. Con veinticuatro canciones en este álbum, es difícil ignorar la belleza de una colección tan llena de cartas de amor al arte de la composición. «Ya sea revisando una canción inacabada, escribiendo una canción completamente nueva, escribiendo una letra o un riff», dice Weiss, «me discipliné y formé una rutina». Al final del año, terminó con casi 100 canciones para elegir, que luego se redujeron a 24 favoritas para Sunglass & Ash.

Si tuviera que presentar mi música a nuevos oyentes tocando tres canciones de mi nuevo álbum, elegiría «Tommy’s Teardrops», «¿Con qué hemos aprendido a vivir?» y «Háblame de eso». Creo que estas canciones representan el sonido y la intención de lo que pretendía esta vez. Las letras se dan por supuestas con demasiada frecuencia. No puedes controlar la forma en que la gente «oye» tu música, pero si pudieras hacer que se dieran cuenta de ciertos aspectos, cree que eso diferenciaría tus canciones. Por eso, cuando grabo música, pienso en cómo encajarán las canciones en ese formato. En estos días de listas de reproducción -especialmente en los servicios de streaming- puede ser frustrante que los oyentes no estén disponibles para aceptar las canciones en formato de álbum.

Es muy especial cuando los escritores reseñan mi álbum, hablan de uno que no es single o me envían un mensaje de texto diciendo que les gusta un corte profundo. También me encanta la idea de las listas de reproducción, pero no es así como veo que la música llega a la gente cuando estoy en modo creativo.

+ en: Andrew Weiss and Friends – Sunglass & Ash (Q&A)

LO QUE DICEN DE ESTO EN OTROS MEDIOS DE LA GALAXIA

Escucha el álbum Sunglass & Ash de Andrew Weiss en Spotify

Me encanta cuando los escritores reseñan mi álbum, hablan de uno que no es un single o envían un mensaje de texto diciendo que les gusta un corte profundo. También me gusta la idea de las listas de reproducción, pero no es así como veo que la música llega a la gente cuando estoy en modo creativo. (tHE Single)

En su debut en solitario, Andrew Weiss celebra la composición con 24 canciones que muestran su versatilidad

Elegiría «Tommy’s Teardrops», «¿Con qué hemos aprendido a vivir?» y «Háblame de eso». Creo que estas canciones representan el sonido y la intención de lo que pretendía esta vez. Las letras se dan por supuestas con demasiada frecuencia. No puedes controlar cómo la gente «oye» tu música. Pero si pudieras hacer que conscientes de ciertos aspectos, diferenciarías tus canciones. Por eso, cuando grabo música, pienso en cómo encajarán las canciones en ese formato. En estos días de listas de reproducción, puede ser frustrante que los oyentes no estén dispuestos a aceptar las canciones en formato de álbum. (The Life Music)

Starfish64 lleva bastante tiempo en activo, pero los miembros de la banda nunca han sonado mejor que en su último álbum. Saben cómo hacer música, pero con «Scattered Pieces Of Blue» han elevado su considerable nivel a un nuevo nivel. Contemplativo y reflexivo en algunos momentos, pero también vivo e intenso en otros, es un álbum del que puede estar realmente orgulloso, y que contiene su propia esencia como músicos. Lo recomiendo encarecidamente.

Starfish64 – Scattered Pieces Of Blue [Reseña del álbum]

Forget Me Not se abre con autoridad y seriedad, mientras un Kraftwerk más relajado resopla una melodía en un conjunto de sintetizadores. La corta y dulce «Blue Piece (Reprise)» es como un limpiador de paladar bastante atractivo antes de que un elegante piano abra la melancólica y pensativa «Happiness». La calidad onírica de esta canción es absolutamente encantadora. Tal vez la pieza más interesante y sugerente del álbum, «Time’s Up Utopia» tiene una apertura instrumental extendida, relajante y atractiva que eleva la anticipación a la perfección. Los paisajes sonoros de Tangerine Dream la envuelven, intercalados por las voces más directas, una combinación perfectamente juzgada. Esta canción es posiblemente la mejor que ha escrito la banda, en mi humilde opinión;

+ en: Review – starfish64 – Scattered Pieces Of Blue

Este álbum es el más exitoso de la banda hasta la fecha, y es un testimonio de la solidez de la composición y la fluidez entre estilos dispares. Estos músicos son maestros de la transición, y en otros álbumes de otros artistas, esto no funcionaría. Pero aquí se convierte en la firma de una banda sumamente feliz con su estilo musical. Está la contemplación onírica del primer álbum, Blue Piece Of Something In The Air, la brillantez de Birdsong (¡me gusta mucho esta canción!) con su extenso solo de guitarra al final, y la más optimista Sunrise Over The Weathered Roofs Of Platania. Una canción que debería ser la definición musical de «disposición soleada», tres temas que abren un álbum con mucho estilo.

LO QUE CUENTAN DE ESTO EN OTROS MEDIOS DEL UNIVERSO

Reseña: Starfish64 «Piezas de azul esparcidas»

En su nuevo álbum, el más exitoso de la banda hasta la fecha, la composición es sólida y la fluidez entre estilos dispares funciona. Los músicos son maestros de la transición de una manera que a otras bandas les cuesta. Aquí se convierte en su estilo característico, y hay que preguntarse si están realmente contentos con ello. Está la contemplación onírica del primer disco, Blue Piece Of Something In The Air, la brillantez de Birdsong (¡me gusta mucho esta canción!) con su extenso solo de guitarra al final y la más optimista Sunrise Over The Weathered Roofs Of Platania. Una canción que debería ser la definición musical de «disposición soleada», tres temas que abren el álbum con gran estilo. (The Exit)

Trozos de azul dispersos de Starfish64

Forget Me Not es una canción elegante que me recuerda a un Kraftwerk más relajado, la plétora de sintetizadores y teclados es una maravilla para contemplar. La corta y dulce Blue Piece (Reprise) es como un limpiador de paladar bastante atractivo antes de que un elegante piano abra la melancólica y pensativa Happiness. La calidad onírica de esta canción es absolutamente encantadora. Quizá la pieza más interesante y sugerente del álbum, Time’s Up Utopia, tiene una apertura instrumental prolongada, relajante y atractiva, que eleva la anticipación a la perfección. Los paisajes sonoros de Tangerine Dream la envuelven, intercalados por las voces más directas; fluye y refluye de forma absolutamente convincente y te deja completamente satisfecho». (La Utopía de Andrómeda)

Trozos dispersos de Blue de Starfish 64 Reseña

starfish64 lleva bastante tiempo en el mercado y definitivamente sabe cómo hacer música, pero con «Scattered Pieces Of Blue» han elevado su ya un nivel considerable a un nuevo nivel. Este álbum me pareció reflexivo, contemplativo y vívido a veces, con una intensidad que me dejó boquiabierto. Lo recomiendo encarecidamente. (El Correo Azúl de Saturno)

Salvador «Chapi» Colombo, teclista del grupo argentino Bándalos Chinos, nos cuenta que ya han tenido que actuar en condiciones climáticas difíciles: «En México tocamos en Tulum y Cancún, noches de cuarenta grados y cien por ciento de humedad, rezando para que el sudor no se meta en las teclas y me rompa el teclado…

Y este año también estuvimos en San Luis, Argentina, con tres grados. los dedos temblando». El viernes tendrán que subir a tres mil doscientos próximos metros de altura en Huancayo, con una temperatura mínima prevista de dos grados, para cerrar la primera de las dos citas del Festival Centro de Perú. Un evento que ha reunido a artistas internacionales como Él Mató a un Policía Motorizado, Las Ligas Menores, Gativideo (Gatica Video), El Zar, Arde la Sangre, La Garfield… además de una nutrida delegación local.

El nuevo disco de SONIDOS DEL SUR, «El Big Blue», incluye doce canciones, entre las que destacan sencillos como «Mi fiesta» y «Cállame». Ha sido producido por el músico Adán Jodorowsky, un personaje que ha sido clave en la trayectoria del grupo. «Es como un padrino profesional. Nos presentó a mucha gente, siempre habló muy bien de nosotros y se convirtió en un amigo también. Después de grabar tres discos con él, ya hay otro tipo de vínculo. Es como un gurú actuó como un psicólogo, un psicomago, un terapeuta». Con éxitos como «Vámonos de viaje» o «Departamento», Bándalos Chinos se ha convertido en una banda de referencia de un nuevo movimiento de rock y pop argentino del que se sintió afortunado de formar parte.

Zooey Deschanel y Matt Ward llevan más de 10 años juntos. Se conoció cuando ambos eran músicos de la banda tributo a los Beach Boys, «The Zoo». Desde entonces siguen siendo muy amigos y ahora están comprometidos.

«Siempre hemos tenido una conexión muy especial», dijo Deschanel. «Es difícil de explicar, pero era como si nos conociéramos de otra parte; como si nos conociéramos desde siempre».

Ward coincidió con su sentimiento. «Es como si todo el universo hubiera conspirado para unirnos», dijo. «Estábamos destinados a estar juntos».

+ en: The Beach Boys brought us together, says Zooey Deschanel and Matt Ward

El gran avance de Zooey en su carrera como cantante, además de su actuación consolidada, se produjo cuando conectó con Matt durante el rodaje de la película de viajes por carretera The Go-Getter.

La película era una película indie sobre un joven que deja su ciudad natal para perseguir su sueño de convertirse en músico. Zooey interpretó el papel de su novia, que se queda en su pueblo natal y suspira por él mientras está de viaje.

Matt también participó en la película, pero no se supo hasta que terminó el rodaje. Descubrieron que tenían amigos comunes y se conectaron por su amor a la música.

Zooey lanzó su primer EP titulado «Bunny» en noviembre de 2010, que grabó con la banda de Matt, el líder de Fun. Nate Ruess. También actuó en SXSW ese año con Matt y sus compañeros de banda en Fun., así como con su hermana Emily Blunt en su banda llamada The Blunt Sisters.

Al año siguiente, Zooey lanzó su álbum de debut Vows (4 de mayo), que debutó en el número ocho de la lista Billboard 200 y recibió críticas positivas de los críticos. Incluye colaboraciones con Ruess de Fun., Ben Gibbard de Death Cab for Cutie y Rostam de Vampire Weekend.

Zooey se convirtió en la voz de la música de Matt y él fue su productor en su primer álbum «Rooftops». Esto ayudó a cimentar su relación ya crear confianza entre ellos. Pudieron trabajar juntos en futuros proyectos.

La carrera musical de Zooey está en pleno apogeo, pero siempre ha sido una cantante con talento, incluso antes de la película The Go-Getter.

The Architects han anunciado su décimo álbum de estudio, ‘The Classic Examples of a Broken Spirit’, que saldrá a la venta el 21 de octubre a través de Epitaph Records. La siguiente de ‘For Those That Wish To Exist’ de 2021, fue producida por el vocalista Sam Carter y el guitarrista Dan Searle, con la producción adicional del guitarrista Josh Middleton. Está disponible para pre-pedido aquí.

+ en: Architects announce ‘The Classic Symptoms Of A Broken Spirit’ album

La lista de canciones de ‘The Classic Examples Of A Broken Spirit’ es la siguiente:

1. ‘Deep Fake’
2. ‘Tear Gas’
3. ‘Spit The Bone’
4. ‘Burn Down My House’
5. ‘Living Is Killing Us’
6. ‘When We Wer Young’
7. ‘Doomscrolling’
8. ‘Pesimista nacido de nuevo’
9. ‘Un nuevo terreno moral bajo’
10. ‘Todo el amor del mundo’
11. ‘Ten mucho miedo’

«Estoy muy emocionado con este disco», dice Carter. «Estamos en un momento muy bueno ahora mismo como banda y como personas, así que todo el mundo estaba abierto a probar cosas que normalmente no haríamos. Parece que no se ha hecho nada antes y es emocionante compartirlo con la gente».

The Architects comenzaron a trabajar en el nuevo álbum en su ciudad natal de Brighton, Inglaterra, en su propio estudio, al tiempo que alquilaron otro espacio en Londres para trabajar más lejos de casa.

«Sentíamos que empezábamos de nuevo», continúa Carter. “Estábamos probando cosas nuevas y haciendo cosas diferentes a las que habíamos hecho antes.

5 de noviembre
– First Direct Arena, Leeds
6 – OVO Hydro, Glasgow
8 – 3Arena, Dublin
9 – SSE Arena, Belfast
11 – Resorts World Arena, Birmingham
12 – The O2, Londres
14 – Motorpoint Arena, Cardiff
15 – International Centre, Bournemouth

Eros Ramazzotti vuelve con Ama.

Tras su último álbum, Battito Infinito, el vídeo de AMA trae un nuevo y universal mensaje de amor. Un himno a la libertad ya amar como se quiere, sin límites, fronteras ni barreras, celebrando todas las formas y facetas del amor.

Eros ha querido compartir esto con Michelle Hunziker y Aurora, nacida de su unión. AMA a tu prójimo, AMA a ti mismo, AMA a los que te rodean ya los que han hecho tu vida mejor, con los que el amor nunca termina, sino que toma una nueva forma – diferente, pero igual de importante.

AMA, el álbum BATTITO INFINITO, y las conocidas canciones que han formado parte del éxito que EROS ha tenido, conformarán la Gira Mundial que -tras estrenarse en Sevilla (España), Agrigento (Italia), Verona (Italia), Atenas (Grecia) y Cesárea (Israel)- comenzará el 30 de octubre de 2022 en Los Ángeles con otros sesenta shows por todo el mundo: primero en Norteamérica y Sudamérica, seguido de Europa desde febrero de 2023 hasta mayo de 2023 con diez eventos en Italia

Basado en una idea de Eros Ramazzotti, el vídeo de Ama aporta un mensaje de amor nuevo y universal.

Un himno a la libertad ya amar como uno quiera, sin límites, fronteras ni barreras, celebrando todas las formas y facetas del amor.

Eros ha querido compartirlo con Michelle Hunziker y Aurora, nacida de su unión.

AMA a tu prójimo, AMA a ti mismo, AMA a los que te rodean ya los que han hecho tu vida mejor, con los que el amor nunca termina, sino que toma una nueva forma – diferente, pero igual de importante.

AMA – el álbum BATTITO INFINITO – formará parte de la GIRA MUNDIAL que – después de estrenarse en Sevilla, Agrigento, Verona Atenas y Cesárea – comienza el 30 de octubre de 2022 en Los Ángeles con otros sesenta shows alrededor del mundo: primero en Norte , Centro y Sudamérica, luego continúa por Europa desde febrero de 2023 hasta mayo de 2023 con 10 eventos en Italia.

+ en: Eros Ramazzotti regresa con Ama, un videoclip en el que participan su mujer y su hija – Cadena Dial

En un mundo en el que estamos constantemente sometidos a imágenes de violencia, sufrimiento y odio, es agradable que nos recuerden lo bueno de la vida.

Y eso es exactamente lo que hace el álbum Ama.

El guitarrista de Red Hot Chili Peppers, John Frusciante, dijo que la banda «guardó parte de su mejor material» al escribir «Unlimited Love» para su próximo álbum.

En retrospectiva, los Red Hot Chili Peppers tenían mucho que celebrar con su octavo álbum de estudio, By the Way. Publicado el 9 de julio de 2002, fue un éxito de ventas multimillonario que dispuso al grupo su posición más alta en las listas hasta la fecha, el número 2 del Billboard 200, al tiempo que dejó un par de sencillos: «Can’t Stop «y el tema principal.

Frusciante reconoció en The Red Hot Chili Peppers: An Oral / Visual History que «definitivamente empezó a haber una desconexión entre Flea y yo. Fue difícil, ese disco, para Flea y la relación conmigo».

Mientras tanto, las letras de Kiedis en By the Way eran más directamente personales, inspiradas por el amor recién descubierto y la sobriedad. «Toda esta gente brillante estaba tratando de imponer su voluntad en el resultado de esta enorme cantidad de música que habíamos acumulado», se lamentó.

Sekera explicó que la banda tiene un total de 48 canciones, de las cuales 17 pasaron a formar parte del LP. Y es que los Red Hot Chili Peppers están más inspirados que nunca y listos para distribuir nuevas canciones.
«Fuimos con… alrededor de 45, y luego escribimos muchas canciones mientras grabábamos las canciones básicas, o cuando estábamos en preproducción», explicó Frusciante en una nueva entrevista. «Estaba listo para renunciar cuando había unas 20, sentí que era bastante bueno». Y, de hecho, hubo tres puntos en el proceso de composición cuando pensé: ‘Tenemos suficientes canciones. Dejaré de componer».

«Pero una cosa llevó a la otra, y de una forma u otra me animaron constantemente a traer más pistas», continuó. «Entonces, antes de que nos diéramos cuenta, teníamos muchas más canciones de las que escribimos para el disco». Y Anthony Kiedis escribió sobre todo el material, creo que solo hay una canción para la que no escribió todas las voces».

Para poner estos números en contexto, Frusciante ofreció una comparación: «Escribimos 33 canciones o algo así para ‘Stadium Arcadium’. Así que fue un poco más de lo que nunca hicimos. Sin embargo, siento que hemos guardado mucho del mejor material para un posible próximo disco, así que estoy emocionado de materializarlo».
«Todavía estamos mezclando el resto del material, así que no hay un disco específico», dijo.

+ en: Red Hot Chili Peppers no habrían publicado su mejor material en ‘Unlimited Love’: “Para el próximo»

https://rhcp.lnk.to/unlimitedlove

BAEKHYUN: Icono de moda, estilo de vida y belleza. El ascenso del cantante surcoreano Baek-Hyun, BAEKHYUN

Byun Baek-Hyun, conocido profesionalmente como BAEKHYUN, es un cantautor de Corea del Sur que hizo su debut mundial en 2012 como parte de la banda de chicos de Corea del Sur y China EXO.

EXO, un grupo que unió a China y Corea, también estaba liderando la ola que llevó a los ídolos de KPOP a las costas occidentales y alrededor del mundo. Durante la era del KPOP de segunda generación, Lee Soo-Man, fundador de SM Entertainment, quería crear un grupo chino y coreano para ayudar a promover artistas en ambos campos, un concepto desconocido en ese momento. Una de esas personas es BAEKHYUN, el vocalista principal de EXO.

Luego lanzó dos mini álbumes, “City Lights” y “Delight” en 2019 y 2020, respectivamente, rompió las listas coreanas, con más de un millón de copias vendidas cada uno. Debido a su gran éxito, BAEKHYUN ahora es conocido como “KPOP’s Genie Idol”, por sus habilidades vocales sobresalientes, habilidades de baile bien revisadas y personalidad cariñosa, ruidosa y súper divertida.

Más recientemente, el 30 de marzo de 2021, BAEKHYUN lanzó su tercer mini álbum, “BAMBI”, el último álbum que los fanáticos obtendrían antes de alistarse en el ejército. “BAMBI”, un sensual álbum de R&B, exploró vívidamente el amor y la comodidad, donde pista tras pista, su voz conmovedora y aterciopelada, asociado al videoclip de sus canciones, destila elegancia y romanticismo.

El disco comienza con la canción «Escena de amor», una especie de canción suave y silenciosa. “Bambi”, uno de los muchos temas queridos del álbum, rezuma sofisticación, pero tiene un giro, ya que es la primera vez que Baekhyun profundiza en las diversas facetas del género R&B, mientras que sus otros álbumes tienden a ser más optimistas.

Pero «Bambi» y todo este álbum están fuera de la zona de confort de Baekyhun y es bueno ver que el trabajo y el esfuerzo que puso en esta canción han valido la pena con la gran respuesta que ha recibido.

Parque de atracciones

Esta canción comienza con una melodía de piano y, a medida que avanza, cambiará entre el piano y un instrumento más tenue similar a «Bambi». Pero,  también puede incorporar el tema continuo del amor en esta canción mostrando la idea de un parque de diversiones y fusionándola con la idea del amor y esto se puede ver con su letra “Lleno de sueños y amor/ Vamos a un mundo misterioso / Coloridos fuegos artificiales / Un magnífico desfile para los dos / Yo soy tu parque de diversiones».

Vida privada

«Privacy» es una pista de progresión en este álbum, desde el amor dulce y juguetón hasta la música sensual y seductora. Esta pieza audaz es posesiva y casi insinúa un romance oscuro. La letra «No eres el ‘tú que todos conocen/Eres solo mi bebé, mi vida privada’ sugiere sutilmente mantener una relación en privado y no querer hacerla pública. La cultura ha dado forma a cómo se ven las citas, pero ahora que KPOP ha llegado al mundo occidental con tanta fuerza, muchos fanáticos buscan normalizar las citas.

llorar por amor

La última canción de este álbum, «Cry For Love», es un verdadero grito de amor porque significa un alejamiento de los suaves y cálidos sentimientos de amor que este álbum desprendía con las otras canciones. Esta canción tiene un ritmo más lento donde es una pista más evocadora en lugar de contarnos una historia como las otras canciones emocionantes de este álbum. Es un buen tema final para este álbum porque a lo largo de las otras canciones siento que estoy soñando y caminando sobre una nube.

+ en: BAMBI

BAEKHYUN BAMBI.

Byun Baek-Hyun, conocido profesionalmente como BAEKHYUN, es un cantante y compositor surcoreano que debutó mundialmente en 2012 como parte de la boy band surcoreana-china EXO.

Desde entonces, ha lanzado dos singles en solitario: «Dream» y «Young & Free». También ha participado en varios temas de otros artistas, sobre todo en «Cheer Up» de TWICE, que fue producido por Park Jin-Young (JYP).

Baekhyun nació en Seúl, Corea del Sur. Su familia está formada por sus padres y un hermano mayor llamado Kim Min-gyu. Baekhyun se graduó en la Escuela Superior de Artes de Anyang en la Universidad Normal de Anyang y asistió a la Universidad de Kyunghee con sus compañeros del grupo Sehun y Chanyeol; se especializó en cine en la universidad, pero abandonó en 2012 para trabajar en su carrera como cantante de ídolos.

Nuevo tema de Michael Bublé

El nuevo disco de Michael Bublé saldrá a la venta en unos días y acaba de publicar el cuarto adelanto de este trabajo.
La canción se llama «Un ruiseñor cantó en Berkeley Square» y es la cuarta canción del álbum «Higuer» de Michael Bublé. Esta canción viene después de «I’ll Never Love You», «Darling» y «Higher».

Como estamos acostumbrados, es una canción muy melódica y tiene una gran historia detrás. Así, en “Un ruiseñor cantó en Berkeley Square”, Michael Bublé cuenta la historia de una pareja y su evolución.

La canción empieza donde todas las historias de amor: cuando una pareja se encuentra. Así, en Londres Serían las dos personas reunidas por primera vez en la plaza Barkeley en el centro de la ciudad. También la plaza que da nombre al tema.

Según el propio Michael Bublé, un ruiseñor cantaba el día que se conocieron. Y con cada paso que daban aquella “noche mágica”, el ruiseñor volvía a cantar.

El video acompaña esta historia con ilustraciones de amor. Sobre un fondo negro podemos ver una rueda de la fortuna, algunos bancos, edificios icónicos de Londres y por supuesto el ruiseñor.

+ en: Nuevo tema de Michael Bublé

El proyecto musical posterior a Rush más serio de Alex Lifeson, Envy of None, ha lanzado un nuevo sencillo llamado «Look Inside».

La nueva banda nació de una colaboración entre Lifeson y el bajista Coney Hatch Andy Curran, que se remonta aproximadamente a 2016, después de que terminara la última gira de Rush. Finalmente, el dúo amplió su asociación para incluir a la cantante y teclista Maiah Wynne y al multiinstrumentista Alpha Annibalini.

Lifeson y Curran comenzaron a hablar públicamente sobre el proyecto el verano pasado cuando su debut del mismo nombre fue mixto.

Las texturas electrónicas cambiantes y los bucles de guitarra psicodélicos del proyecto se construyen junto con las melodías angelicales de Wynne y la sinceridad innata de su voz. La banda no se parece en nada a Rush o Coney Hatch, sino a Massive Attack, Nine Inch Nails, Phantogram o Depeche Mode.

Lifeson y Curran admitieron que un componente de su entusiasmo por el proyecto es lo poco que tiene, acústicamente, en común con la  otra música por la que son conocidos.

«Look Inside» es el segundo sencillo del álbum, que se lanzará el 8 de abril a través de Kscope. El primer sencillo fue «Mentiroso».

A pesar de su orgullo por el producto Envy of None terminado, Lifeson expresó poco deseo de volver a la escena. En julio pasado, admitió que no había «considerado tocar en vivo» desde Rush, pero dijo que podría reconsiderar «un puñado de apariciones» con Envy of None para promocionar el nuevo álbum.